UNIVERSO DA MÚSICA

Discos: MASTODON - "THE HUNTER"

2012-01-13T23:38:00.000Z

Os Mastodon actuam no próximo dia 22 de Janeiro no Coliseu de Lisboa.

Considerado por várias listas como um dos melhores de 2011, o mais recente trabalho dos Mastodon é, mais uma vez, demonstrativo de uma criativdade e imaginação raros no panorama musical actual. Desta vez, os norte-americanos surpreendem fãs e crítica apresentando uma colecção de canções curtas de forte pendor psicadélico. Se o álbum anterior, "Crack The Skye", era dominado por longas composições em que os momentos mais mágicos ficavam diluidas, agora cad riff serve de mote para uma canção de duração média com métrica mais convencional. Desta forma, cada parte é apreciada por si ao constiuir um riff ou um refrão forte, sendo cada tema mais memorizável. No todo, é mais fácil ter a noção do talento do grupo.

O som mais metal parece algo posto de lado em prol de canções de sonoridade mais rock, mas com a personalidade e a admirável técnica dos Mastodon. Black Tongue, Curl Of The Burl, Dry Bone Valley, All The Heavy Lifting possuem nuances de 70's, stoner e de grunge mas a sua originalidade fá-las de outro campeonato.

Há espaço para temas mais estranhos, como Blasteroid ou Octopus Has No Friends, e a vertente imagética e psicadélica, que esteve sempre latente, aperece ainda mais acentuada, como nos espectaculares Stargasm, The Sparrow e no tema título. A intro de Creature Lives chega mesmo a conter uma citação propositada a Pink Floyd.

As vozes aparecem mais límpidas do que nunca com Brent Hinds (guitarrista) e Brann Dailor (baterista) em destaque, mas Troy Sanders (baixista e voz e principal) continua com os seus hurros de pirata em dia de tempestade. Bill Kelliher continua com a sua exclusividade à guitarra.

O facto das canções já não terem aquela estrutura progressiva e a falta de petardos de energia (como Blood and Thunder, Circle Of Cysquatch ou Crystal Skull) de outros álbuns podem ser para alguns, como este escriba, pontos em desfavor deste "The Hunter". Em todo o caso, esta nova aventura dos Mastodon revela que a banda continua excitante, cativante e a apostar na qualidade e profundidade da sua música, em contra-corrente ao que é, infelizmente, cada vez mais comum hoje em dia.

OS ÁLBUNS MAIS ESPERADOS DE 2012

2012-01-02T23:27:00.000Z

BLACK SABBATH: os inventores do metal regressam aos discos 34 anos depois da saída do seu vocalista original e com ele de volta: Ozzy Osbourne.
MINISTRY: depois do sucesso e inspiração dos seus últimos trabalhos, Al Jourgensen foi "obrigado" a reunir de novo a sua banda, uma das mais interventivas da actualidade e talvez a melhor do industrial-metal.
SOUNDGARDEN: os vetereanos do grunge já tinham regressado aos concertos e este ano têm agendado um novo álbum que, a julgar pelos aperitivos, promete.
VAN HALEN: outro regresso dos horizontes da memória é o de David Lee Roth aos Van Halen. Já não cantava com a banda desde a altura em que lançaram o seu maior sucesso, o tema Jump, em 1984.
THE CULT: Com Bob Rock ao lema da produção, aguarda-se sempre o melhor de um novo álbum deste espectacular grupo. Algumas canções foram já interpretadas ao vivo.
DOWN: Phil Anselmo, Pepper Keenan e cª têm agendada para este ano nova dose de narcóticos auditivos de raíz clássica.
LAMB OF GOD: um dos pesos pesados do metal actual têm álbum anunciado para este ano.
TESTAMENT: os veteranos do thrash metal têm também disco novo na calha.
MUSE: um dos maiores sucessoas da pop actual, prometem novos sucessos e tourneés estonteantes.
MADONNA: a senhora ícone da pop anunciou um novo trabalho para este ano.
ORELHA NEGRA: ao nível da música portuguesa, temos prometido um álbum deste projecto que junta membros de várias bandas como Cool Hipnoise, Spaceboys, entre outras.
SÉTIMA LEGIÃO: não é um regresso aos discos mas um regresso aos palcos desta que é uma das melhores bandas portuguesas de sempre e onde militou, entre outros, Rodrigo Leão.

OS MELHORES ÁLBUNS DE 2011

2011-12-26T17:00:00.000Z

Aqui ficam alguns dos melhores álbuns de 2011 segundo o UNIVERSO DA MÚSICA.

Machine Head - "Unto The Locust"

Trivium - "In Waves"

Mastodon - "The Hunter"

Red Hot Chili Peppers - "I'm With You"

Jane's Addiction - "The Great Escape Artist"

Fleet Foxes - "Helplessness Blues"

PJ Harvey - "Let England Shake"

Foo Fighters - "Wasting Light"

Devin Townsend - "Ghost"
Black Keys - "El Camino"
Adele - "21"

Buraka Som Sistema - "Komba"

Paus - "Paus"

Rubrica "Os melhores álbuns de sempre": THE CULT - «LOVE» (1985), «ELECTRIC» (1987), «SONIC TEMPLE» (1989)

2011-12-20T14:56:00.000Z

Estávamos em 1985 e, depois de vários trabalhos, em nome próprio ou com outros, em que se destacaram como pontas de lança do movimento gótico, os The Cult arriscam em lançar "Love" que marca claramente uma evolução para outras sonoridades. A produção, bastante admirada ainda hoje, foi uma pedrada no charco para altura, com o disco a soar como se de uma actuação ao vivo se tratasse, mas num local com muito eco , tipo uma igreja, o que lhe conferia uma aura de mistério. Basicamente, "Love" é um cruzamento de rock gótico mais obscuro com a energia do rock pós-punk mais optimista, feito por bandas como os U2 iniciais, Chameleons, Big Country,etc; acrescentando-lhe ainda influências do rock psicadélico dos anos 60. Tudo embrulhado num formato bastante acessível com ritmos surpreendentemente dançáveis (!?). Aqui aparecem pela primeira vez o estilo de canções gothic-pop depois popularizado por bandas como os The Mission, Gene Loves Jezebel, Héroes del Silencio, etc. É o caso de temas como "Nirvana", "Rain", "Hollow Men" e do hit "She Sells Sanctuary". "Love" marca também a reabilitação do efeito wha-wha na guitarra rock, que desde Jimi Hendrix praticamente só era usado noutros estilos. A canção "The Phoenix" é, neste particular, sublime, com um solo demoníaco que se estende ao longo de todo tema. Para completar, temos os temas mais calmos, "Brother Wolf..." e "Black Angel", marcados pelo forte romantismo (no sentido literário do termo), para além desse grande hino geracional que é "Revolution".
Depois da tour de "Love", os The Cult contratam o produtor Rick Rubin, então com um auspicioso início de carreira, e gravam aquilo que é capaz de ser a maior pirueta na carreira de uma banda. "Electric" é quase o contrário do disco anterior apesar de igualmente inspirado. Os ecos, o ambiente nocturno e o psicadelismo são agora substituídos por um som seco, directo e distorcionado, como se estivessem a tocar na nossa sala de estar. Numa linhagem AC/DC, todos os riffs são um verdadeiro murro no estômago, puro e duro. "Wild Flower", "Lil' Devil" e "Love Removal Machine" são clássicos intemporais , para além de outros como "Peace Dog", "Bad Fun" e "Outlaw", igualmente míticos, sem esquecer aquela que será, porventura, a melhor versão do clássico "Born To Be Wild". Com este álbum, e a tour que se seguiu, os The Cult conquistaram uma enorme base de fãs nos EUA sendo das bandas britânicas mais famosas do outro lado do Atlântico nas últimas décadas. Indispensável para qualquer motard que se preze, "Electric" colocou também os The Cult como um grupo incontornável para os fãs do metal/hard n'heavy.
Em 1989 é lançado o trabalho que acaba por ser uma espécie de síntese dos 2 anteriores e o álbum mais bem sucedido em termos de vendas dos The Cult. "Sonic Temple" representa o hard-rock na sua perfeição: composições talentosas, técnica soberba, letras inspiradoras, e uma produção espectacular (Bob Rock faz aqui o seu trabalho prévio ao Black Album dos Metallica). O guitarrista Billy Duffy e o vocalista Ian Astbury têm aqui as melhores prestações de sempre. Apesar de superficialmente o álbum ter a ver com a corrente hard-glam então em voga, a verdade é que estas canções e todo o alinhamento está muitas milhas à frente de tudo o que se ouvia e é, na prática, uma paradigma do que de melhor já se fez e fará na música rock. Desde os temas mais fortes e imediatos, como "Sun King", "Fire Woman" e "Sweet Soul Sister", até aos mais mid tempo, como "Edie" e "Wake Up Time For Freedom", não há nada que falhe neste disco. Quiçás o momento alto do álbum seja a sequência "Soul Asylum"/ "New York City" /"Automatic Blues": dois épicos, profundos e poderosos, com sucessivas camadas de guitarra e refrões dramáticos, intercalados por uma rockalhada no melhor estilo que retrata na perfeição o ritmo agitado daquela metrópole. Grandioso!
Os The Cult têm tido uma carreira de altos ("Beyond Good And Evil" de 2001 é um deles) e alguns baixos, algumas interrupções de carreira e a associação a outros projectos (como a participação de Astbury nos Doors XXI), para além de alguma intermitência na sua popularidade. Em todo o caso, os 3 álbuns aqui referidos ditaram modas e movimentos, influenciaram inúmeras bandas e, por isso, fazem parte da história da (boa) música.
(Nota: clicar nos links com o nome dos álbuns para ouvir)

Perdidos no tempo: MORITURI

2011-12-12T15:42:00.000Z

Criadores de uma música de excepcional qualidade, os Morituri foram uma banda que existiu na segunda metade da década de 80, tendo feito algum furor no underground lisboeta. Praticavam uma música extremamente avançada para a altura, tendo sido dos primeiros (do Mundo se calhar) a cruzar estilos tão díspares à época como o gótico, o metal, o punk e o rock sinfónico. Anteciparam até movimentos e correntes que viriam a surgir anos depois, como as bandas de metal operático ou black sinfónico (proporções à parte, claro).

A sua carreira foi curta e, lamentavelmente, não deixou nenhum registo discográfico editado comercialmente. Assim, cancões de grande talento como "Tédio", "Luzes Vermelhas", "Viver A Sua Vida ", "Crime no Paraíso", entre outras, ficaram, por isso, esquecidas no tempo.
Dos grupos que fizeram parte do boom criativo da segunda metade da década de 80 e que nunca chegaram a editar nenhum disco, e não foram poucos, os Morituri serão, por ventura, o caso mais emblemático dessa injustiça.
Para conhecer a banda, consulte-se o seu My Space: http://www.myspace.com/morituri1986

Discos: JANE´S ADDCICTION - "THE GREAT ESCAPE ARTIST"

2011-12-04T12:24:00.001Z

Já lá vão duas décadas desde que os Jane's Addiction se tornaram um nome fundamental na história da música, não só pela inovação e influência do seu som como também pelas portas que abriram às bandas e editoras independentes nos EUA. Desde aí, muita coisa se passou, desde um longo interregno, ao crescimento de um culto, até ao regresso às tours e aos discos. O seu álbum de originais anterior - "Strays" de 2003 - representava uma súmula do seu som: guitarras pujantes, ritmos afunkalhados e a voz "celestial" de Farrell No entanto, dado os anos que tinham passado, o trabalho foi mal entendido por uma razão principal: a característica crossover já não tinha a urgência destes tempos - demasiado pesado para os ouvintes "alternativos", pouco convencional para ser metal. A compartimentalização da música do século XXI já não tinha a ver com a explosão de criatividade e mistura de estilos do início dos 90.

Assim, os Jane's Addiction regressam neste "The Great Escape Artist" à sua origem natural: o rock alternativo ou, pelo menos, ao lado mais inovador e descomprometido da música. Logo na primeira audição verificamos que oo grupo andou a ouvir muito pós-punk e gótico dos anos 80. Os The Chameleons e os The Sound andaram por aqui, nomeadamente nos sons e melodias da guitarra de Navarro. Mas desenganem-se aqueles que pensam que o álbum está virado para ambientes obcuros. Os Jane's Addiction continuam a ser aquela banda exuberante e sonhadora.

Underground (uma declaração de intenções sobre o não-alinhamento da banda) e Irrisitible Force (sobre o poder da espiritualidade) são os candidatos mais fortes a constituírem hinos nos seus concertos. End Of The Lies mantém a toada rock e Words Right Out Of My Mouth cheira a punk. Mas o resto do álbum é esencialmente calmo e com a referida influência gótica, conforme demonstram canções como I'll Hit You Back e Twisted Tales, apesar dos refrões declaradamente alegres. Por sua vez, temas como Broken People revelam que o grupo continua a destilar talento.

Dave Navarro apresenta aqui uma viragem no seu som característivo de guitarra que, apesar de inovador e surpeendente, aperece bastante mais contido que noutras ocasiões. Stephen Perkins abandona os habituais break beats e aposta mais no pormenor e em ritmos calmos - Splash A Little Water On It chega a ser quase trip-hop. Mas argamassa que une o todo é o trabalho de Perry Farrell - com a qualidade que nos tem vindo a a habituar nos seus projectos paraleos (Porno For Pyros e Satellite Party) bem como na sua carreira a solo (especialmente no fantástico "Songs Yet To Be Sung"). A nível lírico, Farrell continua a equilibrar realismo com misticismo asumindo o seu estatuto de guru das vibrações positivas.

Com pontos menos fortes de "The Great Escape Artist", pode-se apontar a curta duração dos temas e o pouco espaço para as partes instrumentais, algo que as capacidades técnicas e criativas dos seus instrumentistas exigiriam. Assim, apostou-se em canções de formato acessível e consumo mais imediato que, sendo algo novo num álbum inteiro, não faz inteiramente jus ao passado da banda. Assim temos um trabalho que acaba por não ser tão marcante como outros álbuns de Jane's Addiction mas que, ainda assim, representa uma fuga para a frente e uma continuação no desbravar de novos caminhos que este grupo já nos habituou.

Os melhores álbuns de sempre: U2 - "ACHTUNG BABY" (1991)

2011-11-25T19:59:00.000Z

20 anos depois, os U2 comemoram a edição de Achtung Baby com a reedição remasterizada do álbum em 3 versões diferentes, uma normal e duas com originais e remisturas da época.

Estávamos no final da década de 80 e os U2 tinham alcançado o seu pico de fama com o multi-platinado "The Joshua Tree" e o posterior filme e disco "Rattle And Hum", onde a banda decide revisitar as raízes do rock n' roll e da América. Para trás tinha ficado o primeiro período, mais juvenil mas com grande originalidade, e as experiências sonoras da fase de "The Unforgettable Fire". A imagem dos «4 gajos porreiros», simples, sinceros, a lutar por boas causas, e até com uma carga religiosa, era a sua imagem de marca.

Surpreendentemente, a partir daqui tudo, muda. A cortina de ferro cai e os U2 vão gravar a Berlim para respirar o ar dos tempos, Bono e The Edge declaram que andam a ouvir o shoegaze, a mistura de rock e música de dança na altura na berra no Reino Unido, alguns elementos passam por dificuldades nos seus relacionamentos, a banda volta a assentar arraiais na Europa depois de vários anos nos EUA. E nasce "Achtung Baby".

Os primeiros dados a surgir ao conhecimento do público deixaram meio Mundo boquiaberto a questionar-se se se tratava da mesma banda: do visual arrojado de onde sobressaía os gigantes óculos escuros de Bono, dos temas a denotarem um ritmo anormalmente dançável para os padrõs do grupo, a atitude da banda - na pose das fotos, nas entevistas e nos clips - e até a curiosa capa do disco. Tudo parecia propositadanete diferente, houve até quem se desiludísse com a nova atitude propositadamente teatral, cheia de mensagens subliminares, mas, ao mesmo tempo, notava-se uma coerência estética, artística e criativa, como nunca até ali se tinha visto no grupo.

A temática base que atravessa o álbum é a questão da sociedade hipermediatizada, a era da informação. Isso é notótio em canções como "Zoo Station", "The Fly" e "Even Better Than The Real Thing". Mas, por outro lado, há toda uma panóplia de temas muito inspirados que nos levam para outros cenários. O mundo das paixões e das relações é retratado sem falsos pudores em temas como "Who's Gonna Ride Your Wild Horses", "Love Is Blindness", entre outros; "Mysterious Ways" retrata o jogo da sedução e da sensualidade enquanto que "Until The End Of The World" e "Acrobat" são mais filosóficos e existencialistas. E depois temos aquele tema elevado a uma espécie de hino de união da humanidade que é "One" (mas que poderá ter outras leituras como a temática da solidão e do flagelo da Sida).

"Achtung Baby" é um excelente retrato dos tempos actuais, mas, para além desse realismo, possui com uma sonoridade e uma produção cálida e rica, que alarga os horizontes do ouvinte. É música - no sentido artístico/cultural do termo - no seu melhor.

Depois do lançamento deste disco foi sendo desenvolvido um conceito de concerto revolucionário: a Zoo TV. Cada concerto da banda era como se fosse uma emissão de televisão em que a audiência era bombardeada por dezenas de mesagens em ecrãs gigantes, com temas diversos conforme a canção, ao mesmo tempo que a banda e o cenário obedeciam a uma espécie de performance em que Bono desempenhava o papel de vários alter-egos e até os próprios temas antigos conheciam outras sonoridades.

Tudo isto foi evoluindo para os álbuns seguintes "Zooropa" e "Pop", que tiveram também um conceito - a nível de letras, de música e de touneé - muito coerente, criativo e teatral. No fundo, o grande feito de "Achtung Baby" foi fazer com que a nova atitude dos U2 - talentosa, arrojada, irónica, crítica e até, pasme-se, intelectual - chegasse até às massas.

Desde o início do século para cá os U2 voltaram à imagem simples e bem comportada de antigamente mas, apesar das grandes produções, os álbuns soam mais insípidos a nível lírico e musical, de aí o facto das novas gerações os compararem a outros grupos que quase roçam a mediocridade. Mas a história e os períodos áureos dos U2 permanecem para quem os quiser ouvir e isso ninguém lhes tira.

MACHINE HEAD AO VIVO NO COLISEU DE LISBOA - Review

2011-11-19T23:11:00.001Z

A passagem dos Machine Head por Portugal superou qualquer expectativa. O concerto de Lisboa rebentou a escala a todos os níveis. Primeiramente a nível da produção: um som bombástico, com grande definição e volume, e um show visual admirável proporcionado pelos ecrãs gigantes. Depois pela banda, que tanto a nível da composição, da técnica e da performance em palco se encontra num excelente momento de forma.

Ao som dos cânticos gregorianos, os Machine Head entram em palco com a imparável I Am Hell, e logo aí se viu que o som estava a quilómetros das bandas da 1ª parte. A parte final do tema, em tons épicos, desenrolou-se com o cenário repleto de imagens de chamas, num todo espectacular.

Be Still An Know e Imperium continuaram a fase inicial do espectáculo com o público, em delírio, a entoar os temas ou em mosh nas partes mais aceleradas. Os dois guitarristas mostravam uma execução perfeita mostrando que a via dos solos e das harmonias é uma aposta ganha. Aliás, notou-se que os Machine Head, ao contrário da maior parte dos grupos que têm um guitarrista solo ou dois que solam à vez, adoptam a modalidade dos dois guitarrists solarem ao mesmo tempo em sintonia, o que cria um som muito melódico que casa bem com as partes mais densas e pesadas.

Antes de intepretar o single do último álbum, Locust, Robb Flyn fez um discurso alusivo à letra enquanto que as imagens dos ecrãs provocavam um efeito semelhante a uma nuvem (de gafanhotos no caso). O riff foi entoado pela plateia em registo "oooh, oooh, ooh", para além das partes vocais - o que foi uma constante ao logo do espectáculo. Aesthetics of Hate foi dedicada a Dimebag Darrell e a casa veio abaixo com o mosh. Clássicos como The Blood, the Sweat, the Tears (mudado para Beers), Old, entre outros, foram muito bem recebidos por um público muito heterogéneo a nível etário.

O momento mais surpreendente da noite acabou por ser o tema Darkness Within que ao vivo ganha outra dimensão com as imagens projectadas no ecrã, os breakes de McClain executados com mestria e o público a corresponder admiravelmente cantando a letra toda. Arrepiante!

No último tema antes de saír, Robb Flyn instalou a confusão quando na parte do meio de Ten Ton Hammer apelou os presentes para formarem um gigante circle pit que ocupou a plateia quase toda do Coliseu. Nada de estranhar nos concertos destes californianos. O encore foi repartido pelo tema de maior fama do penúltimo álbum, Halo, entoado em uníssono e com novo desfile de solos admiráveis e sucessivas mudanças de parte; e pelo hino Davidian que proporcionou mais uma sessão de correria, pontapés, saltos e crowd surfing.

Com adopção de elementos mais melódicos e harmoniosos no seu som, os Machine Head fecharam uma espécie de círculo: o seu som parece agora "completo", a pujança, o groove e os tons graves conjugam-se agora com a técnica, os agudos e uma maior musicalidade. Ao mesmo tempo, alargam a sua base de fãs sem precisar de se vender. Ou seja, um caso sério de sucesso com qualidade e um espectáculo de um nível como há poucos actualmente.

Na primeira parte, tivemos os Darkeste Hour - com o melhor som da 1ª parte e a merecerem ser seguidos de perto. A banda do inenarrável Dez Fafara, os Devildriver, agitou as hostes mas, infelizmente, o som que saía das colunas estava muito mauzinho. Agurdemos regresso mais bem sucedido. Por fim, antes dos cabeça de cartaz, actuaram os Bring Ne The Horizon, de som e estética mais próxima do hardcore, com a voz agressiva a correspoder ao estilo, mas misturando alguns pormenores mais inovadores como a voz limpa e algumas partes calmas.

Discos: MACHINE HEAD - "UNTO THE LOCUST"

2011-11-08T21:37:00.000Z

Os Machine Head a 17 de Novembro no Coliseu de Lisboa e a 18 de Novembro no Coliseu do Porto.

Os Machine Head têm sido considerados, quase unanimemente, como uma das melhores bandas do universo do metal na última década e meia. Tanto que se dão ao luxo de ter os consagrados Sepultura a abrir os concertos da sua mais recente tour, ou merecem os comentários mais elogiosos de personalidades como James Hetfield (que chegou a actuar com eles ao vivo) ou Kerry King (que os considerou uma banda imprescindível num eventual "Big 4" de bandas modernas). Desde o seminal primeiro álbum "Burn My Eyes" (de 1994) que o grupo esteve sempre, no fundo, na crista da onda, ditando estilos ou seguindo-os da forma mais talentosa - conforme a altura e o álbum de que falemos. Neste sentido, a edição de um novo álbum de originais dos Machine Head assume sempre particular relevância e neste caso, depois de ouvido e digerido o trabalho, com plena razão de ser. Um trabalho cativante e talentoso, enérgico e bombástico mas com grande cuidado nos pormenores e nuances, e com tão só 7 mas grandes composições (mais 2 versões na edição deluxe).

Logo a abrir o álbum temos a faixa I am Hell, com a sua intro em cântico gregoriano, revelando aquela que - segundo o vocalista, guitarrista e líder da banda - foi a maior influência deste trabalho: a música clássica. Mas nada de sustos, já que depois de uma pequena parte pesadíssima, em tons marciais, o tema deriva para um riff estonteante em ritmo hardcore de deixar apardalado o mais incauto. Um corropio de solos e partes diferentes compõem o tema que acaba em tons mais melódicos. Uma das melhores composições de sempre da banda de deixar qualquer um sem respiração.

Um riff em tapping, de inspiração medieval introduz-nos para a segunda canção, Be Still And Know, num ritmo apesar de tudo mais calmo. Para além do peso característico da banda, nota-se um elemento mais melódico que o habitual que percorre o disco todo: é a influência do heavy mais tradicional - NWOBHV , power metal, etc. - para além da já referida música erudita.

Locust é primeiro o clip deste novo trabalho e é já um dos hinos do grupo, algo como a perfeita canção metal: início em tons góticos, riff e refrões contagiantes e uma parte tema brutalíssima na melhor tradição Machine Head. Nem se fale do solo de arrepiar com as duas guitarras em harmonia. A letra é uma metáfora que, segundo Robb Flyn, se refere às pessoas gananciosas e ao seu poder na sociedade actual.

A seguir, temos This Is The End que é puro thrash-metal e mais um pedaço de talento para o reportório da banda, apesar do refrão levemente comercial fazer lembrar as novas bandas de metalcore de voz imberbe. O início cita nitidamente Metallica. Por sua vez, Darkness Within é o tema mais calmo do disco mas, ainda assim, consegue surpreender. Pearls Before Swine é mais um daqueles registos thrash progressivo que os Machine Head nos têm habituado nos últimos trabalhos; cada parte da música é altamente criativa e o riff final estaria mesmo a pedir uma continuação. Para terminar, temos a canção eventualmente mais power metal que os Machine Head já compuseram, Who We Are, uma espécie de final em tom festivo.

Em suma, mais um trabalho talentoso do quarteto californiano, um marco na música metal, que só peca por ser escasso. As grandes composições têm a vantagen de não nos cansarem e de descobrirmos pequenos pormenores à medida que vamos ouvindo o álbum mais vezes. Mas chegamos ao fim e ficamos a querer mais. Se calhar é propositado. Se calhar é bom sinal.

Moonspell ao vivo: NUNCA A ALMADENSE FOI TÃO INCRÍVEL

2011-11-02T21:42:00.001Z

No passado dia 31, noite de Halloween, o mítico local de concertos Incrível Almadense assistiu a uma das suas noites mais gloriosas. Os Moonspell aproveitaram a "noite das bruxas" para efectuarem um concerto-celebração dedicado ao seu primeiro álbum, "Wolfheart" (de 1995), e não podiam tê-lo feito de melhor forma: sala apinhada, público em êxtase, um palco maior do que o habitual naquele espaço, um show de luzes espantoso, várias surpresas especias e uma banda em plena forma.

O alinhamento foi irrepreensível com a totalidade dos temas do álbum a ser debitada pela ordem do disco, excepto Ataegina que surgiu a meio do alinhamento. Este tema foi dedicado pelo vocalista ao espírito de festa dos portugueses e o público correspondeu com cânticos e braços no ar - uma constante de todo o concerto, aliás.

A segunda parte do concerto correspondeu aos trabalhos prévios e imediatamente posteriores a "Wolfhert", o que assentou que nem uma luva no ambiente que se vivia na sala, dando uma sensação de máquina do tempo, como se estivéssemos a viver alguma das grandes noites que os Moonspell ofereceram no passado. A diferença, para melhor, é o cada vez maior profisionalismo da banda - e de Fernando Ribeiro como mestre de cerimónias em particular.

Para abrilhantar o concerto, ainda houve dança do ventre e outras coreografias magníficas por um grupo de bailarinas "vampirescas" a acompahnhar as partes mais ambientais dos temas executados, para além de duas cantoras bastante intervenientes nos temas desta fase da banda.

Em suma, um espectáculo memorável como há poucos, com partes de arrepiar tal a química transmitida e "trocada" com o público.

Alinhamento: Part I - Wolfshade, Love Crimes, Of Dream and Drama, Lua D'Inverno, Trebaruna, Ataegina, Vampiria, An Erotic Alchemy, Alma Mater; Part II - Tenebrarum Oratorium (Andamento I), Opus Diabolicum, Goat On Fire, Opium, Awake!, excerto de um novo tema, Mephisto, Full Moon Madness.

Os melhores álbuns de sempre: MOONSPELL - "WOLFHEART" (1995)

2011-10-25T11:27:00.000+01:00

Os Moonspell actuam no proximo dia 31 deOutubro na Incrível Almadense.
"Wolfheart" é o álbum de estreia da banda portuguesa Moonspell, lançado a 4 de Janeiro de 1995. Depois do criativo EP, embora extremo, "Under The Moonspell", os Moonspell apostam num trabalho influenciado pelo esoterismo, pelas lendas tradicionais e pelo mistério. Este imaginário traduz-se num conjunto de temas coerentes no seu conjunto mas que reflectem múltiplas influências: desde o gothic metal, black metal, hard rock e rock sinfónico. Essa mistura de referências produz, no entanto, um trabalho fresco e novo, algo que nunca tinah sido ouvido até ali.

Um elemento fundamental do álbum é o folk metal, presente, sobretudo, em "Trebaruna" e "Ataegina" cantadas em português - lingua usada também no refrão de "Alma Mater" - mas também na pequena e deliciosa peça chamada "Lua de Inverno". O trabalho começa com o hino "Wofshade", talvez o tema mais pesado de todo o disco, avançando para "Love Crimes" e o seu refrão poderoso apimentado por uma bela voz feminina. Em seguida segue para o maravilhoso "Of Dream And Drama" (Midnight Ride). Mais à frente encontramos o inevitável "Vampiria" que narra a vertente romântica do história original de Drácula.

A canção "An Erotic Alchemy" é uma autêntica releitura de Sisters Of Mercy, inspirada e com citações de Marquês de Sade. Um dos melhores temas da banda entretanto (quase) esquecido. "Alma Mater", ao contrário, é o tema que os Moonspell interpretam sempre ao vivo, dedicado à "alma" e às raízes que, no caso deles, são Portugal.

Podiamos citar nesta rubrica o álbum "Irreligeous" por muitos considerado a obra prima da banda pela sua óptima colecção de canções, ou outro álbum mais recente como, por exemplo, "The Antidote". Apesar disso, a escolha recaiu em "Wolfheart" porque foi um álbum feito com muita "alma" - o que faz com que seja muito autêntico e criativo - e aquele que criou o imaginário de Moonspell, . Ao mesmo tempo, acaba por ser o álbum mais aberto (que não comercial) a outros estilos e, por isso, mais fácil de ser apreciado por qualquer ouvinte.

The Mission ao vivo em Lisboa - Review

2011-10-17T17:41:00.000+01:00

Artigo:Jorge Blanch

Foto: Rafalex

Os The Mission regressaram a Portugal para mais dois concertos, desta vez na Tourneé de comemoração do 25º aniversário da banda.

Para além da efeméride, e de isso implicar um revisitar dos principais temas da banda, existia igualmente o interesse extra de poder rever,para além do líder Wayne Hussey, o baixista e o guitarrista originais, CraigAdams e Simon Hinkler, respectivamente.

Em Lisboa, no passado Sábado, a presença massiva de públicoque lotou a sala TMN, mostrou o porquês da banda ter marcado uma geração.

O reconhecimento da banda por parte do nosso público ficou bem patenteado pela excelente recepção, entre outros temas, às "bandeiras" góticas, Wasteland, Severina, Naked and Savage ou Tower of Strenght, ou temas pop como o apoteótico Butterfly On A Wheel ou Like a Child Again (só com Wayne na guitarra numa versão acústica).

Contámos, no entanto, com um péssimo som da sala que impossibilitava a audição perceptível dos instrumentos, algo que não conseguiu minimizar o facto de estarmos na presença desta enorme e marcante banda e da autêntica celebração a que assistimos.

THE MISSION: A história

2011-10-08T21:51:00.000+01:00

Os The Mission actuam no próximo dia 14 de Outubro no Porto e a 15 de Outubro em Lisboa.

Em 1986, Wayne Hussey (então apenas guitarrista) e Craig Adams (baixista) deixam a banda seminal do rock gótico, The Sisters Of Mercy, formando os The Mission. As primeiras edições da banda - como os singles "Serpent Kiss" e "Stay With Me" - atingiram de imediato o top britânico, bem como de outros países europeus, sendo rotulada como a "next big thing". Os concertos encontravam-se esgotados e não demorou para que o grupo assinasse um contrato com a Phonogram Records.

O álbum de estréia “God's Own Medicine” é editado e alcança o 14º lugar do top britânico sendo aclamado por toda a crítica. Pegando na matriz gótica de que descendem e no som característico da guitarra solo de Simon Hinkler, os The Mission adoptam um som mais acessível e ligeiro, piscando o olho ao hard rock e à pop mais vanguardista, para além de acrescentar o ritmo do punk - um pouco ao jeito do que faziam bandas como os The Cult da altura e os primeiros U2.

Os álbuns seguintes foram "The First Chapter" (espécie de colectânea de singles e ep's prévios ao primeiro álbum) e "Children", que continuaram na senda de sucesso, sendo aclamados também nos Estados Unidos e por todo o continente americano. Nos seis anos seguintes a banda lançou seis álbuns e 10 grandes sucessos incluindo verdadeiros clássicos como “Wasteland”, “Tower Of Strength”, “Severina”, “Beyond The Pale”, “Deliverance” e “Butterfly On A Wheel”. O total mundial de discos vendidos chegou a 3.000.000 de unidades. Durante este período, os The Mission aumentam a sua reputação como uma das melhores e mais excitantes bandas ao vivo no mundo com recepções calorosas, aceitação por parte da imprensa, e uma fanática audiência de seguidores um pouco por todo o Mundo. Dois dos pontos altos da carreira do grupo foram as sete noites consecutivas no lendário Astoria Theatre em Londres e as actuações no famoso Reading Festival por duas vezes. Tocaram junto com U2, The Cure e Robert Plant.

Em 1994, a banda rescindiu contrato com a Phonogram depois de inúmeras disputas jurídicas. Montaram o selo “Neverland”, com distribuição da Sony Dragnet da Alemanha. Após dois anos, mais dois discos, a banda decide fazer um descanso sabático. Em 1999, com um espírito revigorado, os The Mission reúnem-se novamente e, depois de alguns bem sucedidos concertos, empreendem uma cansativa e espetacular tour mundial (Recon 2000) incluindo memoráveis aparições nos festivais Eurorock e M'era Luna. A tour culminou com uma tour européia em Novembro/Dezembro de 2000 e com a assinatura de um novo contrato com a Playground Recordings. Pouco depois, editam “AurA”, produzido pelo próprio Wayne Hussey, tendo o tema “Evangeline” como hit principal.

Depois de mais alguns anos de descanso, onde o vocalista e líder da banda aproveitou para efectuar várias tourneés a solo que passaram pelo nosso País, a banda anuncia em 2011 o seu regresso aos concertos.

Os melhores álbuns de sempre: NIRVANA - "NEVERMIND" (1991)

2011-09-28T19:07:00.003+01:00

O álbum "Nevermind" dos Nirvana é considerado como um dos álbuns mais importantes da história da música, e mesmo da cultura pop. Este clássico, para além de iniciar o "grunge", representou uma grande quebra estilística no que era vulgar ouvir-se e produzir-se na altura e constituiu, à luz da sua influência, uma mudança de pardigma na história do rock.

Depois de uma década em que a ascenção do video-clip e do mercantilismo na música cristalizou os estilos e atrofiou gradualmente a imaginação, o sucesso massivo dos Nirvana representou uma lufada de ar fresco no mainstream e um regresso ao back to basics (não será inocente a semelhança com o nome de outro álbum fundamental da música: "Nevermind The Bollocks" dos Sex Pistols).

No entanto, a importância deste trabalho teve razões diversas e dimensões diferentes. Nos Estados Unidos, o sucesso dos Nirvana abriu a porta ao conhecimento dos inúmeros estilos underground e alternativos, até aí muito reprimidos pelo conservadorismo da sociedade e do materialismo da indústria. É a partir de "Nevermind" que muita da população americana começa a ouvir pela primeira vez bandas pós-punk e vanguardistas, maioritariamente europeias. Na Europa, por seu lado, os Nirvana representaram a quebra da fronteira que existiu nos 80's entre música comercial e música underground; nesse aspecto, foram até acompanhados por otros grupos menos acessíveis que começaram nesta altura a obter sucesso massivo apesar de ignorados pelas televisões e as rádios.

Acima de tudo, este álbum é contituido por grandes canções rock, cantadas com toda a garra, da calma à distorção estridente, com influência diversa mas mantendo uma personalidade própria. Se a influência do garage rock, do punk, e dos padrinhos Sonic Youth e Pixies é notória, a introdução de ritmos diversificados (influência do rave'n'roll da altura?) e o talento de composição fizeram a diferança.

Nesse aspecto, o talento de Kurt Cobain emerge pelas belas melodias que criou e pelo ritmo que imprimia às composições (as bandas de Dave Grohl nunca tiveram aquela diversidade), já para não falar das letras mordazes deste disco - que muito espelhavam a chamada "geração X".

Outro factor decisivo nos Nirvana, e que fez escola, foi a voz. A explosão de "Nevermind" iniciou, ou deu destaque, a um naipe de grandes vocalistas - Layne Staley (AIC), Scott Weiland (STP), etc. - e mudou definitivamente as vocalizações da música rock (acabando com o paradigma Robert Plant).

Os Nirvana não descobriram a pólvora - houve outras bandas magníficas no início dos 90's em que a música moderna mudou muito, os estilos se cruzaram e se desfizeram numa miríade de sub-estilos. Mas o sucesso que Nevermind alcançou e a feliz fórmula de bons temas com originalidade q.b., para além do destino trágico do seu vocalista (que nestes casos, já se sabe, aumenta o mito), fizeram deste disco uma dos mais fundamentais da história.

Novos vídeos no canal do You Tube "DynamindPortugal"

2011-09-15T19:08:00.004+01:00

Novos vídeos - inéditos e não oficiais - de clássicos da música têm sido publicados no famoso site de vídeo You Tube, mais concretamente no canal "DynamindPortugal". Para além dos video-clips de edição de autor, destaque-se as imagens de concertos que ocorreram no nosso País, desde os mais recentes aos mais antigos.

A página pode ser consultada directamente aqui ou através do endereço: http://www.youtube.com/user/DynamindPortugal

Discos: SEPULTURA - "KAIROS"

2011-09-08T10:35:00.000+01:00

Os Sepultura editaram recentemente o álbum "Kairos" que acaba por ser dos melhores trabalhos da banda desde que o vocalista Derrick Green entrou para o grupo, em 1998. Isto deve-se a vários factores.
O primeiro deles é a produção que alcança uma qualidade por vezes arredia de alguns trabalhos do banda. A bateria mostra-se integrada no resto dos instrumentos e as guitarras soam bem cá para cima.
Em segundo lugar, nota-se que banda apostou em compor temas de qualidade, que valem por si, e não deitou cá para fora a primeira coisa que se lembrou esperando que a fama da marca Sepultura faça o resto, como se calhar aconteceu nalguns trabalhos anteriores. O guitarrista e principal compositor, Andreas Kisser, aposta em partes instrumentais mais extensas e num regresso aos solos que, por qestões estilísticas, tinham andado arredados de grande parte das composições da banda.
Depois, nota-se francos progressos de outros elementos como Derrick Green, aqui a efectuar a sua melhor performance, com a voz típica agressiva a soar melhor do que nunca, por mérito próprio mas também devido à produção, para além de algum experimentalismo, como no tema Dialog. Depois temos Jean Falabella que, pr fim, mostra aqui todo o seu potencial que prometia nos concertos ao vivo, quer em termos de criatividade quer na rapidez tecnicamente perfeita.
Do álbum destacam-se canções como Mask (poderosíssimo), Seethe, Born Strong (daria um bom single/clip), Spectrum e Embrace the Storm. Para além da excelente versão de Just One Fix dos Ministry, que ganha em força e técnica o que perde em espectacularidade em relação ao original.
Tendo em conta a desilusão que foi o anterior "A-Lex", depois da saída de Igor Cavalera e do prometedor "Dante XXI", receava-se que o grupo teria chegado a um beco sem saída. Afinal os Sepultura conseguem abanar uma pouco as coisas e, embora o trabalho não chegue ao nível dos hinos de "Chaos A.D." e das extensas composições de "Arise", apresenta-se num plano bastante aceitável, ao nível do historial do grupo.

Discos: RED HOT CHILI PEPPERS - "I'M WITH YOU"

2011-09-02T11:26:00.000+01:00

Os Red Hot Chili Peppers regressaram. Com novo guitarrista, os Peppers acabam de lançar o álbum "I'm With You" e prometem uma tourneé mundial.Que dizer do novo disco? Apresenta-se ao nível do que de melhor sabe fazer a banda, pelo menos a avaliar pelos seus últimos trabalhos: boas canções, simples, originais q.b. e apelando à boa desposição e descontracção. Em relação aos álbuns anteriores, antes das longas férias que grupo tirou, o disco apresenta-se mais ritmado, com canções mais aceleradas e explorando novos territórios em termos do que tem sido o som à Red Hots.
No entanto, nem tudo são rosas. O estatuto de estreante do guitarrista sente-se demasiado e a guitarra, embora sempre presente, acaba por não se evidenciar ao longo do disco. De facto, os temas andam muito em redor do baixo de Flea e da voz de Anthony Kiedis e as partes instrumentais acabam por rarear parecendo que falta algo ao disco. Resta saber se isto se deve à recusa da banda em dar mais protagonismo ao novo elemento se por incapacidade deste.
Para além disso, saúde-se o regresso de uma das melhores bandas do mundo em termos comerciais e que consegue trazer alguma qualidade real ao maistream.

Discos: DEVIN TOWNSEND - "DECONSTRUCTION" / "GHOST"

2011-08-25T11:57:00.000+01:00

Devin Townsend actua no próximo dia 6 de Agosto no festival Vagos Open Air (perto de Aveiro).

O musico Devin Townsend acaba de editar nada mais nada menos do que dois álbuns em simultâneo. Espelhando a sua interminável veia criativa e a sua abrangente personalidade, os dois discos são diametralmente antagónicos: "Decontruction" mais na linha que Devin nos habituou mas, ao mesmo tempo, supreendente e único; e "Ghost" que é uma peça de música ambiental de deixar qualquer um de boca aberta, ao nível do que de melhor se faz neste estilo. Se no álbum anterior - o multi platinado "Addicted" - Devin Townsend tinha sintetizado o seu talento em magníficas canções rock, originais e acessíveis, agora voltou a baralhar tudo outra vez.

"Decontruction" é, dos dois trabalhos, aquele que se enquadra na discografia mais normal do músico, dentro da área rock/metal. No entanto as características do disco superam tudo o expectável: canções extensas e progressivas, melódicas e pesadas num estilo épico e teatral, um corropio de ritmos, guitarras poderosas e solos intermináveis. Uma autêntica sinfonia de ópera metal. Aliás, um dos elementos mais fortes, presente ao longo de todo o álbum, são os coros de música clássica - cortesia da Orquestra Sinfónca de Praga que colaborou no disco. A voz de Devin Townsend impera sobre este caldeirão, com a sua vasta paleta de registos que vão desde a fala de personagem de desenho animado até às vociferações mais ruidosas. O humor não falta aqui, presente nas letras e em determinados samples utilizados.

O génio louco mostra mais uma vez o seu talento apesar do disco ser difícil para o ouvinte comum. Com o peso utilizado e as composições longas, Devin Townsend afasta-se novamente e propositadamente do mainstream. Mas isso só comprova a sua autenticidade. De qualquer forma, temos um trabalho único de técnica e imaginação como há poucos.

"Ghost", por seu lado,constitui uma agradável surpresa mas por outros motivos. Trata-se de uma pérola de beatitude, um autêntico nirvana musical. Este álbum coloca Devin Townsend ao nível dos maiores músicos de estilo instrumental e ambiental (o Vangelis que se cuide!). Contrariamente ao seu mais recente álbum de cariz ambiental - "Ki" de 2008 - que era mais experimental e quase só com guitarra, este trabalho transporta-nos para outro nível fruto das suas agradávesis canções, da profusa utilização de sintetizadores, flautas, e da voz de Devin, aqui na sua vertente mais melódica e sem esgares, melhor do que nunca. Um autêntico soporífero musical que nos leva para outros mundos, de sonho e beleza.

Devin Townsend no festival Vagos Open Air - Review

2011-08-10T14:25:00.011+01:00

No fim de semana de 5 e 6 de Agosto decorreu o festival Vagos Open Air, dedicado às sonoridades mais metal mas também com muitos outros estilos à mistura como o progressivo dos Opeth, o rock calmo dos Tiamat ou o gótico dos Anathema.
No segundo dia, também bem servido de concertos, o destaque foi para Devin Townsend que se estreou em Portugal com um concerto arrebatador, por 2 motivos principalmente: a música magnífica e grandiosa, e a empatia criada com o público fruto do humor e boa disposição do músico.
O humor é uma constante em Devin Townsend, basta ver a intro do espectáculo - que acompanhou o check sound - em que várias imagens de clássicos do cinema, fotos de famosos etc. desfilavam com a cara do músico colada às mesmas, enquanto que as colunas debitavam excertos de músicas pop como Barbie Girl e outros "atentados" - um momento verdadeiramente hilariante.

O concerto em si foi perfeito: um alinhamento irrepreensível, executado na perfeição por todos os músicos, a voz fantástica de Devin e a sua característica presença em palco - que passa por uma forte comunicação com o público, pela sua simpatia e simplicidade e também a sua mímica apalhaçada (no bom sentido). É fantástico como é que este músico consegue ter um desempenho impecável em palco ao mesmo tempo que adopta uma atitude como, por exemplo, se estivesse a beber um café ali na esquina com os amigos. A arrogância e os estereótipos "metaleiros" não têm lugar aqui, apenas uma naturalidade que desafia preconceitos e uma "good vibe" permanente. A energia do músico e do resto da banda é contagiante: mais de hora e meia sem interrupções e sempre olhos nos olhos com o público. A música, bem como a voz de Devin Townsend, é o que se sabe: uma montanha russa, do ambiental à intensidade, derrubando barreiras e misturando estilos com grande coerência. E ainda houve magníficas imagens nos ecrãs gigantes durante a actuação.

Um concerto memorável que ficará para a história e que deixa muita água na boca por mais. Essencial para qualquer fã de música em geral: não perder o próximo o concerto de Devin Townsed em Portugal!

Alinhamento:

Addicted!, Supercrush!, Kingdom, Deadhead, Truth/OM, By Your Command, Pixillate, Bad Devil, Stand, Juular (com Ihsahn, o vocalista dos míticos Emperor), Color Your World, The Greys, Deep Peace.

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Discos: GNR - "Voos Domésticos"

2011-07-26T11:25:00.000+01:00

Os veteranos da música portuguesa GNR acabam de editar um álbum com novas versões de alguns dos seus melhores temas. No fundo, trata-se de novas leituras de canções, com outros arranjos, outras vocalizações e outra produção.

Tendo em conta que é composto por canções já existentes, o álbum até surpreende agradavelmente. Primeiro, evita a armadilha de efectuar versões jazzísticas (e afins) dos temas, algo que se tem vulgarizado nos dias que correm. Segundo, porque a banda se esforçou por mudar propositadamente as canções, sem "assassiná-las", fazendo com que algumas quase que pareçam ser novas composições. Por fim, os elementos sonoros e o clima geral do álbum injectam frescura e modernidade nos versões originais que, à luz deste disco, acabam por nos soar realmente um pouco datadas.

O som geral do disco acaba por ser uniforme, bastante etéreo e atmosférico, com bastante electrónica e sintetizador - o regresso a um elemento que foi sempre fundamental na carreira da banda - que nos remete para a sonoridade que se ouve nas grandes produções internacionais. O álbum tem os seus pontos fracos como, talvez, o volume da voz um pouco acima do resto e a óbvia má escolha do tema para o video-clip e alguns temas com menos interesse.

Em suma, um disco para redescobrir banda como se de um original se tratasse ou, no caso das gerações mais novas, um bom cartão de visita.

Jane's Addiction ao vivo no Optimus Alive - Review

2011-07-20T19:10:00.002+01:00

De todos os grupos míticos do rock, já quase todos passaram pelo nosso país (sim até o desejado Ozzy com os seus Black Sabbath em 1973, por incrível que pareça). No entanto, daquela importante fornada que revolucionou a música na transição dos 80's para os 90's faltava ver um dos grupos charneira do chamado funk metal e que trouxe novos ritmos e sonoridades ao rock: os Jane's Addiction.

Foi no passado dia 9 de Agosto que a banda de Los Angeles actuou no palco do festival Optimus Alive em Algés. Dançarinas suspensas sobre o palco, fumos e um som potentoso, o show dos Jane's Addiction é rock no seu melhor: arrojo, provocação, inovação de mãos dadas com espectáculo, asumpção de um rock n' roll lifestyle franco e sem compromisssos.
Apesar do passar dos anos continuam carismáticos: Perry Farrel é a estrela da companhia com a sua voz ambígua, seduzindo completamente a atenção da audiência. Dave Navarro, é o às da guitarra, promovido a improvável socialite (nos EUA pelo menos) mas que continua a assumir a sua condição de roqueiro não abdicando de explorar novos caminhos na sua banda de sempre.
No fundo essa dualidade faz parte dos Jane's Addiction: ao mesmo tempo, são a banda rock que dá espectáculo, com solos de guitarra, psicadelismo, que apela à paz, ao amor, à revolta e ao não conformismo; mas que tem, também, uma personalidade própria que a faz única, imprevisível e excitante!
Aguardemos, pois, o próximo trabalho da banda, que pela amostra vai trazer novidades, e por um prometido regresso para breve (de preferência com um concerto mais longo).

Alinhamento:
Mountain Song, Ain't No Right, Had a Dad, Ted, Just Admit It..., Just Because, End to the Lies, Three Days, Been Caught Stealing, Ocean Size, Stop. Encore: Jane Says

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Os melhores álbuns de sempre: MORCHEEBA - "WHO CAN YOU TRUST ?"

2011-07-16T13:25:00.003+01:00

Em 1996, a música electrónica mais experimental, nomeadamente proveniente do Reino Unido e da Europa continental, começa a ganhar adeptos. Neste particular, o trip hop surge como género inovador que seguindo premissas do dance e do hip hop, aposta num som mais orgânico que inclui a utilização de instrumentos convencionais. Surgido em 1992 com o álbum "Blue Lines" dos Masive Attack, o estilo foi seguido por várias bandas, como os também famosos Portishead. Os Morcheeba pegaram na cartilha daquelas 2 bandas, por vezes difíceis de digerir, e deram o um toque pessoal mais acessível. Partindo de influências clássicas - Hendrix, Floyd,... - os irmãos Paul e Ross Godfrey acrescentam uns toques de djing hip hop, sons étnicos e todos as ambiências do estilo musical atrás referido. Tudo unificado pela voz cálida e inconfundivel de Skye Edwards. À época, a vocalista cantava unicamente no seu registo mais grave e intimista, o que casava na perfeição com a batida arastada e hipnótica que o grupo praticava na altura, longe dos êxitos pop posteriores.

Se há álbum perfeito para ouvir numa noite fria, silenciosa, no calor de uma lareira, com certeza ele será "Who Can You Trust?". Desde a entrada de "Moog Island", qual casa dos feitiços onde penetramos, passamos por melodías perfeitas como "Trigger Hippie", "Tape Loop" ou "Never An Easy Way", pelo toque clássico de "Howlig" e "Col" e pelas narcóticas "Small Town" e sobretudo "Who Can You Trust?", um longo instrumental que nos põe a flutuar qual THC auditivo. Todo o disco é percorrido uma sensação de silêncio, de sussurrares, de ruídos estranhos e wha-whas borbulhantes. Tudo soa coeso como se de uma trip se tratasse.

Na altura, este álbum foi inovador na forma como misturava as suas influências. Hoje em dia, para além de se gostar mais ou menos do resto da carreira dos Morcheeba, vale a pena ouvir este trabalho como uma peça única e intemporal que vale por si.

Os Morcheeba actuam dia 23 de Julho no CCB em Lisboa e a 22 em Lagoa.

THE CHEMICAL BROTHERS: A história

2011-07-06T23:02:00.004+01:00

The Chemical Brothers é uma dupla de música eletrónica do Reino Unido composta por Tom Rowlands e Ed Simons (também chamados Chemical Ed e Chemical Tom). Inicialmente chamavam-se "The Dust Brothers", referência a uma dupla de produtores musicais que usavam o mesmo nome, mas devido à sua popularidade e possibilidade de retratações legais acabaram mudando seu nome em 1995. Junto com The Prodigy, Fatboy Slim, The Crystal Method e outros artistas, foram os pioneiros do break beat.

Em 1992, Rowlands e Simons começaram então a trabalhar como DJs, passando hip hop, techno e house. Após a escassez de material de hip hop para mixagens, passaram então a produzir suas próprias faixas. Utilizando um sistema Hitachi, um computador, um sampler e um teclado, gravaram "Song to the Siren", que foi lançado por sua própria editora. Enviaram a gravação para o DJ local Andrew Weatherall, que fez adaptações e relançou "Song to the Siren" em Maio de 1993.

No final de 1993, completaram o EP 14th Century Sky, que foi lançado em Janeiro do ano seguinte, contendo temas como "Chemical Beats", que marcou o som da banda e o estilo definido como break beat ou big beat. Este trabalho foi seguido por outro EP, "My Mercury Mouth", ainda em 1993.

Em Outubro de 1994 tornaram-se DJs residentes em clube influente de Londres, o Heavenly Sunday Social Club tendo sido convidados a remixar faxias de Manic Street Preachers e The Charlatans, além de "Jailbird" do Primal Scream e "Voodoo People" do The Prodigy.

Em março de 1995, a dupla começou sua primeira turnê internacional, que incluia os Estados Unidos e festivais pela Europa. Na mesma época o grupo Dust Brothers original ameaçou legalmente o grupo pelo uso indevido do nome, e então Rowlands e Simons decidiram mudar para "The Chemical Brothers". Em junho lançaram o quarto single, Leave Home, sendo o primeiro com a nova identidade.

Em Julho de 1995 a banda lançou seu álbum de estréia Exit Planet Dust, título esse inspirado pela mudança do nome. Entraram nas paradas do Reino Unido em nono lugar. O álbum acabou por vender mais de 1 milhão de cópias no Mundo e, logo após o seu lançamento, o grupo assinou contrato com a Virgin Records.

A faixa dos Chemical Brothers com participação nos vocais de Noel Gallagher, guitarrista da banda inglesa Oasis, "Setting Sun" foi lançada em outubro de 1996, chegando ao primeiro lugar do top de singles em vários países. Representantes legais dos Beatles entraram em contato com a banda para alegar plágio da canção "Tomorrow Never Knows", e a gravadora Virgin Records teve que contratar um especialista para provar que a canção não era plágio da obra psicadélica da década de 1960.

Em março de 1997 a dupla lançou nova faixa, "Block Rockin' Beats", que tornou-se primeiro lugar no Reino Unido, ganhando posteriormente um Grammy por melhor Rock Instrumental.

A 17 de Abril de 1997 foi lançado o segundo álbum, Dig Your Own Hole, gravado no estúdio da própria banda em Londres, e cujo título foi retirado de um graffiti na parede de fora do referido estúdio. Teve boa aceitação tanto pela crítica quanto comercialmente. A banda passou então a realizar tourneés intensivamente, particularmente nos Estados Unidos.

Em 1998 o grupo concentrou-se na tarefa de DJ, e em Setembro foi lançado o álbum de mixagens Brother's Gonna Work It Out, contendo faixais de artistas influentes no som da banda tais como Renegade Soundwave, Meat Beat Manifesto e Kenny 'Dope' Gonzales.

O terceiro álbum, Surrender, foi lançado oficialmente em Junho de 1999, contando com participações de Noel Gallagher, Jonathan Donahue dos Mercury Rev e Hope Sandoval dos Mazzy Star. "Hey Boy, Hey Girl", mais orientado ao house, torna-se o grande hit da banda. Um dos destaques, "Out Of Control", tinha vocalizações de Bobby Gillespie dos Primal Scream e Bernard Sumner dos New Order, atingindo o primeiro lugar no Reino Unido. Outra faixa que recebeu bastante atenção foi "Let Forever Be", amplamente devido a seu videoclip inovador dirigido por Michel Gondry.

Em 2000 faziam tourneés com concertos gigantes, com canções "Out Of Control" e "Hey Boy, Hey Girl" recebidas em apoteose. Em Dezembro a banda faz também algumas primeiras parte de concertos de U2 em estádios. No ano seguinte começaram os trabalhos com o novo álbum, levando pouco a pouco as faixas a público, mesma estratégia utilizada nos álbuns anteriores. A dupla ainda remixou a faixa de Fatboy Slim "Song For Shelter", presente no álbum Halfway Between the Gutter and the Stars.

O álbum Come With Us, lançado em Janeiro de 2002. Foi menos aceite que os anteriores, mas, ainda assim, alcançou o primeiro lugar do top no Reino Unido na primeira semana de lançamento, vendendo 100 mil cópias.

No final de 2002 começaram a trabalhar em novo material, incluindo "The Golden Path", uma colaboração com Wayne Coyne, vocalista e líder do The Flaming Lips incluída numa colectãnea do grupo.

Em 2004 os Chemical Brothers começaram a trabalhar em Push the Button, lançado em janeiro do ano seguinte. "Galvanize" foi o primeiro single, sucedido de "Believe" e "The Boxer". Tanto o álbum quanto "Galvanize" ganharam o Grammy em 2006.

We Are the Night, um álbum mais experimental, foi lançado em 2 de julho de 2007. Colaborações de outros músicos incluíram Klaxons (em "All Rights Reversed"), Midlake (em "The Pills Won't Help You Now"), Ali Love (em "Do It Again") e Willy Mason (em "Battle Scars").

Further é o último trabalho lançado em 2010 pelos The Chemical Brothers e representa um regresso á música de dança pura e dura, com batida techno e temas bastante extensos. É na tour de promoção a este disco que Portugal os recebe no próximo dia 8 de Julho.

Rubrica "Os melhores álbuns de sempre" - JANE'S ADDICTION - "NOTHING'S SHOCKING" (1988) / "RITUAL DE LO HABITUAL" (1990)

2011-06-25T13:58:00.008+01:00

Em meados dos anos 80 surgem em Los Angeles os Jane´s Addiction e logo de início se verificou que estávamos em presença de uma banda especial. A nível musical, o som era altamente criativo, misturando funk, hard rock, punk e algum do rock alternativo que, à data, ecoava na Europa. A imagem era excêntrica, nomeadamete o vocalista Perry Farrell (também pintor/escultor pop e surfista) com os seus visuais bizarros, as suas entrevistas provocantes, a lançar farpas a tudo o que fosse conservador e opressor de direitos. Depois, durante anos, a sua forma de expressão foi quase sempre em concertos, começando por estar ligados aos "happenings" de juventude e de artistas, às universidades e a eventos de desportos radicais. Não foi de estranhar que o seu primeiro álbum - "Jane's Addiction" (1986) fosse gravado ao vivo em concerto.

Mas foi com o seu primeiro álbum de estúdio, "Nothing's Shocking" que a banda provou que era um caso sério no rock em geral, com as suas magníficas canções e a produção irrepreensível. A guitarra de Dave Navarro prova ser fundamental no som da banda, Stephen Perkins prova ser o baterista mais inovador da sua geração - revolucionando o ritmo amorfo do rock da altura - o baixo de Eric Avery traz tanto a influência funk como a pós-punk para a banda, e a voz de Farrell, ambígua e única no Mundo, com as suas reverbações, dá uma atmosfera celestial e grandiosa ao grupo. Do calmo ao pesado, do alegre ao obscuro, o álbum passa por inúmeras tonalidades. A começar nas letras, que passam por temas como a celebração de vida de Ocen's Size e Up The Beach, a liberdade individual do magnífico Mountain Song, a religião em Had a Dad, a política em Idiot's Rule, o sexo na visão de um psicopata no psicadélico Ted, Just Admit It... e o hino dedicado à amiga prostituta que dá nome à banda, Jane Says.

Em 1990, os Jane's Addiction sobem um degrau e editam o álbum "Ritual de lo Habitual" que começa com a intro «Nós temos mais influência nos vossos filhos que vocês!» ...revelador. O disco divide-se, essencialmente, em duas partes: uma com temas na linha do álbum anterior mas com grande inspiração - como Stop, Ain't No Right e No One's Leaving - e outra constituídas por longas composições, mais calmas e hipnóticas - como é o caso do hino Three Days (uma metáfora religiosa para falar sobre o amor livre) e de Then She Did. No meio existe o (talvez) maior hit da banda, Been Caught Stealing, e para finalizar a inesperadamente romântica, Classic Girl.

Os Jane's Addiction separaram-se ano e meio depois, com um concerto final em que o vocalista actuou tal como veio ao Mundo (!!). Voltariam intermitentemente em 1997, para uma bem sucedida tour, em 2001-2004, com outro álbum de originais, e agora desde 2009 com mais um trabalho na calha.
A sua influência ultrapassa gerações e estilos e foi tanto musical (influenciou o grunge, o nu-metal, o rock alternativo, etc.), como a nível da atitude em palco e fora dele, como também ao nível da indústrial musical, especialmente a americana, ao demonstrarem que as editoras e os músicos independentes podiam ter sucesso; isto para além do contributo de Perry Farrell ao inventar e organizar o conhecido festival itinerante Lollapalooza. No que a estes dois discos diz respeito, ambos foram autênticas pedradas no charco que abriram novos rumos ao rock.

Links para vídeos:
http://www.youtube.com/watch?v=ZwI02OHtZTg

http://www.youtube.com/watch?v=1kAIMlISHhU

http://www.youtube.com/watch?v=tFW37YmqfKY

http://www.youtube.com/watch?v=Ek6N_-O19do

KYUSS: Os gurus do "stone rock"

2011-06-18T16:14:00.004+01:00

Os Kyuss (pronuncia-se kaius) é uma banda formada em 1988 em Palm Springs, Califórnia e popularizou o até então desconhecido movimento musical stoner rock. De suas cinzas nasceram os grupos Queens of the Stone Age, Hermano, Slo Burn, Brant Bjork, Che, e Mondo Generator.

Com influências que iam do heavy metal ao punk rock, a banda começou com o nome Katzenjammer composta por John Garcia (vocal), Josh Homme (guitarra), Chris Cockrell (baixo), Brant Bjork (bateria) e Nick Oliveri (guitarra). Essa formação não durou muito quando Oliveri saiu e Josh assumiu o lugar de único guitarrista da banda. Nessa altura, trocam de nome para Sons of Kyuss, inspirados numa criatura do jogo Dungeons & Dragons e começaram a tocar nas chamadas "generator parties", festas no meio do deserto regadas a bebidas e drogas ilícitas, em que as bandas usavam geradores movidos a gasolina para gerar energia para os equipamentos. Josh Homme começou a ganhar uma reputação por tocar guitarra elétrica através de amplificadores de baixo para criar um som pesado e grave. Muitos já não os consideravam apenas outra banda de rock/metal pelo talento de Josh na guitarra e pelo som psicadélico que faziam.

Após o EP Sons of Kyuss, Chris Cockrell deixa a banda e Nick Oliveri é chamado para tocar baixo. A banda encurta o nome para Kyuss e lança em 1991 o álbum Wretch, mas ficam descontentes com a gravação e distribuição do álbum. Num dos seus concertos, que era o grande forte do Kyuss, conheceram Chris Goss da então banda Masters of Reality que é convidado a produzir o álbum seguinte da banda.

Lançado em 1992, Blues for the Red Sun foi aclamado pelo público e pela crítica, a banda ganha um novo folêgo e assina com uma editora major, a Elektra Records, as músicas passam na rádio, começam a fazer tourneés com bandas como Metallica, Soundgarden e Tool. Mas com esse inesperado estouro, começaram alguns desentendimentos: Nick Olivieri sai da banda e em seu lugar, entra Scott Reeder (ex-The Obsessed). Com essa nova formação gravam o clássico Welcome to Sky Valley‎ lançado em 1994 e produzido por Goss também. O álbum foi um sucesso de críticas e público e iniciam-se mais tourneés. No fim da tour, para a supresa de todos, Brant Bjork sai da banda e em seu lugar entra o músico de jazz Alfredo Hernandez.

Em 1995 sai o último álbum de estúdio da banda o experimental …And the Circus Leaves Town. A banda anuncia seu fim. Josh tinha 22 anos. Garcia tinha 25 anos.

Depois disso os músicos seguiram carreiras iferentes das quais se destaca a carreira dos Queens of the Stone Age de Josh Homme, na qual também particippu Nick Oliveri.
15 anos depois, o cantor John Garcia inicia uma périplo de concertos com o projeto Garcia Plays Kyuss. No mesmo ano, o músico convidou Nick Oliveri e Brant Bjork, ex-companheiros de banda, para subir ao palco no festival francês Hellfest. A recepção foi tão forte, que a banda resolver fazer uma tourneé pela Europa com o nome Kyuss Lives!. Já este ano, prevê-se que a banda entre em estúdio com o guitarrista Bruno Fevery (substituindo Josh Homme) para gravar um disco inédito.

Discos: FLEET FOXES - "HELPLESSNESS BLUES"

2011-06-10T02:53:00.000+01:00

Os Fleet Foxes actuam no próximo dia 8 de Julho no Festival Alive.
Os Fleet Foxes acabam de editar o seu segundo álbum. "Helplessness Blues" representa um passo em frente na sempre difícil tarefa de suceder a um trabalho aclamado por todos os quadrantes, como foi o álbum homónimo de 2008. O novo disco continua a explorar os caminhos do folk pastoral neo-hippie, transportando-nos para cenários idílicos e mundos quiçás imaginários. Não representa asurpresa do trabalho de estreia mas apresentanos canções amadurecidas, com mais conteúdo instrumental e, em geral, mais ritmo que o álbum anterior. Assim pode-se dizer que temos banda: depois de um primeiro disco a roçar a genialidade, temos agora um álbum dentro do seu estilo próprio mas um pouco mais virado para os palcos, ou seja, a segunda metade da carreira de um grupo. Pela sua personalidade inconfundível e a sua imaginação prodigiosa, pode-se dizer que os Fleet Foxes se destacam no role de bandas actuais e podem daqui para afrente tocar muitos públicos apesar de ser de facto uma banda à parte de tudo o que costumamos ouvir.

THIEVERY CORPORATION - A história

2011-06-05T15:54:00.000+01:00

Os Thievery Corporation vão actuar no próximo dia 8 de Julho no Festival Alive.

A banda que revolucionou a música de cariz mais electrónico no final da década passada é originária de Washington, Estados Unidos, e é composta por Rob Garza e Eric Hilton, para além dos inúmeros músicos de sessão que os acompanham em estúdio e, sobretudo, ao vivo. A sua música pode enquadrar-se dentro do estilo de música electrónica denominado downtempo, com influencias de dub, acid jazz, música indiana e brasileira (nomeadamente bossa-nova) numa fusão combinada com uma estética lounge.

O seu primeiro trabalho é o EP “A Spliff Odyssey” de 1996 a que se seguiram outros. Mas foi em 1997, com o álbum de originais “Sounds from the Thievery Hi-Fi”, que os Thievery Corporation caíram nas bocas do Mundo. Em pleno auge da explosão da música electrónica / dance que ocorreu na altura, com a conquista de popularidade global de bandas como Prodigy e Massive Attack, certas corrente mais relacionadas com o lounge e com o chill out surgiram entre certas camadas de público mais exigente/inteligente que ambicionava por algo mais calmo sem se concentrar demais na batida. O álbum dos Thievery Corporation, com a sua mistura dub rastafari com novos sons electrónicos, foi imediatamente alvo de aproveitamento pelos principias djs de clubes do género. A partir desse primeiro sucesso, rotulado como o melhor álbum do ano por muitos críticos, o dúo editou vários álbuns de remisturas suas de temas de outros músicos que faziam parte do seu imaginário (desde clássicos bossa-nova até pop alternativo). É o caso do seu “DJ Kicks” e do extraordinário “Abductions and Reconstructions”.

Ao segundo trabalho de originais, a expectativa já era grande e a edição de “The Mirror Conspiracy” (2000) foi já um sucesso mundial, com temas a serem aproveitados para bandas sonoras, genéricos televisivos e nos mais diversos locais, como desfiles de moda, estações de metro, etc. Neste álbum a influência étnica alonga-se a outras áres como a música francesa, e as músicas apresentam-se muito inspiradas e concisas, sem experimentalismos exagerados.

Em 2002 editam “The Richest Man in Babylon” (2002) similar no seu timbre ao trabalho anterior mas concentrando-se, ainda mais, no formato canção. A influência de música da América do Sul é uma das mais valias deste trabalho. Participaram nele músicos como Emiliana Torrini, Pam Bricker e Lou-Lou. O álbum teve a sequela “Babylon Rewound” com remixes dos mesmos temas. Paralelamente a isto, começa a aumentar o número das suas actuações, na qual colaboram inúmeros convidados e músicos de palco, constituindo os seus espectáculos autênticas celebrações.

Depois do fantástico “The Outernational Sound” e de outros trabalhos de remisturas de temas alheios, chega-nos o trabalho “The Cosmic Game”, mais psicadélico e ambiental, onde contam com as participações de convidados tão distintos como Perry Farrel (Jane’s Addiction) e David Byrne.

Notoriamente influenciado por alguns dos últimos acontecimentos sócio-políticos mundiais, e norte-americanos em particular, os Thievery Corporation lançaram em 2008 o álbum “Rádio Retaliation”, mais cantado e virado para os espectáculos ao vivo. Nesse ano, o grupo encheu o Coliseu de Lisboa para oferecer um magnífico espectaculo de som e imagem. A este repeito, pode-se ler um comentário neste link.
No ano passado foi a vez de uma colectânea que serve de pano de fundo a esta actuação no âmbito do Festival Alive 2011.

Para abrir o apetite, cá vai uma pequena amostra do que poderemos ver no concerto:

http://www.youtube.com/watch?v=-Eq8hcMRP-M&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=-4v6tlcnvSw
http://www.youtube.com/watch?v=5Y9Fbainv-E&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8X9JeBCSOv4

http://www.youtube.com/watch?v=h-sDylhKE2U&feature=related

Rubrica "Os melhores álbuns de sempre": XUTOS & PONTAPÉS - "1º DE AGOSTO NO RRV (1986) / "CIRCO DE FERAS" (1987)

2011-05-31T23:05:00.005+01:00

No Portugal de meados da década de 80, os primeiros adolescentes da democracia começavam a assimilar a cultura e as modas "lá de fora". Surge uma leva de bandas que, sendo mais obscuras que aquelas do boom do rock anos antes, tinham uma maior profundidade lírica e musical e, sobretudo, uma atitude e um estilo ligados directamente aos movimentos da música pop-rock mundial. Nesse capítulo, o Rock Rendez- Vous (RRV), em Lisboa, assumia-se como a catedral das novas tendências da música.

Associados a esse local e a essas novas correntes, os Xutos e Pontapés surgem como a mais destacada dessas bandas. Com a entrada de um novo guitarrista - o virtuoso João Cabeleira - a banda começa a aprofundar as características únicas do o seu som, ao mesmo tempo que vão cimentando um estatuto com sucessivos concertos.

A pedrada no charco foi o álbum "Cerco" (de 1985) e as diversas canções editadas em singles e colectâneas na altura. Foi precisamente na tourneé de apoio a esse álbum que os Xutos gravam "1º de Agosto no RRV". Gravado ao vivo naquela sala, o concerto passa pelos melhores temas do disco que promovia, como o eterno "Homem do Leme", o hit da altura, "Barcos Gregos", e a pérola que é "Conta-me Histórias". Constam também outras canções contemporâneas a esse trabalho, e que nele poderiam estar, como: "Esquadrão da Morte", "Remar Remar" e "1º de Agosto". A isto somam-se os primeiros sucessos do grupo como "Sémen", "Avé Maria", "Morte Lenta"... e até a versão da "Minha Casinha", que já era interpretada em concerto. O álbum - editado oficialmente em 2000 - é um autêntico manual do "som à Xutos", com toda energia e personalidade que se tornariam a sua imagem de marca.

Um ano depois daquele concerto, o grupo edita o álbum "Circo de Feras", ainda sob o tom de revolta, de rebeldia e de não alinhamento que caracterizava as suas canções prévias. O talento para a composição assim como os traços mais característicos do grupo, como a voz de Tim, os riffs de Cabeleira, e a pujança de Zé Pedro e Kalú, estão lá todos. Sem esquecer o sax de Gui. "Não Sou o Único", "Contentores", "Circos de Feras" e "Vida Malvada" são temas que ficaram para a história dos Xutos, para além de outros como "N'América", "Esta Cidade" etc.

Depois desta fase, o grupo cimentou a carreira que todos conhecem, com clássicos como "88" ou "Dizer Não de Vez", até alcançar o estatuto da melhor banda portuguesa de todos os tempos. Mas a essência da sua música nasceu aqui.

Discos: Peste & Sida - "Não Há Crise"

2011-05-25T16:56:00.003+01:00

O novo álbum dos Peste & Sida foi lançado recentemente. O mais recente trabalho de um dos nomes mais consagrados do punk nacional chama-se "Não Há Crise"

Leia neste link uma resenha ao álbum pelo blog Billynews.

Os melhores álbuns de sempre: PARADISE LOST - «ONE SECOND» (1997)

2011-05-15T16:53:00.004+01:00

Os Paradise Lost actuam no próximo dia 17 de Junho em Barcelos.

Os Paradise Lost são considerados das bandas, se não "a" banda, que institui o que se chama o gothic metal e que produziu vários álbuns marcantes dos quais se destaca o mítico "Icon" (de 1993) - que poderia estar nesta rubrica - e que os levou a serem considerados das melhores bandas de metal britânicas de sempre. Por tudo isso, o grupo é idolatrado ainda hoje por muitos fãs do género, apesar de entretanto terem editado vários álbuns menores, uns por caírem num comercialismo descabido outros por revelarem alguma falta de frescura.

Sensivelmente a meio deste processo quando a sua carreira respirava um sucesso razoavelmente massivo, o grupo edita aquele que é um dos álbuns que melhor mistura o rock com a electrónica. Estávamos no apogeu da música electrónica que dominou o final dos anos 90 e os Paradise Lost arriscam pintalgar os seu gothic-metal com os sons mais inovadores que se ouviam na altura, ao mesmo tempo que investem num formato de canção baseado naquele estilo de pop melancólica tão celebrizada por bandas como os Depeche Mode.

O resultado é deslumbrante mas não seria o mesmo se essa mudança fosse artificial, como nos álbuns sequentes se veio a verificar. Pelo contrário, neste disco respira-se inspiração, anseio por arriscar mas ditado pelo coração, com muita naturalidade.

Sinteticamente, este álbum está dividido em dois: por um lado os temas mais rock, na linha das canções mais acessíveis da primeira fase da carreira do grupo, decorados com uma produção mais moderna que adiciona leves sons electrónicos ou uma linha marcante de piano (algo que passou a ser muito popular mais tarde noutros grupos). Por outro lado, são aqui introduzidos um estilo de canções que os Paradise Lost nunca tinham feito: mais calmas, introspectivas, com muito mais elementos tecnológicos e que apostam em larga medida na conjugação entre silêncios e intensidade sonora; e é esta a chave da genialidade deste disco.

Para além de sucessos instantâneos como o tema título ou "Say Just Words", o grande valor deste álbum está nos temas negros e épicos, com uma sensibilidade melódica muito pop é certo, mas que alcançam o estatuto de grande canção para qualquer ouvido independentemente de um dado gosto musical específico. "Mercy" é um grande tema intemporal em que os sintetizadores tem uma importância fundamental não deixando de ser uma antítese do que é comercialismo; "The Sufferer" é uma canção com grande impacto ao vivo e aquela em que está mais explícita a dicotomia calma/intensidade; a melodia de "This Cold Life" arrepia até o mais insensível enquanto que "Sane" é impecavelmente bem produzida. Por fim temos "Disappear", um auntêntico hino, profundo e grandioso.

Por uma razão ou por outra, e por muito preconceito, este álbum passou ao lado de muito boa gente. Pode ser que cada um, ouvindo-o do princípio ao fim, se aperceba do que tem em mãos.

Perdidos no tempo: XMAL DEUTSCHLAND

2011-05-05T18:40:00.000+01:00

Os XMAL DEUTSCHLAND são uma banda alemã de rock gótico, formada em Hamburgo, em 1980, por Anja Huwe (vocais), Manuela Rickers (guitarra), Rita Simon (baixo), Fiona Sangster (teclado) e Caro May (bateria).O primeiro single da banda, Großstadtindianer é lançado em 1981. Neste ano, Rita Simon é substituída Wolfgang Ellerbrock. O primeiro sucesso, Incubus Sucubus, data de 1982, e é um dos grandes marcos do estilo gótico. Caro May é substituída por Manuela Zwingmann. No mesmo ano, o grupo faz a primeira parte de concertos dos Cocteau Twins, em Inglaterra, e a editora destes, a 4AD, contrata-os. Um ano depois, em 1983, os XMAL DEUTSCHLAND lançam o seu primeiro álbum, Fetisch. O álbum é bem aceite no Reino Unido, atingindo o terceiro lugar na tabela independente. Manuela Zwingmann sai da banda e é substituída por Peter Bellendir.

Com "Tocsin", de 1985, afirmam-se como um dos expoentes da corrente gótica / pós-punk embora facilmente identificáveis pela voz de Anja, mas também por belas canções em que a preponderância da violabaixo se misturava com os teclados e a guitarra, que alternava distorção com som limpo reverbado.
A carreira dos XMAL DEUTSCHLAND atinge o seu auge com o álbum Viva, em 1987. Dois anos depois, o álbum "Devils", em inglês e com um som mais comercial, representou uma mudança que não foi bem recebida pelos seus seguidores acabando por ditar o fim da banda.

Os melhores álbuns de sempre: MACHINE HEAD - «BURN MY EYES» (1994)

2011-04-25T16:59:00.000+01:00

Na altura da edição deste seu primeiro álbum, os Machine Head era um bando de anti-sociais pertencentes a gangs dos subúrbios de San Francisco. Neste trabalho, o ambiente quotidiano dos quatro elementos do grupo, com toda a sua carga intensa e violenta, é retratado em forma de música com este resultado: um som brutal como até então nunca se tinha ouvido, ritmos extremamente elaborados do mais rápido ao mais calmo, e riffs cheios de balanço e muito criativos. Em geral, respira-se uma atmosfera obscura e profunda mas extremamente poderosa, feita de silêncios, mudanças de ritmo, breaks pujantes, tudo bate certas na altura certa, uma autêntica máquina de adrenalina. A afinação muito mais grave do que o habitual das guitarras adensa o clima intenso do disco, a produção roça a perfeição e a voz alcança aquilo que poucos conseguem: cantar com raiva e, ao mesmo tempo, soar bem, passando pela melodia pró-grunge e chegando, em algumas partes, ao susurro (!!!??). Se a isto aliarmos as letras de intervenção, abordando temas como, a política, corrupção, drogas, religião e a street culture, ficamos com um autêntico cocktail explosivo em forma de música. Um clássico.

DVD: MASTODON - "LIVE AT THE ARAGON"

2011-04-15T12:33:00.002+01:00

Na senda do lançamento do conceptual "Crack The Skye" e da tour alusiva que se seguiu, os Mastodon lançam agora um DVD/CD com um concerto gravado no Aragon Ballroom de Chicago.
À semelhança de grande parte dos concertos realizados nesta tourneé (que não o de Portugal inserido num festival), o espectáculo conta com um forte componente visual para além daa execução da totalidade do referido último álbum.
Este DVD é uma excelente oportunidade de apreciar uma das bandas mais originais dos últimos anos, a admirável técnica dos seus músicos e a criatividade das suas canções. Claro que isto é apenas uma parte do que os Mastodon têm feito, sendo aqui apenas aflorados trabalhos que roçam a genialidade como "Blood Mountain" e "Leviathan" (este último mereceu até uma homenagem em música clássica). No entanto, ao debruçar-se essencialmente sobre o álbum "Crack The Skye", este DVD e CD tem o potencial de poder atrair adeptos de soloridades para além do metal, nomeadamente de prog-rock e rock alternativo.

Perdidos no tempo: MY SISTER'S MACHINE

2011-04-07T23:33:00.006+01:00

Os My Sister's Machine são um grupo de Seattle que teve uma existência fugaz em plena euforia grunge no início dos anos 90. No entanto foram os autores de um dos álbuns de culto daquele movimento: "Diva", de 1992. Com este disco, os My Sister's Machine estrearam-se com um som grandioso: sucessivas camadas de guitarra em riffs constantes e solos de wha-wha, ritmos endiabrados e uma voz poderosíssima. O álbum foi produzido pelo nosso bem conhecido Ronnie Champagne - que produziu no nosso País trabalhos de Xutos & Pontapés e de Blind Zero, para além de ter sido músico de apoio dos primeiros numa determinada fase da sua carreira (lembram-se do concerto dos 20 anos?).

Um tipo de som com que qualquer ouvinte identifica de imediato os My Sister'sMachine é o dos Alice Im Chains. No entanto, a banda tem ainda bastantes influências do melhor hard-rock que se fazia na altura (Stone Temple Pilots, early Guns N' Roses..) assim como semelhanças com grupos que depontaram posteriormente (Godsmack, Kyuss..).

O pouco sucesso do seu segundo álbum,"Wallflowers", precipitou o final da banda que, assim, não logrou alcançar um nível razoável de sucesso. No entanto, foi o suficiente para nos terem deixado o muito recomendado álbum já citado e grandes temas como "Love at High Speed", "Diva", "Wasting Time" e "I'm Sorry", entre outros.

Recentemente, a banda regressou apenas para alguns concertos.

Os melhores álbuns de sempre: THE STONE ROSES - «THE STONE ROSES» (1989)

2011-03-25T21:34:00.001Z

No último ano da década de 80, uma revolução estava a ter lugar na música pop com epicentro no Reino Unido. À explosão das raves e da música tecno/house aliava-se uma mudança de paradigma da música mais convencional. Havia várias cisões que estavam extremadas que necessitavam de ser ultrapassadas: aquela entre a música comercial e a música alternativa, a música alegre que era superficial e a música criativa que era por tradição soturna e, por fim, a música para dançar e a música rock apenas para ouvir. Os primeiros passos para ultrapassar essas barreiras foram dados por esses monstros sagrados que dão pelo nome de New Order, entre outras bandas, tal como por algumas editoras consagradas à música verdadeiramente nova, como a mítica Factory Records. Desta onda nasceu o que viria a chamar-se o shoe-gaze ou o rave'n'roll, que iria influenciar o estilos musicais por todo o Mundo, aliando o ritmo e a alegria à música pop/rock relevante.

Desta fornada de bandas, aquela mais representativa e inspirada (naquela altura) foi, sem sombra de dúvida, os Stone Roses. Depois de vários singles e de concertos a abarrotar, os Stone Roses lançam em Abril de 1989 o seu primeiro álbum: uma colecção de belíssimas canções, leves e ricas ao mesmo tempo, de elevar a alma no dia a dia; cometendo até o pecado de deixar de fora excelentes temas (recuperados depois em colectáneas e álbuns de raridades posteriores).

O som aliava vozes delicadas da escola hippie dos anos 60 (Simon & Garfunkel, Byrds), riffs altamente imaginativos a meia distorção e uma sessão rítmica extremamnte versátil e precisa. As canções tal como as letras repiram paz, amor e felicidade por todos os poros, constituindo autênticas injecções de boa disposição, não deixando de ser autênticas pedradas no charco à época, apesar da óbvia inspiração psicadélica.

Desde a idílica "I Wanna Be Adored", à descarga de "She Bangs The Drums", a paz de espítito de "Waterfall", até aos hinos que são "Made Of Stone" e "Iam The Resurrection" (esta com direito a jam no final).

Um álbum para história que chegou a colocar os Stone Roses num patamar comparável a uns Beatles. Infelizmente a banda acabaria por se desagregar, no meio de drogas e de tiques novo-riquistas, e o segundo álbum só viria muito mais tarde e sem a mesma frescura. O seu legado influenciou inúmeras bandas desde toda a onda brit-pop (que afogou o shoe-gaze num lodo de auto-citação) até à música pop em geral (os próprios U2 nos anos 90 reconheceram ter alguma influencia deste estilo musical). Em suma, a música, tal como a conhecemos hoje, não seria provavelmente a mesma sem esta banda e este álbum.

Os melhores álbuns de sempre: MEGADETH - «RUST IN PEACE» (1990)

2011-03-18T10:50:00.006Z

Os Megadeth vão actuar no próximo dia 30 de Março no Pavilhão Atlântico com os Slayer.

Numa altura em que a sua banda rival – os Metallica - se afirmava como o expoente máximo do chamado metal, e do thrash metal em particular, Dave Mustaine, líder dos Megadeth, decidiu fazer uma jogada de mestre. Apesar a crescente, mas relativa, fama mas que o seu grupo vinha alcançando, contratou para a guitarra solo e para a bateria – os dois lugares decisivos das bandas deste estilo – dois músicos excepcionais. A saber: Marty Friedman, um estudioso da guitarra eléctrica especialista no estilo “exotic metal” caracterizado por escalas e harpejados de tonalidades orientais ou com influências do flamenco, muito baseado em meios tons e dissonâncias; e Nick Menza, um baterista thrash por excelência com uma técnica de duplo bombo acima da media. Junto a estas novidades foi tomado um cuidado redobrado na elaboração dos temas que continuam a ser complexos mas agora com uma fluência melódica muito mais inspirada. Resultado, este colosso da música metal que dá pelo nome de "Rust In Peace".

Desde o início pujante de Holy Wars, passando pela dúzia (!!) de solos de Hangar 18, pelos recortes harmoniosos de Lucretia até ao groove de Polaris. Este album acaba por constituir uma autêntica Bíblia para os entusiastas de solos de guitarra eléctrica, onde o virtuosismo se casa na perfeição com a originalidade e a inspiração e o ouvinte fica estonteado com tamanha demonstração de força e talento.

Um exemplo da genialidade deste disco pode ser comprovada, por exemplo, num dos temas menos conhecidos do alinhamento, “Five Magics” onde a partir de um início calmo feito tensão e silêncio a canção arranca num crescendo que passa por diversos estilos (como, por exemplo, a valsa(!!!??)) para acabar num rodopio impressionante temprado com um solo em tapping.

A partir deste disco o metal mais poderoso ganhou uma profundidade que não se conhecia alcançando um novo patamar de qualidade e, por conseguinte, de (bons) ouvintes.

Os melhores álbuns de sempre: SENSER - «STACKED UP» (1994)

2011-03-07T18:32:00.007Z

Nos inícios da década de 90, o cruzamento do rap com o metal começou a ganhar um novo dinamismo. Da mesma maneira, inúmeros projectos apostavam na mistura de estilos como a sua imagem de marca. Na Londres da época estava-se na ressaca do shoe-gaze mas a dance-música arrancava decididamente para uma época de ouro. E foi na capital britânica que um grupo de freaks de origens diversas formaram os Senser que se estrearam em 1994 com um álbum assombroso chamado "Stacked Up".
Este disco traduz-se na mistura de uma miríade de estilos de entre os quais o rap, o metal, a dance-music, entre outros. Servidos por músicos de eleição, entre os quais dois excelentes vocalistas, o álbum assenta em excelentes canções e letras que respiram o espírito da época. Tudo polvilhado com inúmeros pormenores electrónicos - cortesia de vários elementos da banda que criaram e executaram os samplers - dando uma atmosfera densa e colorida ao todo do trabalho. O bom gosto da produção a nível de sintetizadores assim como a sessão rítmica - dançável, criativa e rigorosa ao mesmo tempo - são dois pormenores decisivos para a genialidade deste disco.
O primeiro tema "State Of Mind" revela de imediato ao que vem este grupo. Heitham Al-Sayed - um dos rappers mais rápidos a debitar palavras do planeta - declara com raiva no seu "british" perfeito «...my state of mind, they won't change me!».
O segundo tema, "The Key", é simplesmente perfeito, com o sintetizador em regime "sobe e desce", um ritmo a roçar o dub e Al-Sayed mais calmo na palavras, para depois aparecer a voz de Kerstin Haigh num refrão verdadeiramente orgásmico. Uma palavra ainda para o video-clip desta canção que manifesta a influência da cultura rave/neo-hippie nos Senser.
Em "Switch" o ritmo do baixo e da bateria faz tremer o assento de qualquer cadeira. Esta é, provavelmente, a maior aproximação ao hip-hop no álbum todo (os Da Weasel passaram por aqui?),no entanto, a melodia imprimida pela vocalista nalgumas partes e a riqueza sonora está a milhas de certos minimalismos daquele estilo.

"Age Of panic" é ainda hoje o hino dos Senser. Sob uma base que mistura electrónica e guitarra em power chord, o vocalista traça o retrato do estilo de vida das sociedades modernas. Um autêntico "petardo" sonoro. "What's Going On" começa com um riff à Slayer (!!!) que é depois admiravelmente acompanhado por um ritmo hip-hop. O refrão é dos mais orelhudos do disco.
Depois, temos canções de base rap-metal misturadas com outras de outros estilos, como o house de "Door Game" ou o lounge de "Peace" - por sinal um título extremamente adequado ao tema que é. Já na parte final, "Eject" é o regresso ao rap-metal mais agressivo com o refrão a alcançar mesmo um ritmo hardcore. De repente, a meio da música, os dois vocalistas, em cânticos orientais, entram num duelo em espiral ascendente, num todo de pôr qualquer pessoa em pele de galinha.

Este álbum veio reformular a cartilha de inúmeros estilos, sendo percursosr, até de movimentos que mais tarde iriam esplodir, como o tecno-rock e o nu-metal. Quanto aos Senser, eles continuam, embora tenham editado apenas mais dois álbuns desde aquele, afectados por diferendos internos, fruto talvez do perfil instável de artistas. A qualidade mantém-se, apesar da pouca promoção, mas longe da genialidade daquele primeiro trabalho. É como se as condições que permitiram gerá-lo tivessem sido únicas, irrepetíveis, fruto do acaso...

Os melhores álbuns de sempre: COCTEAU TWINS - «VICTORIALAND» (1985)

2011-02-25T22:21:00.002Z

Certa música faz-nos alcançar tais sensações interiores que se podem de classificar de perfeitas, puras, primordiais, nos fazem celebrar a existência e o significado das coisas mais simples. É o caso da maior parte das composições dos Cocteau Twins e, neste particular, de um dos melhores álbuns de sempre: «Victorialand».

Quem conhece o grupo sabe do que se fala aqui: a voz angelical de Liz Frazer, muitas vezes em várias camadas, deambula por entre um mar de sons e melodias hipnóticas feitas praticamente apenas com guitarras eléctricas carregadas de efeitos.

Este disco está exactamente a meio da carreira do grupo escocês, terminada, até notícia em contrário, em 1996: entre as melodias sombrias e amarguradas dos primeiros anos e a luminosidade dos seus últimos discos. Outra nota importante é que este álbum distingue-se de muitos outros por não utilizar qualquer tipo de percussão. Este facto faz com que os pontos fortes do grupo venham ao de cima.

No entanto, o segredo deste álbum está no talento puro e natural dos elementos do grupo, com cada canção a constituir uma tonalidade para um quadro que se revela esplendoroso. Atente-se na capa, em como a imagem reproduz os tons vermelhos alaranjados de um pôr-do-sol tropical ou o crepitar de uma lareira reconfortante ou uma aurora a anunciar um dia solarengo. Logo ao primeiro tema, o álbum eleva-nos para locais escondidos na nossa mente e nos nossos sentidos como se estivéssemos a ouvir o cântico dos anjos ou o canto das sereias (como tão bem esta mesma intérprete faz no tema dos This Mortal Coil). Uma experiência única para viver em doses moderadas e escolhidas a dedo, porque assim ainda sabe melhor.

Menção especial para outros trabalhos belíssimos desta banda, que podiam estar aqui na lista dos melhores, como: «Treasure», «Tiny Dinamine/Echoes In a Shallow Bay» «Four Calendar Café» ou «Milk And Kisses».

Os melhores álbuns de sempre: TESTAMENT - «LOW» (1994)

2011-02-10T18:21:00.000Z

Uma das bandas mais carismáticas do rock pesado dá pelo nome de Testament. Originários da Bay Area (os arredores de San Francisco) - à semelhança de outros ícones seus contemporâneos de geração e estilo musical como os Metallica, os Megadeth e os Slayer, os Testament foram pioneiros no que se viria a chamar o thrash metal, aquele estilo de música que se caracteriza pelo desenvolvimento da técnica do power chord na guitarra eléctrica como fio condutor de uma música que se caracteriza também pela velocidade, pela adopção de melodias de cariz obscuro apostando mais no poder do som e pela exploração do solo de guitarra e do duplo bombo na bateria (vide o caso dos Metallica da fase Master of Puppets ou da maior parte dos álbuns de Slayer). Se se quer conhecer Testament na sua fase mais thrash, comece-se então por um trabalho chamado "First Strike Stills Deadly" que nada mais é que a regravação de temas dos 2 primeiros álbuns (editados originalmente a meados dos anos 80) com a produção do ano de 2001 e com resultados assombrosos. No entanto, o álbum original mais cuidado, mais diversificado, mais audível por qualquer ouvinte e, conforme se pode verificar passdo este tempo, com um grau de inovação apreciável, é "Low". Nesta altura, os Testament tinham sofrido várias alterações na sua formação e desta apenas resistiam o vocalista Chuck Billy e o guitarrista Eric Peterson. Assim, numa altura que o metal tinha ganho um novo balanço a nível de popularidade (1994) , bebendo em bandas que revolucionavam este estilo musical e dominavam os tops (Pantera, Sepultura) ou que começavam a despontar (Machine Head), os Testament resolveram apontar baterias noutra direcção diferente da que os tinha conduzido à situação de estagnação em que se esncontravam no início da década de 90. Neste sentido, foram buscar músicos de excepção nestas lides: James Murphy, conceituado guitarrista dos Death que se caracteriza pela sonoricdade peculiar dos seus solos, Joey Tempesta, que também tocava nos White Zombie e que actualmente faz parte dos The Cult (!!!), e Steve Di Giorgio, dos Sadus.

Com esta formção, os Testament arrancaram para um álbum inspiradíssimo que para além da energia constante em grande parte dos temas, proveniente de riffs demolidores e da produção excelente para a altura, contém um lado mais ambiental e profundo gerada pelo carácter exótico da guitarra de Murphy e da introdução de partes calmas, em doses com porção ideal, que tornam este disco muito variado, excitante, sem perder o seu lado poderoso. A introdução da vertente ambiental neste disco (sem cair na balada hard-rock fm de outros tempos) misturada com a variedade rítimica é das coisas mais espectaculares deste trabalho e sem paralelo no metal da altura, excepção feita a outro disco desta época chamado "Arise", dos Sepultura.

O tema título, apesar de ter honras de video-clip, é mais uma canção no meio de outras que apesar de apostarem na simplicidade do trinómio riff (talentoso sempre)-tema-refrão têm sempre uma parte instrumental ou de solo que deixam a cabeça a andar à roda, tal a técnica e a imaginação empregues - veja-se o caso de Legions, Hail Mary ou Dog Faced Gods. A diversidade rítmica é também uma característica deste álbum que confere mais entusiasmo e força ao caráter da música, em vez de um ritmo constante que acaba por se tornae aborrecido ao fime de algum tempo mesmo que seja "sempre à'brir". Em certos temas chega a ser dançável, como no caso de All I Could Bleed (influência funk-metal?) ou tornar um tema ainda mais espectacular com um pára-arranca constante, como acontece em Chasing Fear. Os temas calmos marcam presença de forma irrepreensível, e impecavelmente produzidos, e a técnica dos novos elementos fica patente no instrumental em que aparece mais nítida uma nuance que paira sobre todo este disco: o oriente. Aprofundando o que certos grupos desta área já vinham experimentando, os Testament recorrem, neste trabalho, a melodias de óbvia inspiração árabe, indiana, ou afins, nos solos, dedilhados, riffs e até em certas temáticas das letras.

Com este álbum os Testament renasceram para um novo fôlego na sua carreira. Para os não fundamentalistas do old school é capaz de ser mesmo a masterpiece desta banda americana, permanecendo ainda e sempre actual, pelo menos para quem gosta de música diversificada, talentosa e bem produzida.

Os melhores álbuns de sempre: THE YOUNG GODS - "HEAVEN DECONSTRUCTION"

2011-01-22T12:22:00.008Z

Em 1996, um ano depois do lançamento do álbum mais bem sucedido da sua carreira, "Only Heaven", os The Young Gods editam um disco que apresentado como uma espécie de álbum de remisturas daquele trabalho. No entanto, na prática, é certo que utiliza sons utilizados naquele álbum prévio, para além de otros que ficaram de fora nas mesmas sessões de gravação/experimentação, mas, de resto, não tem nada a ver: são outras canções, totalmente instrumentais e num estilo totalmente novo e radical nos Young Gods e na música em geral.

"Heaven Deconstruction" é tão só e apenas um dos melhores álbuns de música ambiental de todos os tempos, extraindo o melhor que este estilo oferece - paisagens sonoras, profundidade, inovação, surpresa - e evitando as suas armadilhas - o aborrecimento e o excesso de repetição. Isto para além da relação subliminar com os estilos mais undergroud da música trance e chill out. O álbum não tem, praticamente, um só som de percussão. É unicamente constituído por sons etéreos e planantes nunca ouvidos até à data, fruto da imaginação e trabalho de pesquisa de Franz Treichler (o vocalista e principal compositor) e Al Comet (o teclista manipulador de sampler).
Como se sabe o sampler é um instrumento que obtém e reproduz qualquer som da realidade, podendo depois transformá-lo em algo totalmente novo que nunca tenha sido ouvido. Pois reza a lenda que os sons usados em "Only Heaven" e depois neste "Heaven Deconstruction" foram obtidos... numa banheira (!!?). Isto não espanta na medida que os The Young Gods foram pioneiros na utilização deste tipo de tecnologias e sempre se destacaram por isso.
Ouvindo este álbum (com atenção e num ambiente propício) não podemos deixar de experimentar uma sensação de um certo misticismo, uma espécie mergulho no subconsciente, uma sensação de ligação à grandiosidade do universo e da existência. São paisagens desérticas e belas, um autêntico filme sonoro que se desenrola na nossa mente e que nos dá uma sensação de paz e conforto inigualáveis. Para ouvir e chorar por mais. Mas o que é certo é que nem os próprios The Young Gods atingiram (até agora) a genialidade apresentada nesta altura, e neste álbum em particular.
Resta dizer que se querem adquirir o álbum, pode não estar em nome de The Young Gods mas com o nome com que inicialmente foi editado, a saber: An Instrumental Experimental Side Project Of The Young Gods :)

THE YOUNG GODS - A história

2011-01-19T20:28:00.006Z

Os The Young Gods vão actuar em Lisboa, no Santiago Alquimista, no próximo dia 30 de Janeiro. Em jeito de apresentação, um pouco da historia do grupo suiço.

A seminal banda Young Gods foi formada em 1985 por Franz Treichler, Cesare Pizzi e Frank Bagnoud na cidade de Genebra, Suíça. O trio é um dos precursores na utilização do sampler como instrumento musical e tornou-se uma das bandas de rock industrial mais influentes da época. Devido às diversas mudanças de line-up, a sonoridade do grupo foi se modificando ao longo dos anos, passando de um som mais industrial e metalizado para estilos mais influenciados pela música electrónica e ambiental. O nome do grupo foi inspirado pelo EP The Young God da banda de noise rock Swans. Treichler, líder e único membro constante em todas as formações dos Young Gods, actua como vocalista e principal compositor. Al Comet, nos teclados/samplers, e o baterista Bernard Trontin completam o trio atual (agora quarteto com um guitarrista a tempo inteiro).

Dos seus álbuns, destacam-se L'Eu Rouge (1989), TV Sky (1992), "Only Heaven" (1995) e "Second Nature" (2000). No entanto, todos os lançamentos da banda são sempre aguardados com grande expectativa pela comunidade de músicos e apreciadores de musica inovadora. A sua discografia caracteriza-se também por incluir alguns trabalhos mais marginais e experimentais, como o assombroso "Heaven Deconstruction".

Embora o grupo nunca tenha alcançado grande êxito comercial, o legado dos Young Gods na música contemporânea é indíscutível. Diversos artistas consagrados já evidenciaram sua admiração e reverência ao trio suíço. De entre as várias bandas e músicos passíveis de citação, destacam-se os Chemical Brothers, , Ministry, Mike Patton (Faith No More), Tool, Nine Inch Nails, The Edge dos U2, etc.

Os melhores álbuns de sempre: LOVE AND ROCKETS – «THE SEVENTH DREAM OF A TEENAGE HEAVEN» (1985)/ «EXPRESS» (1986)

2011-01-10T19:18:00.000Z

Nesta rubrica de "Os melhores álbuns de sempre", vou falar aqui de dois discos que na verdade funcionam como um. O primeiro mais intimista, misterioso, inebriante, uma autêntica “trip” alugionogénica em forma de música. O segundo, é a continuação dessa viagem elevada a um patamar de maior intensidade e energia.

Depois do demantelamento dos Bauhaus em 1983, volvidos apenas 5 anos e 4 álbuns de originais, formaram-se os Love and Rockets constituídos por: Daniel Ash (voz e guitarra), David Jay (voz e baixo) e Kevin Haskins (bateria).

“If There’s A Heaven Above” é um início perfeito para o primeiro álbum da banda (de 1985) a fazer lembrar uma espécie de Pink Floyd (fase psicadélica) modernizados. “Private Future” prossegue com o tom intimista do álbum. A viola de 12 cordas de Ash e os coros celestiais dos dois vocalistas são a imagem de marca do disco. “Dog Of A Day Gone-By” é uma muralha de guitarras e tambores a sustentar os coros em êxtase. Já “The Game” é opressivo e obscuro. O tema título, «The Seventh Dream Of A Teenage Heaven», remete para as profundezas dos mistérios da existência. «Saudade» é o final perfeito, um soberbo tema instrumental que só podia ter esta palavra portuguesa como título.

“Express”, gravado um ano depois, inicia-se com o experimental “Angels and Devils” para em seguida entrarmos em “It Could Be Sunshine”, enérgico e intenso, polvilhado de sons e efeitos electrónicos que, de resto, são uma constante em todo o álbum fornecendo um elemento “psicadélico” a todos os temas. A cada audição há um novo pormenor a descobrir. “Kundalini Express” é o hino da banda com a letra a apelar à união dos seres e às filosofias orientais . “All In My Mind” tem um dos refrões mais contagiantes de todos os tempos. “Life In Laralay” é uma homenagem ao riff puro e duro. “Ball Of Confusion” é uma versão totalmente tranformada de um tema obscuro de Ike & Tina Turner. “Holiday On The Moon” é uma espiral em crescendo, com um começo simples e acabando num autêntico remoinho de sons. “Yin And Yang” é mais outro tema que revela a atracção da banda pelo oriente. “Love Me”, outra grande canção em que os arranjos, em conjugação com a voz, arrepiam literalmente. A versão slow de “All In My Mind” revisita o lado calmo do primeiro disco e “An American Dream” é um épico lindíssimo, dirigido ao mais íntimo de cada ser, aos seus sonhos e sentimentos.

No fundo, é essa a sensação que fica depois ouvir este conjunto de canções espalhadas pelos dois álbuns: mensagens de vida sussuradas a todos sentidos.

Links:

http://www.youtube.com/watch?v=UJiN_dgA5wo&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=pSmgsiREaic&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=rL07_7wPZK0&feature=related

OS MELHORES ÁLBUNS METAL/ROCK DA DÉCADA

2010-12-30T10:30:00.049Z

MASTODON - "BLOOD MOUNTAIN" (2007)

SYSTEM OF A DOWN - "TOXICITY" (2001)

NEVERMORE - "MANIFESTO OF NEVERMORE" (Best of...) (2009)

MNEMIC - "SONS OF THE SYSTEM" (2010)

SOILWORK - "STABBING THE DRAMA" (2005)

FEAR FACTORY - "ARCHETYPE" (2004)

MACHINE HEAD - "THE BLACKENING" (2007)

DEVIN TOWNSEND - "ACCELERATED EVOLUTION" (2004)

LAMB OF GOD - "WRATH" (2009)

DIVINE HERESY - "BLEED THE FIFTH" (2007)

OS MELHORES ÁLBUNS DE 2010

2010-12-21T19:58:00.009Z

Cá vai uma lista de alguns bons álbuns deste ano. Deixa o teu voto em "Comentários".

Mnemic - "Sons Of The System" - Link para resenha
Devin Townsend - "Addicted" * - Link para resenha
Nevermore - "The Obsidian Conspiracy" - Link para resenha
The Young Gods - "Everybody Knows"
Stone Temple Pilots - "Stone Temple Pilots" - Link para resenha
Sevendust - "Cold Day Memory"
Jamiroquai - "Rock Dust Light Star" - Link para resenha
The Chemical Brothers - "Further"
Arcade Fire - "The Suburbs"
The National - "High Violet"
Mão Morta - "Pesadelos em Peluche"
Linda Martini - "Casa Ocupada"
* Editado no final de 2009 mas "digerido" em 2010

Concertos do ano:
U2 - Estádio Municipal de Coimbra - Link para resenha
The Chameleons - Santiago Alquimista - Link para resenha
Alice In Chains - Festival Alive - Link para resenha
Faith No More - Festival Alive - Link para resenha
Rammstein - Rock In Rio
Metallica - Pavilhão Atlântico

Rubrica "os melhores álbuns de sempre": MINISTRY - "HOUSES OF THE MOLÉ" (2004) / "RIO GRANDE BLOOD" (2006)

2010-12-15T16:55:00.075Z

Os Ministry são uma da primeiras e mais originais banda do chamado metal industrial. Surgidos em 1981, é no entanto a partir de 1987 que começam a fase ascendente da sua carreira com álbuns como "The Land Of Rape And Honey", "The Mind Is A Terrible Thing To Tase" e o álbum mais famoso da sua carreira, "Psalm 69", trabalhos onde definiram o seu som.
Depois de vários anos com composições menos inspiradas, de muitas alterações de formação, inconstância a nível da vida pessoal do seu líder e único actual membro fundador do grupo, Al Jourgensen, os Ministry entram neste século com um novo vigor. "Animositisonima", de 2002, já prenuncia bons e variados temas, o regresso à velocidade e à inspiração, para além das letras relacionadas com a realidade político-social (nomeadamente o terrorismo e o 11 de Setembro).

Mas é em 2004 que o grupo lança o seu álbum politicamente mais interventivo de sempre: "Houses Of The Molé" (um trocadilho com o título de um conhecido álbum de Led Zeppellin) é um verdadeiro manifesto contra a ascenção - na altura - dos neo-conservadores ao poder dos Estados Unidos da América e contra então iniciada Guerra do Iraque. Todo o álbum remete para a figura de George W. Bush, a começar pelo facto das canções possuírem como primeira letra do título a letra W. A excepção é a canção "NoW", outro trocadilho: o álbum "Psalm 69" continha o tema "NWO", as iniciais do termo Nova Ordem Mundial, numa alusão aos motins raciais que então ocorriam em Los Angeles; desta vez, repetiram o título mas com a letra "o" em pequeno, ou seja, "NoW" (não ao W).

A nível de composição, o álbum recupera muito da inspiração que os Ministry desenvolveram mais de uma década antes, nos álbuns já referidos, doseando peso das guitarras com ritmos maquinais, por vezes desenfreados, explosivos samples orquestrais, excertos de gravações e vozes off e o som de megafone das vocalizações de Al Jourgensen. A já referida "No W", "Worthless" e "Wrong" são dos temas mais enérgicos dos Ministry, enquanto que as composições mais arrastadas - como a orquestral "Worm" - são de um fulgor e inspiração como há muito não acontecia nesta banda.

Na altura da edição de "Houses Of The Molé", a banda anuncia que inicia com esse álbum uma trilogia dedicada à decrição crítica das políticas de George W. Bush. Assim surge "Rio Grande Blood" (que com "Last Sucker" (2007) completam a mesma). Este álbum, cujo título faz um paralelismo entre um conhecido "western", a guerra pelo petróleo e os dois grandes rios que atravessam o Iraque (o Tigre e o Eufrates), eleva o peso e a velocidade a um nível superior. Beneficiando de colaborações - em estúdio e ao vivo - de músicos prolíficos de bandas conceituadas como os Killing Joke, os Prong, entre outras, "Rio Grande Blood" aposta num tipo de canções mais pesadas e aceleradas que nos remetem para um universo próximo do thrash metal, mas mantendo o estilo inconfundível dos Ministry. O tema título, "Señor Peligro", "Fear (Is Big Business)" e "The Great Satan" encontram-se entre as melhores e mais poderosas canções que os Minsitry alguma vez compuseram. "Lies Lies Lies" é a forma perfeita de fazer uma canção metal com contornos pop. No meio do caos, emerge a beleza e exotismo de "Khyber Pass", onde no meio do rugido das batidas marciais plana a voz "oriental" e hipnótica de Liz Constantine.

A segunda parte da carreira dos Ministry, embora não seja a novidade total dos primeiros tempos, é a fase onde, por ventura, a banda fez maior quantidade de canções talentosas, que tocam a mais públicos, sem perder o seu cunho muito personalizado. Vale a pena (re)descobrir esta banda, das poucas que conseguiram ganhar um novo fôlego a meio da carreira.

Discos: DEFTONES - "DIAMOND EYES"

2010-12-02T15:43:00.004Z

Os Deftones vão actuar no próximo dia 9 de Dezembro no Campo Pequeno em Lisboa.

Com "Diamond Eyes" pode-se afirmar que os Deftones estão de volta aos grandes álbuns, depois do péssimo trabalho que foi "Deftones" (de 2004) e do toque a rebate que foi "Saturday Night Wrist" (de 2006), apesar deste não apresentar grandes novidades propriamente ditas. Pelo meio ainda houve o acidente viário que colocou de baixa por tempo indeterminado o baixista Chi Cheng.

Numa altura em que a música está cada vez mais mercantilizada - com cada artista a apostar no seu estilo de música direccionado para o seu grupo alvo - é de saudar que haja bandas que ainda apostam no crossover e na inovação por via da mistura de estilos - imagem de marca de correntes que marcaram a história da música como o grunge e o nu-metal, entre outras.

Os Deftones provam neste álbum que continuam a ser exímios a misturar estilos, com a sua fórmula de ritmos diversificados, com a guitarra com a sua afinação especial a alternar efeitos, e ambiências, e a voz de Chino Moreno a dar uma profundidade e melodia únicas e personalizadas.

O álbum mostra grande cuidado na composição das canções, com a produção a tirar o melhor partidos dos sons da guitarra e da voz para dar um resultado final facilmente assimilável para qualquer estilo de público. Sem chegar ao nível das pedradas no charco que foram "Around The Fur" (1997) e "White Poney" (2000), o que é certo é que os Deftones conseguem refinar o seu som e dar um passo em frente en relação ao que vinham praticando até agora, abandonando alguns clichés antigos e direccionando a sua agressividade para um enquadramento com mais qualidade mantendo a sua personalidade e originalidade.

Discos: SOUNDGARDEN - "TELEPHANTASM"

2010-11-24T23:24:00.004Z

Os Soundgarden estão de volta com um best of que engloba cronologicamente os melhores momentos da sua carreira que se iniciou em Seattle, em 1984, tendo cessado funções em meados da década de 90. Sendo um dos expoentes do estilo grunge, a banda de Chris Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron e Ben Shepherd volta agora aos concertos, aos originais - com o óptimo Black Rain presente neste álbum - e, ao que tudo indica, à produção de novos álbuns.

Para já temos esta colectânea que vem lembrar a extrema originalidade da banda que caracterizava a banda e que fez dela um caso á parte da onda do grunge. Ao mesmo tempo, vem clarificar o quanto o seu vocalista tem estado perido quer no seu trabalho a solo quer no semi-falhado projecto Audioslave.

Com "Telephantasm" deixamo-nos envolver pelo psicadelismo arrastado e intrincado das guitarras, os ritmos tribais e maquinais, e damo-nos conta que a sua influência é muito notória em várias bandas que entretanto têm surgido na última década e meia. O som que vai beber aos grandes standards do hard-rock dos 70, revela-se extremamente criativo no início da carreira para se tornar mais convencional nos últimos álbuns do grupo. A voz percorreu um caminho inverso, a soar demasiado aguda e algo irritante nos primeiros trabalhos (não deixando de ser admirável a sua amplitude), tornado-se mais maleável e heterogénea posteriormente.

A fase mais áurea do grupo vai para o período representado pelos álbuns "Badmotorfinger" e "Superunknowm", mas, a esta distância, verificamos que existem outros temas de muito valor fora desses trabalhos, cheios de personalidade mas com muito instinto "pop", no melhor sentido do termo.

Curiosamente, o novo tema acaba por ser uma surpresa pois aposta decididamente no som mais característico do grupo, ainda que possa não ser o mais vendável. Para aqueles que dão valor ao talento e acreditam ainda haver espaço para a inovação no rock, só nos resta aplaudir tal facto e aguardar por mais novidades.

Os melhores álbuns de sempre: SOILWORK - "STABBING THE DRAMA" (2005)

2010-11-08T19:34:00.010Z

Os Soilwork são um grupo sueco que inciou funções em meados dos anos 90 tendo obtido gradual reconhecimento como dos mais conceituados representantes do produtivo metal escandinavo.

Depois de vários álbuns em que esticavam a sua música ao extremo, em velocidade, técnica e vocalizações, os Soilwork começaram a tornar-se mais melódicos, com mais qualidade e acessibilidade. É nesse contexto que surge em 2005, "Stabbing The Drama". Este álbum significaa rendição dos Soilwork ao metal moderno, ou groove metal, característico de bandas como Pantera ou Fear Factory e que se caracteriza pela divesidade de ritmos e da composição baseada na sincronização das guitarras com o duplo bombo da bateria.

O resultado é potentoso com cada canção a ser uma bomba de adrenalina apontada ao âmago de cada ouvinte. A produção é impecável sendo raro encontrar um álbum que soe tão poderoso sem magoar os ouvidos, percebenendo-se cada pormenor de cada instrumento. A voz de Speed Bjorn alterna na pefeição potência com partes melódicas e as partes camas soam brilhantes no meio da intensidade.
É difícil destacar um tema tal é o grau de inspiração que percorre todo o trabalho. Apenas se pode dizer que se trata de música para despertar os sentidos, o entusiasmo, e que nos faz levantar e agir estejamos onde estivermos, assim como uma espécie de "Vulgar Display Of Power" do século XXI.Para quem quer ouvir música que transmita energia, um álbum a ouvir e a assimilar.

Discos: JAMIROQUAI - "ROCK DUST LIGHT STAR"

2010-10-30T16:33:00.006+01:00

Os Jamiroquai vacabam de lançar o seu novo álbum - o primeiro em 5 anos - com o nome de "Rock Dust Light Star". O trabalho apresenta, como de costume, o funky de qualidade que Jay Kay e companhia já nos têm habituado. Ou seja, o melhor neste estilo a nível mundial, do ponto de vista do talento num contexto pop.

O álbum apresenta um som mais orgânico, fruto de um maior trabalho de composição e de um som mais "live" baseado nos intrumentos clássicos. É claro que o álbum não apresenta a frescura do masterpiece "Travelling Without Moving", os hits de "Synkronized" ou os improvisos funk dos primeiros trabalhos. No entanto, mantém a bitola alta, numa base funk/acid jazz, desta vez com uma tendência um pouco mais chill-out e aproximações a estilos diversos como o disco-sound e o reaggeae. Uma das supresas do álbum é o easy-listening de Two Completely Different Things, bem como a espécie de funk atmosférico de She's a Fast Persuader. De resto, temas como White Knuckle Ride, Blue Skies, Hey Floyd e o tema título do álbum, estão ao mesmo nível dos grandes êxitos que têm caracterizado o grupo. A sonoridade geral do trabalho é bastante diversificada, beneficiando da excelente produção que aposta na sobriedade e na sofisticação, apesar da predominância dos instrumentos convencionais e da gravação live que percorre todo o disco.

Embora não sejam consensuais, os Jamiroquai são um grupo com uma fama considerável a nível mundial. Uma coisa é certa, com este disco temos mais uma dose de boa disposição (ou mais correctamente good mood) que, entrando na onda, não deixa ninguém indiferente.

O alinhamento que é o seguinte: 1. Rock Dust Light Star 2. White Knuckle Ride, 3. Smoke and Mirrors, 4. All Good In The Hood, 5. Hurtin', 6. Blue Skies, 7. Lifeline, 8. She's a fast Persuader, 9. Two Completely Different Things, 10. Goodbye To My Dancer, 11. Never Gonna Be Another, 12. Hey Floyd.

Os melhores álbuns de sempre: FLEET FOXES - "FLEET FOXES"

2010-10-20T16:57:00.001+01:00

Da mesma cidade onde nasceu o movimento grunge, voltaram a vestir-se camisas de franela de quadrados para marcar um novo marco na historia do rock alternativo. Robin Pecknold, Skye Skjelset, J. Tillman, Casey Wescott y Christian Wargo juntaram-se para recordar os nostálgicos sons quase esquecidos dos The Mamas and The Papas, Beach Boys e Eagles, mas de uma forma totalmente renovada.
Os Fleet Foxes começaram a sua caminhada em 2006 e, pouco a pouco, foram ganhando popularidade graças às suas fortes composições e grandes interpretações que em relativamente pouco tempo os levaram para a crista da onda. Depois de dois EPs aclamados pela imprensa especializada, em Junho de 2008 chegou o seu esperado disco de estreia "Fleet Foxes". As expectativas eram altas, mas eles souberam superá-las editando aquele que é possivelmente um dos discos mais importantes da década.
Com uma produção característica (muito pouco comprimida para os tempos actuais), composições míticas, uma interpretação impecável e vozes harmoniosas, os Fleet Foxes conseguiram um som que parece retirado da directamente essência da historia do rock.
Ouvir este CD é uma experiência memorável. Logo a a abrir, as vozes de "Sun It Rises" tomam conta da mente do ouvinte e transportam-no para um lugar em que a harmonia domina. Depois vem a jóia do disco "White Winter Hymnal", uma obra vocal que se encaixa perfeitamente no que se convenciounou chamar música indie mas que engloba muits mais conceitos (folk, neo hippie, etc).

O disco acelera com "Ragged Wood", como para nos fazer lembrar que se trata de um disco rock, torna-se íntimo em "Tiger Mountain Peasant Song", alegra-se em "Quiet Houses", … e então chega "He Doesn’t Know Why", a prova dos nove de que os Fleet Foxes são compositores e intérpretes magistrais, das melhores músicas pop dos últimos anos, simples e genial.
"Heard Them Stirring" soa a seguir, para que não ficarmos demasiado extasiados, mas 3 escassos minutos depois a maravilha volta aos nossos ouvidos. Por esta altura custa-nos acreditar que "Your Protector" seja un tema escrito por um grupo com tão poucos anos de vida. "Meadowlarks" e "Blue Ridge Mountains" flúem sem sabermos como é possível conseguir um som tão perfeito sem cair na repetição.
Depois de escutar este disco, temos a sensação de se ter escutado uma autêntica obra prima. Só o tempo o dirá se estamos perante um clássico a nível de fama. Para já, foi editado e está aí para quem queira ouvir a arte dos Fleet Foxes.

Discos: FEAR FACTORY - "MECHANIZE"

2010-10-10T23:16:00.001+01:00

Os Fear Factory editaram este ano o álbum "Mechanize". Com uma nova formação constituída por Burton C. Bell (voz), Dino Cazares (guitarra), Gene Hoglan (bateria) e Byron Stroud (baixo), o grupo oferecem-nos neste álbum um dos trabalhos mais pesados até à data, não deixando de apresentar grande qualidade e uma excelente performance no seu melhor estilo. Em destaque os temas Mechanize, Industrial Discipline, Christxploitation e Controlled Demolition. Do lado mais melódico temos os excelentes Disigning The Enemy e Final Exit. O regresso aos discos para assinalar o regresso aos concertos de uma das bandas mais enérgicas e talentosas deste estilo.

Fiquem com estes espectaculares videos montados por fãs:

U2 AO VIVO EM COIMBRA: A ÚLTIMA SUPERBANDA ?

2010-10-05T13:10:00.004+01:00

Grandioso! Estonteante!... Faltam adjectivos para classificar o concerto dos U2 do passado dia 3 em Coimbra. A nível de produção visual e sonora não há palavras: existem os U2 e depois o resto... Mas mais importante é toda a carga histórica das canções que remete para diferentes momentos das vidas de cada um dos ouvintes, canções intemporais a milhas de distância de se resumir a um qualquer álbum ouvido a correr num qualquer mp3 - sem perceber a mensagem nem ouvir os pormenores musicais.

E depois temos os U2 pessoas, músicos de grande sensibilidade e bom gosto, comandados pelo carismático Bono que nos faz passar essa mensagem de optimismo, de esperança e de acção na busca de um sonho. O sonho, neste caso, passou muito pelas mensagens de solidariedade e de incentivo a ajudar casos concretos de pobreza ou de falta de liberdade, presentes no concerto, e até nas campanhas que fora do recinto se levavam a cabo por voluntários junto dos espectadores.

Para a história ficam aqui alguns flashes em vídeo - vejam-nos do princípio ao fim - das emoções vividas nessa noite e o alinhamento que incluiu dois temas novos, um deles em estreia mundial absoluta.

1.Return Of The Stingray; 2.Beautiful Day; 3.New Year's Day; 4.Get On Your Boots; 5.Magnificent; 6.Mysterious Ways w/ Can't Stand The Rain; 7.Elevation; 8.Until The End Of The World; 9.I Still Haven't Found What I'm Looking For; 10.Pride (In The Name Of Love) 11.Boy Falls From The Sky; 12.In A Little While; 13.Miss Sarajevo; 14.City Of Blinding Lights; 15.Vertigo w/ She Loves You; 16.I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight w/ Relax/Two Tribes; 17.Sunday Bloody Sunday; 18.MLK; 19.Walk On w/ You'll Never Walk Alone.
Encore: 20.One; 21.Where The Streets Have No Name w/ Amazing Grace.
Encore 2: 22.Ultraviolet (Light My Way); 23.With Or Without; 24.Moment of Surrender w/ Singing In The Rain.

Os melhores álbuns de sempre: FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD - «WELCOME TO THE PLEASUREDOME" (1984)

2010-09-10T22:44:00.000+01:00

Este álbum é inegavelmente um dos álbuns mais inventivos da história e representa, ainda hoje, um exemplo de vanguardismo, para além de personalizar a inclusão das mais recentes tecnologias à data com grande popularidade e originalidade.

Em 1982 os Frankie Goes To Hollywood (ideia vinda de um anúncio de Frank Sinatra) nascem em Liverpool. Em 1983 lançam 3 singles míticos: "Relax", "Two Tribes" e "The Power of Love" pela ZTT Records e produzidos por Trevor Horn, quiçás a peça mais fundamental em todo o processo.

Depois da histeria generalizada pelo "som novo", verdadeiramente "extra-terrestre", é editado, já em 1984, o álbum "Welcome To The Pleasure Dome" e as melhores suspeitas confirma-se. O trabalho é um potento de imaginação, uma autêntica montanha russa de sensações e emoções. A primeira peça é uma composição de quase um quarto de hora constituída pela canção que dá título ao álbum e por uma longa introdução que inclui vozes de ópera até barulhos da selva (do paraíso?). O tema é estrondoso e, talvez, aquele que mais revela a genialidade que está por detrás deste álbum, sejam responsabilidade dos 5 elementos do grupo ou do produtor. Ao longo daqueles minutos dá-se o mote para o que constitui o resto do disco: uma catadupa de sons e de imagens, por eles sugeridas, como se de um filme se trata-se, com música clássica, com sons ambiente, com sintetizadores espaciais. Num conceito: música para sonhar. O imaginário cinematográfico que percorre o álbum extende-se até à própria imagem da banda, que encarnava, nas suas fotografias promocionais e video-clips, personagens - ora representavam sodados, ou aventureiros no meio da selva, ou pousavam com fatos impecáveis, etc.

Depois, os hits: "Relax"- numa versão mais reverbada que melhora o original; "War" - um lado B de single que aqui é todo decomposto permitindo apercebermo-nos de todos os sons e pormenores que compõem estas músicas, uma verdadeira delícia; "Two Tribes" - o hino à "guerra fria", um autêntica vendaval para as pistas de dança. O resto do álbum alterna entre temas mais calmos como o cinemático "Fury", a afrodisíaca "Ballad of 32" ou o nocturno "Black Night, White Light" e outros mais funk ou influenciados pelo music-hall como "Wish The Lads Where Here" e "Only Star In Heaven". Como final, temos esse "slow" assombroso que é "The Power Of Love", ainda hoje arrepia, sem esquecer o belo video-clip para crentes e não crentes.

Como complemento a este álbum, aconselha-se a arranjar as "extended versions" da altura de muitos destes temas, consideradas autênticas peças sónicas pioneiras. Nomeadamente a fantástica anihilation mix de "Two Tribes", onde, entre ambientes épicos, com influencia de música clássica, e uma voz off profética, é glorificado o bombo da bateria e a sua repetição, algo que iria inspirar anos mais tarde (sim, já adivinharam) toda a música de dança.

Discos: STONE TEMPLE PILOTS - "STONE TEMPLE PILOTS"

2010-09-02T00:26:00.006+01:00

Os Stone Temple Pilots editaram recentemente o seu 6º álbum de originais. Depois de um longo interregno de 9 anos, a banda voltou no ano passado depois da aventura do vocalista Scott Weiland nos Velvet Revolver e do resto do grupo ter gravado sob o nome de Army Of Anyone.

Sendo, reconhecidamente, um dos grupos que melhor sobreviveu à ascenção e queda do grunge, os STP caracterizam-se por fazer álbuns muito inspirados, sem grandes pretensões mas recheados de momentos brilhantes e memoráveis. Beneficiando do talento de um dos melhores vocalistas das últimas décadas e da criatividade dos irmãos De Leo (na guitarra e no baixo), os Pilots fazem música convencional, é certo, mas com uma qualidade que poucos conseguem.

Assim, o álbum agora editado, com o título homónimo, caracteriza-se por apostar mais naquele glam rock/grunge que o grupo sempre desenvolveu e menos nos temas calmos, nos quais também foram sempre fortes. Assim temos canções como "Between The Lines" e "Take A Load Off", clássicos instantâneos para os concertos, mas existem também algumas surpresas, como é o caso da experimental "Hickory Dichotomy". Temos tambémm as releituras de clásssicos, como na beatlesiana "Dare If You Dare" e na zeppelliniana "Hazy Daze". O momento descaradamente pop que é "Cinnamon" resume o espírito deste grupo: música positiva e decontraída com enorme talento. A bitola começa a descer um pouco para o fim mas acaba em alta com a leitura bossa de "Samba Nova", algo em que a banda já é reincidente, e que constitui praticamente o único momento mais chill out de todo o disco.
Ouvindo este trabalho, às vezes temos pena do grupo não oferecer peças instrumentais mais extensas em que os músicos pudessem dar largas aos seus talentos. Mas não há nada a fazer, desde o início que a concisão sempre foi uma característica sua, tal como fazer o que lhes dá na gana, como desta vez porem de lado as tradicionais baladas.

Falta agora vermos em Portugal vertente live desta banda que, como se sabe, não deixa ninguém indiferente. A ver vamos..

Discos: NEVERMORE - "THE OBSIDIAN CONSPIRACY"

2010-08-18T10:59:00.018+01:00

Depois de uma paragem de 4 anos, e decorridos 5 anos desde o seu último álbum de originais, os Nevermore estão de volta. Considerada uma das bandas mais representativas do metal no sentido mais puro do termo, os Nevermore caracterizam-se por fazer uma síntese perfeita entre o estilo mais melódico do heavy tradicional com o poder do thrash e o groove do metal dos 90s/ 2000s. Tudo condimentado com uns pozinhos de progressivo e daquela gótica atmosfera enigmática.

"The Obsidian Conspiracy" acaba por ser um álbum representativo do que são os Nevermore, em jeito de apresentação aos desconhecedores e de lembrete aos que já os conhecem. É um passo à frente em relação ao resto da sua discografia, tem elementos inovadores, mas é, acima de tudo, um álbum "à Nevermore": a voz única de Warrel Dane, os riffs complexos de Jeff Loomis e a máquina imparável que é a sessão rítmica.

Logo as três primeiras canções do disco são de arrasar. Embora não sendo o mais pesado ou rápido que a banda já fez, mas são 3 excelentes temas metal. "Your Poison Throne" está destinada a ser um dos momentos altos dos seus concertos, com as palavras de ordem do refrão a pedirem ideal para ser entoadas pelas massas. O primeiro momento mais experimental do disco é "...And The Maiden Spoke", com efeitos de guitarra nunca utilizados por Loomis. "Emptiness Unobstructed" - o primeiro single - é capaz de ser o tema mais comercial que os Nevermore já fizeram, o que tem desculpa para um grupo que semre foi sub-valorizado para a sua qualidade intrinseca. É uma excelente canção rock de fazer inveja a muitos novatos. "Without Morals" é a típica canção de Nevermore, outro clássico. O álbum contém também partes mais calmas, como é habitual nos trabalhos destes norte-americano, das quais se destaca a maravilhosa versão de Crystal Ship, um dos temas mais belos The Doors. Uma das grandes surpresas do disco é o tema "Temptation", uma versão dos Tea Party, com um leve travo funk metal e um refrão forte que eleva o original para um patamar superior.

Os Nevermore regressaram em força, com os traços de personalidade bem vincados, com um disco pejado de temas talentosos dentro dos parâmetros do metal, mas com uma técnica e uma inspiração raras em muitas bandas deste estilo.

Os melhores álbuns de sempre - KRUDER & DORFMEISTER - «DJ KICKS» (1996)

2010-08-04T14:50:00.002+01:00

Os Kuder & Dorfmeister actuam no Festival Sudoeste que decorre de 4 a 9 de Agosto na Zambujeira do Mar.
Este será, porventura, o único disco desta rubrica que contém música não-original. Trata-se de um disco de remisturas de temas de base lounge-chill out. A mítica dupla de DJs, Kruder & Dorfmeister, é ainda hoje das mais conhecidas daquele estilo de música electrónica, apesar do reduzido número de discos e das quase inexistentes canções originais. Qual a razão isso acontecer? Porque a maneira como abordam as músicas que vão remisturar, a escolha que fazem e o encadeamento das canções é de tal maneira personalizado e com tão bom gosto que acabaram por sobresair como artistas autónomos, unificando e dando forma aquilo que se calhar nunca chegaria aos ouvidos dos seus fãs sob o nome do intérprete original.

O seu álbum mais conhecido é "Sessions" mas, no entanto, o disco onde depuraram o seu trabalho, tendo alcançado a perfeição é "Dj Kicks". Enquanto noutros discos dos Kruder & Dorfmeister, é o ritmo (e mesmo a energia apesar do estilo ser relaxante) que tem muita importância, neste, a multiplicidade dos sons e a sua profundidade fazem-no ser um disco mais para ser ouvido, absorvido e sentir todas as sensações que provoca, apesar do ritmo e da sua multiplicidade estarem presentes e serem importantes para o andamento do trabalho.

Logo o início não podia ser mellhor com o som de ondas em fundo a dar o mote para "A Mother" dos Herbalizer. Os temas sucedem-se de uma forma fluída, com a produção e os novos sons introduzidos pela dupla a unificarem canções que eventualmente teriam pouco a ver umas com as outras na sua versão original.

O álbum no seu todo assemelha-se a uma viagem, exótica, por vários ambientes e climas. É como se trata-se de uma montanha russa, mas feita com planador empurrado por uma suave brisa.

O auge do disco alcança-se com o fantástico "In Too Deep" de JMJ & Flytronix, um drum n' bass paradisíaco, e prolonga-se pelos temas consequentes, "Kauna" dos Aquasky, "Shaolin Sattelite" dos Thievery Corporation (a melhor versão deste tema cheia de ecos), "Keep On Believing" dos Beanfield, etc.

Não há verdadeiramente pontos baixos neste disco, cada faixa parece estar destinada a ser continuação da anterior. Os estilos variam entre o dub, bossanova, tribal,... mas têm como ponto em comum as atmosferas, profundas e relaxantes, a originalidade dos temas, o extremo bom gosto das remisturas e das próprios canções escolhidas, para além da autêntica genialidade das passagens numa espécie de puzzle que se encaixa na perfeição.

Os Kruder & Dorfmeister interromperam a sua carreira conjunta em finais dos anos 90 para voltarem recentemente. Os seus trabalhos de remistura erigiram as traves mestras do que viría a ser o movimento lounge chill-out, que alcançou o seu aguge na transição do século XX para o XXI com a ascenção de alguns grupos bem nossos conhecidos e da miríade de colectâneas dedicadas ao estilo, e que hoje continua a dar cartas junto dos apreciadores do estilo.

MASSIVE ATTACK: A história

2010-08-04T10:25:00.004+01:00

Os Massive Attck actuam no próximo dia 8 de Agosto no Festival Sudoeste, na Zambujeira do Mar.
Os Massive Attack formaram-se no início da década de 90 e tinham, como núcleo duro, os músicos "3D" (Robert Del Naja), "Daddy G" (Grant Marshall) e "Mushroom" (Adrian Vowles). Considerados fundadores do Trip-Hop, os Massive Attack estouraram com o seu primeiro álbum em 1991, Blue Lines para elogio considerável dos críticos e ouvintes afins, foi uma mistura de hip-hop, jazz e soul com batidas desaceleradas e densas que influenciou várias bandas.
O segundo álbum em 1994, Protection, caracterizou mais uso de instumentos de corda e uma adicional batida dub, além da participação da vocalista Tracey Thorn da banda Everything but the Girl. Horace Andy, o histórico falsete jamaicano, mantém a sua presença que se repetirá por todos os álbuns da banda. Tricky também marca presença no hino "Karmacoma".

O álbum seguinte dos Massive Attack, intitulado Mezzanine lançado em 1998, caracterizou-se por ter mais presente as guitarras na base das músicas. Del Naja declarou que este álbum estava mais a seu gosto. O líder da banda adquire também mais importância neste trabalho ao marcar presença vocal em músicas como "Inertia Creeps" e "Risingson". Explorando batidas de várias culturas e com uma maior diversidade de sons, o álbum conta também com a participação de Liz Frazer dos míticos Cocteau Twins nalguns temas, e especialmente naquele que viria a ser um dos mais conhecidos da banda: "Teardrop".
Nesta fase, a vida pessoal e o relacionamento entre os membros da banda eram conturbados. Desentendiam-se publicamente e Mushroom optou mesmo por deixar a banda.
Em 2003 a banda lança "100th Window" que aprofunda a vertente obscura do álbum anterior, ao mesmo tempo que aposta em sons e climas mais influenciados por alguma electrónica mais moderna e ambiental (Bjork, Lamb, etc.), Desta vez a voz que pontifica nalguns dos melhores temas do álbum é a de Sinead O'Connor. Na altura, a banda assume-se como das mais contestatárias contra a guerra do Iraque. Isso ficou bem expresso no excelente concerto que deram à época no Coliseu dos Recreios com uma admirável cenografia.
Após 15 anos de carreira é lançado "Collected" que reúne os maiores sucessos e músicas inéditas e raras. Destaques para as novas faixas "Live with Me" e "False Flags".
Depois de muitos adiamentos, a banda lançou recentemente o álbum "Heligoland", por ventura, o seu trabalho mais experimental e incompreendido até à data. Apesar disto, os seus espectáculos continuam a ser uma experiência única e admirável a todos os níveis.

Concerto: DEEP PURPLE NO COLISEU

2010-07-18T00:16:00.001+01:00

O Deep Purple passaram pelo nosso país no âmbito de uma disgressão dedicada aos seus maiores êxitos. Num Coliseu repleto de fãs de todas as idades, a banda mostrou com mestria, porque é fundamental para a história da música executando os seus hinos intemporais. E o Coliseu foi ao rubro.

FESTIVAL OPTIMUS ALIVE 2010

2010-07-12T18:06:00.007+01:00

O festival Optimus Alive 2010, realizado nos passados dias 8 a 10 de Julho foi um enorme sucesso comercial e musical. Tivemos enchentes nos três dias e grandes concertos para todos os gostos. No palco secundário tivemos as revelações Gossip, The XX, The Drums, Florence & The Machine, entre outros. No palco principal, a locura Pearl Jam e a sua aparente e supreendente despedida. Deftones arrasaram, Skunk Anansie regressaram em grande e os Manic Street Preachers tiveram o ansiado regresso a solo português.

No entanto, o nosso destaque vai para dois concertos monumentais do primeiro dia do festival. Os Alice In Chains apresentaram um concerto sonoramente perfeito, com os seus conhecidos coros impecavelmente ensaiados a embalarem a multidão para uma recepção entusiasta, onde nem os novos temas deixaram de cativar: E os Faith No More, ainda e sempre uma banda surpreendente (apesar de não terem trabalho novo para mostrar) com um super frontman a todos os níveis - voz, presença, entertainment - e aquela boa disposição aliada com qualidade que só esta banda sabe fazer.

Aqui ficam os alinhamentos e alguns vídeos para mais tarde recordar:

ALICE IN CHAINS: Rain When I Die, Them Bones, Dam That River, Again, It Ain't Like That, Check My Brain, Your Decision, No Excuses, Lesson Learned, Acid Bubble, We Die Young, Man in the Box, Would?, Rooster.

FAITH NO MORE: Midnight Cowboy (John Barry cover), From Out of Nowhere, Be Aggressive, The Real Thing, Evidence (Portuguese version), As The Worm Turns, Last Cup of Sorrow, Cuckoo for Caca, Easy (The Commodores cover), Midlife Crisis, The Gentle Art of Making Enemies, Ashes to Ashes, Ben (Jackson 5 cover), King for a Day, Epic, Just a Man. Encore: Chariots of Fire (Vangelis cover), Stripsearch, Surprise! You're Dead!. Encore 2: Caralho Voador.

A história dos FAITH NO MORE

2010-07-06T23:30:00.004+01:00

Os Faith No More são um dos maiores atractivos do Festival Optimus Alive 2010 a realizar em Algés de 8 a 10 de Julho. Aproveitamos aqui para contar um pouco da história de uma das bandas mais revolucionárias e criativas de sempre:
O grupo surgiu em 1982 quando Roddy Bottum (teclas), Mike Bordin (bateria) e Billy Gould (viola-baixo), que já tocavam juntos, recrutaram Jim Martin para a guitarra. O nome vem de um trocadilho com a sua antiga banda (Faith The Man), no entanto muitos fãs interpretam o nome como uma espécie de lema da agnóstica geração x.
Diversos músicos ocuparam a vaga de vocalista nesta fase - de entre eles Courtney Love - até ficar Chuck Mosley, que participaria nos dois primeiros discos da banda: We Care a Lot, de 1985, e Introduce Yourself, de 1987. Mosley foi demitido em 1988 oficialmente por ser alcoólico e ter causado problemas nalguns concertos da banda. Mike Patton, que em pouco tempo se tornaria o líder e a figura mais emblemática do grupo, entrou nos Faith No More poucas semanas antes das gravações do disco "The Real Thing" por indicação de Jim Martin, que havia ouvido uma demo da banda de Patton, os Mr. Bungle.

O álbum "The Real Thing", lançado em 1989, é um verdadeiro divisor de águas na carreira do grupo, com canções mais bem resolvidas e com o carisma de Mike Patton a contribuir para transformar os Faith No More num grande sucesso comercial. A canção grandemente responsável pela transição foi "Epic" que, com seu arranjo grandioso que faz jus ao título, vocalização rap e refrão orelhudo, chegou ao 9º lugar no top de singles da Billboard e um vídeo clip exibido à exaustão na MTV. Com mais dois singles de sucesso, "Falling to Pieces" e "From Out Of Nowhere", o disco The Real Thing chega ao 11º lugar na top atingindo um milhão de cópias vendidas nos Estados Unidos. Internacionalmente, o sucesso da banda foi ainda maior, exponenciado pelo álbum ao vivo "Live At Brixton Academy".
Sob grande expectativa, o novo álbum, "Angel Dust", foi lançado em 1992 e apontava para outras direções. O trabalho era um caldeirão de especiarias -um cruzamento de múltiplos estilos, sons e estados de espírito - que acabava por soar, apesar de tudo, muito coeso pelo espírito de aventura e arrojo que transmitia. Mike Patton participou no processo criativo do disco e pôde exercitar todo o seu experimentalismo e gosto pelo bizarro. Musicalmente, a banda mostrava evolução, incorporando elementos eletrónicos e sons de sintetizador mais diversificados, proporcionando uma atmosfera cinematográfica a algumas canções. O álbum deu início a uma nova corrente que acabaria por influenciar grande parte do espectro musical: o crossover, o romper das fronteiras entre os estilos musicais - do rock com a dança, do metal com o hip hop, etc. O lugar privilegiado dos Faith No More nos tops era garantido pelos singles "Midlife Crisis" e "A Small Victory". O terceiro single de "Angel Dust" foi para uma canção que inicialmente não estava no álbum: "Easy", cover dos Commodores, que se tornou noutro grande sucesso.
"Angel Dust" rendeu mais uma tourneé gigantesca pelo mundo de cerca de dois anos, onde o grupo, além de se promover em concertos próprios, actuou em festivais e nas 1ªs partes de Metallica e de Guns N' Roses. Ao invés de encarar o compromisso como oportunidade de atrair novos públicos, os Faith No More eram eles próprios, provocando a audiência com sessões de garrafada, insultos e piadas sarcásticas. O público mais superficial não entendia a postura contra-cultura do grupo, mas acabou por ser esta a fazer crescer um verdadeiro culto à volta dos Faith No More.
Com a saída de Jim Martin, logo após a tour, os Faith No More contrataram Trey Spruance, colega de Patton nos Mr. Bungle, para gravar o novo álbum. Posteriormente, os Faith No More convocam o então roadie Dean Menta para fazer o trabalho da guitarra na tour.
"King for a Day… Fool for a Lifetime" foi um novo passo para a banda, como não poderia deixar de ser. O álbum apostava num som mais crú e mais pesado, incluindo agora menos electrónica. As canções acabavam por soar mais concisas e directas, continuando a revelar, apesar disso, um alto nível de inspiração e o cocktail de estilos característico. Temas como "Ricochet", "Evidence", "King For A Day", "Just A Man" são tornaram-se clássicos dos FNM enquanto que outros mais pesados, como "The Gentle Art Of Making Enemies", dedicada a Jim Martin, e "Digging The Grave" revelam também uma enorme qualidade. A este lançamento é atribuído o título de precursor do género nu metal, dado que as bandas deste estilo citam-no várias vezes como grande influência no método de composição e delineação sonora.
Entretanto, os trabalhos paralelos dos integrantes dos Faith No More cresciam. Patton entrou de cabeça en projectos avant-garde, o baterista Mike Bordin tocou com Ozzy Osbourne e Roddy Bottum estreou o seu projecto, Imperial Teen. Os rumores sobre um possível fim da banda tomavam proporções maiores e coube ao baixista Billy Gould segurar a bandeira do quarteto. Partiu dele a iniciativa de convidar o amigo John Hudson, da banda System Collapse, para assumir as guitarras no novo disco a ser gravado.

Em pleno auge da onda da música eletrónica, foi escolhido o produtor Roli Mosimann, para produzir "Album Of The Year". Essa influência eletrónica viria a marcar algumas faixas do álbum, como o magnífico "Stripsearch", bem como gerar uma gama de remixes lançados como lados-b. Notava-se também uma preocupação em alcançar a sonoridade onde os teclados tivessem um papel importante novamente, como no espectacular "Last Cup Of Sorrow". O legado mais metal apareceu em faixas como "Collision" e "Got That Feeling". Em geral, o álbum apura a arte em fazer boas composições, condensando os excessos de Mick Patton e focalizando agora a diversidade estilística na arte de fazer grande canções, como "Helpless", "Pristina", etc. Tudo isto mantendo o estilo inconfundível dos FNM (não sendo necessario chocar para isso acontecer). Em suma, mais um clássico.
Os últimos meses da primeira vida dos Faith No More caracterizaram-se por grandes elogios às suas actuações ao vivo onde mezclavam canções novas com material antigo e continuando a arrecadar uma leva impressionante de fãs.
Mas os diferentes carácteres criativos dos seus membros vieram ao de cima, tomando proporções insuperáveis, e foi anunciado, perante a surpresa geral, o encerramento de actividades da banda, tão somente 2 semanas depois dos seu últimos concertos ... no Porto e em Lisboa (!!) curiosamente.
11 anos depois, em Maio do ano passado, os FNM retomaram actividades estando em tourneé quase initerrupta desde aí, com concertos lotados um pouco por todo o Mundo, passando por pequenas salas até festivais, estádios e outros locais de grandes dimensões.
O legado desta banda é indiscutível, tendo influenciado dezenas de artistas da atualidade, não sendo raro encontrar músicos que referenciam os álbuns do FNM como dos melhores da década de 90. Acima disso, há também o espírito da canção desafiadora, do não-conformismo com o sucesso fácil que os Faith No More viveram na pele e fazem questão de trazer para os terrenos mainstream.

Concerto/review: CHAMELEONSVOX AO VIVO EM LISBOA

2010-07-05T14:55:00.003+01:00

E os The Chamelons (os Chameleons Vox para ser mais exacto) arrasaram no concerto que deram em Lisboa, 27 anos depois do único concerto que a banda original deu no nosso país. O Santiago Alquimista foi pequeno para a multidão de fãs - alguns em estado "fanático" mesmo - que encheram o recinto. Um concerto espectacular dedicado à música de uma banda única. Público e banda em simbiose perfeita, músicas inspiradíssimas daquelas que têm o condão de nos fazer levitar. Só num concerto destes é que uma fã sobe ao palco para passar uma chamada de telemóvel ao vocalista ou "cigarrinhos para rir", como aconteceu noutra ocasião. «I like this place» respondeu o vocalista em inevitável boa disposição. Sim, porque apesar das músicas terem uma base soturna e intimista, em concerto a sua beleza transmite uma sensação de bem estar e energia que , neste contexto de reencontro inesperado, torna tudo mais emocionante.

Um concerto épico, histórico e... sobrenatural!

Eis o alinhamento, a roçar a perfeição embora com bastantes ausências, claro, que não dava para tudo: 1. Perfume Garden, 2. Pleasure and Pain, 3. Monkeyland, 4. Mad Jack, 5. Less Than Human, 6. Soul In Isolation, 7. Nostalgia, 8. Seriocity, 9. In Answer, 10. Singing Rule Brittania, 11. Second Skin. 1º Encore: 1. In Shreds, 2. Up the Down Escalator. 2º Encore: 1. Swamp Thing, 2. Tears, 3. Don´t Fall.

Os melhores álbuns de sempre: THE CHAMELEONS - «SCRIPT OF THE BRIDGE» (1983)

2010-06-18T08:40:00.002+01:00

O Chamelons vão actuar no próximo dia 3 de Julho em Lisboa, no Santiago Alquimista.

Uma das bandas mais injustiçadas da história da música dá pelo nome de THE CHAMELEONS, um grupo britânico que existiu entre 1981 e 1987, se exceptuarmos algumas breves tourneés de regresso mais recentes. A sua influência chegou a bandas como U2, Sisters Of Mercy, Paradise Lost, Heroes del Silencio, os mais recentes Coldplay, entre muitas outras bandas por esse Mundo fora, tendo servido de inspiração a álbuns tão essenciais como, por exemplo, "Love", dos The Cult, ou "The Unforgettable Fire", do quarteto irlandês. Pode-se dizer que os THE CHAMELEONS foram, no que à música estritamente diz respeito, uns dos principais inventores do que mais tarde se viria a chamar rock gótico. É certo que no limiar dos anos 80 houve uma grande vaga de bandas que se caracterizavam pela obscuridade das melodias e as letras romântico-existenciais, mas foram os THE CHAMELEONS a explorar a fundo, e com inegável talento, o efeito do eco nas guitarras, proporcionado pelas tecnologias que eram novidade na altura - nomeadamente a utilização dos pedais "reverb" e "delay".

Apesar de só terem produzido 3 álbuns no seu primeiro e criativo período de vida, estes são todos de uma qualidade excepcional, nomeadamente os dois primeiros. Se o segundo trabalho, "What Does Anything Means Basically", constitui uma obra a roçar a genialidade pela sua diversidade e pelos caminhos novos que aponta, é no primeiro álbum, "Script Of The Brige", que o som inconfundível dos THE CHAMELEONS soa mais conciso e personalizdo. O tom é nocturno e misterioso, as guitarrras tecem malhas complexas, a voz conta fábulas fantásticas num clima íntimo e aconchegante. Temas como "Second Skin", "Pleasure And Pain", "View From A Hill", "Monkeyland", "Thursday's Child", são de uma beleza estonteante, contrabalançada pelos mais enérgicos "Don't Fall", "Up The Down Escalator" e "Paper Tigers". As guitarras, e a sua densidade eléctrica e épica, estão sempre presentes, mas isto não significa imediatismo nem excesso porque as melodias e a conjugação dos instrumentos possuem sempre um forte cunho ambiental, de profundidade e de criação de paisagens sonoras. Um segredo que se vai desvendando aos poucos, à medida que nos adentramos na floresta mágica destas aguarelas - soturnas, é certo, mas imensamente maravilhosas.

O low profile mediático da THE CHAMELEONS foi decisivo para que nunca tivessem alcançado grande fama, mas se nos resumimos à música propriamente dita, este trabalho é uma obra prima e, sem dúvida, merecedor de um reconhecimento ao nível dos melhores.

Os melhores álbuns de sempre: ALICE IN CHAINS - «DIRT» (1992)

2010-06-08T14:19:00.002+01:00

Os Alice In Chains vão actuar no próximo dia 8 de Julho no festival Optimus Alive.

Esqueçam as letras deste disco, esqueçam os esterótipos estilísticos atribuídos a esta banda, esqueçam a história de vida deste vocalista. Concentrem-se na música, nas canções, na originalidade e inspiração deste álbum que, apesar da condições em que foi feito é capaz de de ser dos melhores álbuns rock de todos os tempos, para além, claro, dos gostos subjectivos de cada um.

Uma coisa é um dado adquirido às primeiras audições: estamos perante um dos melhores vocalistas de sempre da música moderna. A voz, assim como a criação das melodias vocais e, ao mesmo tempo, a forma como foi gravada, em várias pistas e em camadas sucessivas, dão um som único a este disco, passando as cordas vocais a ser um autêntico instrumento - como um sintetizador por exemplo - tal a sua musicalidade e a diversidade das suas nuances. Juntamente com as vocalizações de Layne Staley, soma-se a guitarra de Jerry Cantrell, um mago da guitarras que prepara poções mágicas feitas de distorção e efeitos wha-wha.

Os temas são autênticas obras primas em que a muralha de som das várias pistas de guitarra se enreda com a voz e com os ritmos arrastados, criando uma sensação inebriante e, ao mesmo tempo, reconfortante. Numa palavra: psicadelismo. Numa vertente hard, é certo, mas isto é música para libertar os sentidos e soltar a mente por viagens intermináveis a territórios desconhecidos. O álbum acaba por ser paradoxal em vários aspectos: apesar das letras serem bastante depressivas, existem momentos extemamente belos e a construção sonora de paisagens verdadeiramente idílicas; por outro lado, apesar dos Alice In Chains estarem conotados com o estilo rock/grunge e a produção acentuar esse aspecto pesado e massivo, este trabalho acaba por ser, na prática, extremamente calmo e relaxante. Às primeiras audições pode até parecer bastante lento comparado com a maior parte dos grupos do espectro hard'n'heavy.

Os estereótipos rock'n'roll life style percorrem o disco, as referências a Hendrix, Sabbath e até Pink Floyd. As substâncias ilícitas (leves ou menos leves) fizeram parte do processo de composição, esse aspecto é bastante nítido ao ouvir. No entanto, a grande magia do disco está no facto de, sem nos aperebermos, à medida que as audições aumentam mais reconhecemos a força destes temas: desde os mais acessíveis - Would?, Them Bones - até aos hinos - Rooster (que conta a história de um soldado no Vietname), Junkhead - passando pelas composições únicas à la Alice In Chains como, Down In A Hole (o tal "calmo-pesado"), Rain When I Die (um autêntico caldeirão de especiarias sonoras), Dirt, ... enfim uma imensa paleta com várias tonalidades.
As influências que este álbum deixou são imensas, tanto em novos agrupamentos, como Three Doors Down, Nickelback, Sevendust, etc. como até inspirou alguns trabalhos mais recentes de consagrados, como os Metallica e até o próprio Ozzy Osbourne.
Para a memória do público português, fica aquele concerto intenso no Superock de 2006, num dia abafado e sob um forte aroma "marroquino". E como diz o tema: "I like to fly...."

Os melhores álbuns de sempre: METALLICA - "MASTER OF PUPPETS"

2010-05-12T15:26:00.002+01:00

Os Metallica actuam nos próximos dias 18 e 19 de Maio no Pavilhão Atlântico, no chamado palco "arena" situado no centro do recinto. A esse propósito, recordamos aqui um dos "Melhores Albuns de Sempre".

Acaba por ser injusto colocar um disco de Metallica nesta rubrica de "Os melhores álbuns de sempre", tal a genialidade que percorre grande parte da carreira deste grupo. Aqui poderiam caber também qualquer um dos outros dois trabalhos que compõem a "trilogia de ouro" do grupo - o thrash orquestral "Ride The Lightning" e o intrincado e frio "...And Justice For All", ou mesmo o seminal "Kill 'Em All", ou o famoso "black album", que trouxe o thrash para o mainstream mantendo a personalidade da banda.
Optou-se pelo álbum que os especialistas definem como o mais influente, aquele em que o som característico do grupo alcançou a sua depuração. O álbum abre com o magnífico "Battery": tons acústicos e épicos introduzem uma descarga de velocidade e peso. O tema título, por seu lado, é um must nos concertos da banda, momento em que o público grita a palavra "master!", como se estivessem a alcunhar a própria banda. Nunca se soube bem o que a letra significa, na medida que neste disco as mensagens são mais metafóricas e dadas à interpretação individual. Os fãs dividem-se entre aqueles que acham que se refere à guerra e aos líderes e os que acham que o título é uma imagem para a droga e os seus viciados.
"The Thing That Should No Be", o tema mais estranho do álbum, alinha pelo mesmo diapasão no que toca à letra. "Welcome Home (Sanitarium)" já não oferece dúvidas: Hetfield narra o ponto de vista de um suposto louco que questiona a sanidade da sociedade. A música é das mais belas de Metallica, com um início calmo e derivando depois para um final enérgico com um as duas guitarras a solarem em harmonia.
"Disposable Heroes" fala da guerrra e do serviço militar. É um tema espectacular, agressivo e dramático ao mesmo tempo. Aquele tipo de canção que põe a um canto qualquer outra da fase mais desinspirada da banda. "Leper Messiah" mais arrastada, é mais complexa, e já lançava pistas sobre o trabalho que se lhe seguiria. Destaque-se o excelente solo de Hammet, como em todas as músicas aliás.
O instrumental "Orion" é talvez o tema mais genial de todo disco, nas suas passagens, nos ambientes que cria e na grandiosidade que transmite ao ouvinte. "Damage Inc." é um tema típico thrash numa linha mais comparável a outros conterrâneos da banda.
A vertente épica da banda é com este disco exacerbada e, ao mesmo tempo, confirma o seu extremo talento para compor grandes canções, num estilo pesado mas sempre com a melodia e a harmonia presentes. Enfim, uns autênticos ... masters.

Os melhores álbuns de sempre: CLAN OF XYMOX - "CLAN OF XYMOX" (1985) / "MEDUSA" (1987)

2010-04-29T18:27:00.006+01:00

Estávamos em meados dos anos 80 e a editora, 4AD, uma das precursora do estilo "vanguarda" ou "gótico", assinou contrato com uma desconhecida banda holandesa: os Clan Of Xymox. O single "A Day", dispara na lista de vendas de singles tornando-se um dos clássicos do underground dos anos 80 e os dois primeiros álbuns da banda são muito bem recebidos por crítica ombreando com os nomes maiores do estilo.

Criadores de paisagens imensas e idílicas, os discos apostam em sons orquestrais e de grande riqueza sonora, sustentados por uma caixa de ritmos que casa bem com a voz melancólica - Curtis style - e o baixo a comandar a melodia.

O primeiro álbum "Clan Of Xymox" é mais diversificado, contendo temas que resumem uma certa corrente da década de oitenta que explora novos sons de sintetizador mais soturnos. "A Day" é uma descarga rítmica de sintetizador com um riff de guitarra em efeito delay. O início de "Stranger" parece uma convocação dos deuses em tons épicos e assustadores. "No Words" é pop despretensioso, enquanto que "Stumble And Fall", "No Human Can Drown" e "Equal Ways" são magníficas peças atmosféricas.

Já o segundo disco, "Medusa", é mais coerente, alternando temas instrumentais ambientais com outros de batida intensa que, apesar disso, não afecta a suavidade e calma que percorre todo o álbum. Uma marca preponderante deste segundo trabalho é o efeito da guitarra, à beira da desafinação, que dá um ar enigmático e misterioso à música. "Louise" é um dos hinos que ficou para a história da banda, "Michelle" e "Agonized By Love" são também únicas neste estilo melancólico dançável e, ao mesmo tempo, profundo e grandioso. O clímax do álbum é alcançado, no entanto, na parte final, com o tríptico "Masquerade" - uma melodia levemente oriental cantada pela baixista - "After de Call" - que sugere uma maravilhosa viagem subaquática - e "Back Door" - com sons épicos e solenes a acompanhar uma vincada batida. Podíamos ainda incluir aqui o tema "Moscoviet Mosquito", editado num disco de vários artistas mas recuperado no "Best Of " da banda, que foi gravado na mesma altura deste "Medusa".

Os Clan Of Xymox passaram por diversas mutações até estabilizaram, no final dos anos 90, num estilo gótico/dance bastante enérgico que lhes garante uma pronta horda de fãs. No entanto, as suas maiores obras primas acabam por ser estes seus dois primeiros álbuns que, numa frase, são uma espécie de banda sonora ideal para apreciar as coisas belas da vida.

Nota: Os Clan of Xymox actuam no próximo dia 1 de Maio do Cine-teatro de Corroios.

Os melhores álbuns de sempre: MÃO MORTA - "MUTANTES S.21"

2010-04-28T23:03:00.003+01:00

Depois da sua estreia em 1988 com o inovador álbum homónimo, os Mão Morta criaram um estilo único no Mundo, que aliou guitarras estridentes, climas obscuros e um poeta - o inenarrável Adolfo Luxúria Canibal - que declamava ou berrava palavras de opressão urbana ou de histórias macabras. Nos álbuns subsequentes, o maior lirismo, por um lado, bem como a aproximação ao rock mais pesado e a uma melhoria técnica, por outro, prepararam o caminho para a obra prima da banda.

«Mutantes S.21» é um roteiro turístico por histórias do lado escondido de 9 cidades. Logo a começar, "Lisboa" é, ainda hoje, um dos hinos do grupo. Um delírio heavy decorado a estupefaciantes. Ficou para a história a frase «...táxi! Casal Ventoso, se faz favor». "Amesterdão" é o tema que simboliza a fase adulta em que a banda entra com este álbum, muito bem composta, com o Adolfo a recitar um passeio atribulado pela cidade. "Budapeste" é talvez o tema mais conhecido mas que o grupo, precisamente por isso, mais tem renegado, evitando tocá-lo ao vivo numa espécie de declaração de independência (em relação à indústria da música).

O álbum inclui ainda outros temas como "Barcelona", também muito pedida nas suas actuações, a levemente árabe "Marraquexe", entre outras. A genialidade volta a vir ao de cima em "Istambul", onde o exotismo e o calor da cidade se sente em cada nota do tema, e no instrumental "Shambalah", uma magnífica peça electrónica que já chegou a servir de introdução aos seus concertos.

Para além deste disco, os Mão Morta já fizeram muito boas coisas, mais acessíveis ou mais alternativas, mas este álbum marcou sem dúvida a entrada definitiva da banda na galeria dos clássicos da música portuguesa.
Nota: os Mão Morta acabam de ditar novo álbum, "Pesadelo em Peluche", e vão actuar no próximo dia 29 de Abril no Coliseu de Lisboa.

Discos: MNEMIC - "SONS OF THE SYSTEM"

2010-04-14T23:11:00.006+01:00

Numa altura em que o metal é objecto de grande devoção, existem certos melómanos que criticam este estilo pela falta sua de originalidade o que, em bastantes casos, acaba por ser justificado - para alguns a repetição e o auto-plágio é mesmo motivo de elogio. No entanto, não é isso que acontece com algumas bandas em que a procura do novo e a exploração de novos territórios é a sua imagem de marca, não deixando de continuar dentro dos parâmetros do som hard'n'heavy. É o caso dos dinamarqueses Mnemic.

Recentemente elogiados pelos grandes Metallica, os Mnemic têm ascendido paulatinamente no seu estatuto de banda metaleira de personalidade muito vincada. Praticando um groove metal industrial, o grupo tem evoluido de álbum para álbum tendo conquistado cada vez mais ouvintes.

Com o recentemente lançado "Sons OF The System" os Mnemic sobem mais um degrau em qualidade e talento. Os temas estão ainda mais bem compostos, com a sua peculiar contrução baseada na surpresa e no repentismo; o talento continúa, misturando riffs potentíssimos com refrões transcedentais e os ritmos altamente criativos; e as vocalizações - que voz! - bombásticas, quer na parte limpa e melódica quer nas partes agressivas. Outra curiosidade neste álbum são os samples e sons electrónicos, que dão a esta banda aquela estética futurista e tecnológica, e que aqui surgem inseridos "a dedo" em certas partes para contribuir ainda mais para o valente "kick in the ass" que este álbum representa. Não esquecer as letras, filosóficas e de intervenção, em óptima sintonia com o resto.

Temas em destaque: o tema título, o fantástico mid tempo de "March Of The Tripods" - épico! - e os brutais "Diesel Uterus", "Hero (in)" e "Dreamjunkie", autênticos clássicos para a história do metal.

Um dos álbuns do ano, um dos mais originais dentro do estilo e uma banda para pedir aos santos para passar por cá!

Os melhores álbuns de sempre: SEPULTURA - "LIVE IN MILANO 1993" (Bootleg)

2010-04-06T17:01:00.005+01:00

Agora que se aproxima uma passagem dos Sepultura no nosso país, recordamos aqui um dos álbuns da esta mítica banda de origem brasileira e que, ao contrário de outros nesta rubrica "Os Melhores Álbuns de Sempre", é um registo não oficial, ou seja, pirata. Este registo audio tem sido editado com vários nomes mas a gravação é a obtida no concerto que a banda efectuou em Milão em Novembro de 1993, numa tourneé que também passou por Portugal (Dramático de Cascais) com um alinhamentro igual ou semelhante.

Um dos motivos desta escolha prende-se com o fato desta gravação ter sido efectuada no auge criativo desta banda (e início da fase de sucesso mais massivo). Os Sepultura tinham espremido a sua veia thrash com o mítico "Arise", povoado de inúmeras composições épicas, mudanças de ritmo, e um ambiente denso que dava profundidade e "arte" a um género usualmente caacterizado unicamente pela rapidez e energia. Na altura deste concerto, a banda tinha acabado de editar aquele álbum que representaria a sua maior mudança sonora, e mesmo estilística, e que é considerado por muitos como o melhor álbum dos Sepultura: "Chaos A.D.". Este facto faz com que o alinhamentos do concerto esteja repleto de temas daqueles dois álbuns, para além de outros clássicos anteriores.

Em segundo lugar, esta gravação caracteriza-se por uma produção longe das normas técnicas e da sofisticação que um disco oficial exigiria. No entanto, um pouco incrivelmente, o som dos Sepultura acaba por ganhar neste álbum um novos contornos até aqui insuspeitos, com um equilíbrio de volumes diferente dos discos de estúdio, as guitarras a rugirem, a bateria com a tarola a soar mais integrada com o resto dos seus instrumentos e o vocalista Max Cavalera com um registo e uma colocação de voz como nunca o ouvimos desde então para cá, algures entre o agressivo e o gutural, dando um clima grandioso a todas as canções. E assim, este disco acaba por soar poderosíssimo, a um nível inigualável na discografia da banda.

Aqui podemos encontrar aquelas que poderão ser consideradas as melhores versões dos hinos de Sepultura - "Refuse/Resist", "Territory", "Inner Self", "Troops Of Doom"... -, magníficas composições que ganham uma nova cara para melhor - "Clenched Fist", "Alterded State", "Dead Embryonic Cells", "Murder",... e outras curiosidades como a versão de Ratos de Porão (Crucificados pelo Sistema), a nova versão de "Anti Christ" (rebaptizada de "Anti-Cop") ou a velocidade inacreditável do baterista Igor em canções como "Beneth The Remains" ou "Escape To The Void".
Um álbum essencial para convertidos ou iniciados, onde o som do metal e do power chord surge no seu melhor: a cru.

Discos: DEVIN TOWNSEND - "ADDICTED"

2010-03-15T16:35:00.013Z

À semelhança de outros casos na história da música, existe actualmente um músico de grande talento e genialidade que tem sido injustamente pouco reconhecido ao longo dos pouco mais de 10 anos da sua carreira: trata-se do canadiano Devin Townsend. Existem vários motivos, um é o facto do compromisso do músico com o metal mais poderoso a nível sonoro, um estilo tão apreciado por alguns quanto incompreendido por muitos, e que está para além do hard rock mais soft de outros correlegionários mais famosos como Vai ou Satriani. Outro factor poderá ser o humor particular de Devin Townsend que, apesar de original e intimamente ligado às suas composições, não deixa de ser olhado com desconfiança por alguns dos fãs de metal.
No entanto, o traço mais notável deste músico, tanto a solo como com a sua banda, os Strapping Young Lad, é o facto da sua música se caracterizar por uma extrema e frutuosa diversidade: desde metal a rock sinfónico e progressivo, até às sonoridades mais ambient/new age, sem esquecer os polvilhados de industrial, music hall e até de ópera-rock, cada trabalho é uma caixa de surpresas, mesmo mantendo a sua coerência e coesão.
Pois bem, com o recentemente editado "Addicted", Devin Townsend pode vir a alcançar públicos até aqui insuspeitos pois aposta em temas mais curtos, simples e directos, mais acessíveis sem prejudicar o talento da composição, contando com uma produção menos agressiva e ainda com a cereja em cima do bolo que é a fantástica participação da vocalista Anneke van Giersbergen (ex-Gathering, Aqua de Annique). Efectivamente, e ao contrário do que se poderia pensar, a voz da bela holandesa, que canta em boa parte das canções, assenta que nem uma luva nas composições de Townsend e vai ao encontro do rock de cariz enérgico e positivo que o músico pretendia para este trabalho. Canções como "Addicted", "Bend It Like Bender", "Hyperdrive", "Resolve", "Numbered", entre outras, são de uma positividade e modernidade que contrariam a ideia feita de que o metal é negativo ou barulhento. "In Ah" está na linha da melhor tradição de duetos de voz feminina/masculina, enquanto que a vertente sinfónica e orquestral é aflorada em temas como "Supercrush" e "Awake".
Numa época em que bastantes bandas e compositores se encontram em becos sem saída, Devin Townsend continúa em estado de talento crescente, desbravando novos caminhos para seu som cuja génese é, no fundo, música com "M" grande e no sentido mais lato do termo.

Os melhores álbuns de sempre: MARILLION - "MISPLACED CHILDHOOD"

2010-03-01T00:00:00.000Z

Por Jorge Blanch

Encontramo-nos em 1985, Misplaced Childhood é o álbum que catapulta os Marillion para o estrelato. Depois de dois bem sucedidos álbuns iniciais, Script for a Jester’s Tear e Fugazi, a banda britânica decide fazer um álbum conceptual, muito em voga nos anos 70.
Como álbum conceptual é assim constituído por vários “momentos”, e não por várias canções, para ser mais rigoroso. Assim sendo, é um álbum que faz jus, por inteiro, á sua audição ininterrupta desde o primeiro ao último tema.
Misplaced Childhood tem a particularidade de constituir uma verdadeira banda sonora para a narrativa do vocalista e letrista escocês Fish.

Fish decidiu fazer com este álbum uma retrospectiva do seu passado e reflectir nas letras uma mensagem de esperança, encarnando uma figura de uma criança, ingénua, pura e apaixonada, contrastante com o sentimento de desilusão e perda bem patentes nos dois anteriores álbuns de originais.

Mais uma vez, essa vertente lírica é extraordinariamente retratada na capa do disco pelo desenhador Mark Wilkinson.

É, no entanto, na simbiose perfeita do conceito narrativo e correspondente interpretação vocal, em simultâneo com o virtuosismo dos quatro músicos, Steve Rothery (soberbo guitarrista, no desfile de ambiências e solos singulares), o teclista Mark Kelly, o viola baixo Pete Trewavas e o baterista Ian Mosley, que este álbum surpreende.

Além disso, a banda demonstra com este 3º álbum uma maior maturidade e originalidade.

Em álbuns conceptuais nem sempre o resultado é bem conseguido, no entanto, com Misplaced Childhood isso é amplamente conseguido, passando pelo pop melódico dos êxitos Lavender ou Kayleigh, a sons mais hard rock, a sons sombrios e enigmáticos como Bitter Suite e Blind Curve, ou no melhor rock sinfónico com Heart of Lothian, ou Childhood’s End.

A gravação do disco foi efectuada em Berlim, e não o foi por acaso. A escolha foi feita pela banda em conjunto com o produtor Chris Kimsey, o ambiente boémio da cidade era um dos ingredientes que contribuiriam para criam o som e a ambiência que a banda pretendia.

A aclamação do álbum, editado em Junho de 85, depois de um inesquecível concerto no Restelo no mês de Maio, foi geral.

Não só, pelo já muito abrangente número de fans, mas pela crítica em geral (pelo menos a crítica objectiva e não preconceituosa…).

A popularidade da banda atingida foi de tal ordem que atingiria com este disco o nº 1 em diversos tops europeus e sul-americanos.

Há discos eternos, e este é um deles…

…25 anos depois podem passar modas, tendências, mas este disco soa sempre actual.

Imprescindível em qualquer discografia.

Perdidos no tempo: DEAD CAN DANCE

2010-02-20T11:59:00.002Z

Agora que se anuncia a actuação de um dos elementos principais dos Dead Can Dance em Portugal, olhemos então para a carreira de uma banda única que iniciou um estilo único inconfundível e ...especial.

Os Dead Can Dance formaram-se em Melbourne, na Austrália, em 1981, mas pouco tempo depois mudam-se para Londres. Nesta cidade, o grupo assina um contrato com a 4AD, uma editora dedicada à música alternativa. O sucesso da banda, logo os consagra como uma das mais importantes desta editora.

O género musical da banda caracteriza-se por um conjunto de estilos, destacando-se o darkwave, com fusão de world music, música medieval e da Renascença europeia.

Em 1984, lançam o primeiro álbum, Dead Can Dance e, no mesmo ano, trabalham conjuntamente com os This Mortal Coil, no álbum "It'll End In Tears". No ano seguinte lançam o surpreendente segundo álbum "Spleen and Ideal", que atinge o #2 na tabela independente do Reino Unido."Within The Realm Of a Dying Sun" de 1986 é lançado e revela-s um dos clássicos da banda.
O quarto álbum, The Serpent's Egg, é editado em 1988 e torna-se o álbum da banda mais bem sucedido a nível de popularidade. Ao mesmo tempo, escrevem a banda sonora do filme El Nino de la Luna, de Agustin Villarongas, onde Lisa faz a sua estreia como actriz.
Em 1990, lançam Aion, e fazem a sua primeira turnê nos EUA. O álbum de 1993, Into the Labyrinth, é o primeiro álbum da banda a ser editado nos EUA, tornando-se um sucesso, também, na Europa. Na sequência, o grupo realiza nova turnê pelos EUA e Europa, gravando-a em Toward the Within, de 1994. Paralelamente, Lisa Gerrard grava o seu primeiro álbum a solo em 1995, The Mirror Pool.
Com o passar dos anos Lisa Gerrard mudou-se para a Austrália, a sua terra natal, e Brendan Perry para a Irlanda. Apesar da distância continuavam a trabalhar em conjunto até à separação da banda em 1998.
Os Dead Can Dance separam-se então em 1998, sendo que ainda hoje não se sabe quais as verdadeiras razões que levaram a este fim. Contudo tanto a Lisa Gerrard como o Brendan Perry continuam a produzir musica a solo tendo já editado vários álbuns a solo e inúmeras participações em bandas sonoras de diversos filmes.
O grupo voltou a reunir-se temporariamente em 2005 para uma tour pela Europa e América do Norte como forma de tributo aos fãs.

Os melhores álbuns de sempre: SÉTIMA LEGIÃO - "A UM DEUS DESCONHECIDO" (1984)

2010-01-28T23:05:00.000Z

Agora que uma onda de revivalismo pretende colocar de novo na vanguarda da música o som popularizado pelos Joy Division, aliado ao fime "Control" dedicado à figura carismática do seu vocalista e ao documentário em cena nos cinemas, eis que vale a pena determo-nos sobre o álbum de uma banda portuguesa que, talvez, melhor reencarna o espírito daquele grupo. Falamos de "A Um Deus Desconhecido" o primeiro álbum dos Sétima Legião, para muitos um dos melhores álbuns de sempre da música portuguesa.

Este disco consegue fundir as atmosferas frias e de uma profunda tristeza e nostalgia com sons da música popular, nomeadamente a música de cariz celta do norte de Portugal. O resultado é simplesmente assombroso: aquilo que na banda "modelo" britânica é um sentimento de isolamento e claustrofobia fruto da vivência de uma grande metrópole com parca qualidade de vida, no disco dos Sétima é transformado numa angústia mas dos grandes espaços, do isolamento fisicamente real, intimamente ligado à natureza e às paisagens campestres.

A produção que dá espaço ao silêncio está lá, mas não é o silêncio do interior de uma casa ou de um cubículo, mas de um local ermo e solitário. As letras parecem ser pequenos contos de tradição lusitana o que contribui para a miscelânia característica do disco, original mas extremamente coerente. Para a história ficam temas como "Aguarela", "O Canto E O Gelo" e o espantoso "Mar de Outubro" (não confundir com o álbum com o mesmo nome). Para quem conhece a discografia do grupo, este trabalho é um caso à parte na carreira dos Sétima.

Foi neste disco que músicos como Rodrigo Leão, Ricardo Camacho (também produtor de várias bandas) e o vocalista Pedro Oliveira (aqui num registo propositadamente "Curtis") se iniciaram nas lides musicais, a comprovar que "A Um Deus Desconhecido" não foi obra do acaso mas sim o primeiro vislumbre de talentos que viriam mais tarde a confirmarem-se de várias maneiras.

OS MELHORES DE 2009 - Comenta e dá o teu voto

2010-01-03T00:11:00.002Z

CDs Rock Metal
Lamb Of God - "Wrath"
Mastodon - "Crack The Skye"
Alice In Chains - "Black Gives Way To Blue"
Divine Heresy - "Bringer Of Plagues"
Baroness - "Blue Record"
Rammstein - "Liebe Ist Fur Alle Da"
Megadeth - "Endgame"
Paradise Lost - "Faith Divide Us, Death Unite Us"
Katatonia - "Night Is The New Day"
Them Crooked Vultures - "Them Crooked Vultures"

CDs Pop Rock Alternativo
The XX- "XX"
Grizzly Bear - "Veckatimest"
Franz Ferdinand - "Tonight"
Artic Monkeys - "Humbug"
Legendary Tiger Man - "Femina"
Animal Collective - "Merrieweather Post Pavillion"
Davendra Banhart – “What Will We Be”;
Editors - "In This Light And On This Evening"
David Fonseca - "Between Waves"
U2 - "No Line On The Horizon"

Concertos
FAITH NO MORE - Festival Sudoeste, Zambujeira do Mar
FESTIVAL OPTIMUS ALIVE - 1º dia
AC/DC - Estádio Alvalade, Lisboa
MEGADETH - Pav. Atlântico, Lisboa
MASSIVE ATTACK - Campo Pequeno, Lisboa
PORCUPINE TREE e STICKMEN - Incrível Almadense
RAMMSTEIN - Pav. Atlântico, Lisboa
THE CULT - Coliseu, Lisboa
DEPECHE MODE - Pav. Atlântico, Lisboa
THE PRODIGY - Pav. Atlântico, Lisboa

Prodigy no pavilhão Atlântico: EUFORIA ELECTRO PUNK

2009-12-09T17:49:00.010Z

Os The Prodigy actuaram no nosso país no passado dia 7 de Dezembro. Uma audiência em histeria colectiva preencheu pouco mais que metade do pavilhão Atlântico, em Lisboa, mostrando que a banda já tem uma legião fiel, e louca, de fãs em Portugal.
Na primeira parte tivemos um dos projectos mais originais que surgiram no Reino Unido nos últimos anos. Os Enter Shikari oferceram ao público três quartos de hora da sua curiosa mistura de emo-core e electrónica, numa actuação que respirou energia e originalidade. Mostrando músicas do seu primeiro álbum, destacou-se principalmente o trabalho do guitarrista e a inovação das canções. Se aprofundarem a sua veia mais experimental e não derivarem para o rock mais banal, de certeza que vai se ouvir falar muito neles.
Depois tivemos um dj set de um convidado dos Prodigy que apostou no tipo de música que mandava nessa noite: o rock misturado com a dança. Depois de uma longa espera, cai o pano e os Prodigy entram no meio de fumo e focos a contra-luz. "World's On Fire" dava o mote para o que se sguiria: energia a rodos com os dois vocalistas - Maxim e Keith Flint - imparáveis e o som altamente nítido e poderoso. O cenário encontra-se repleto de luzes de várias formas e cores que mudam conforme o tema. O guitarrista e baterista que acompanham o grupo providenciam uma dose extra de energia em palco, apesar de estarem em regime semi-karaoke já que o grosso do som que sai das colunas é proporcionado pelo mago dos teclados, Liam Howlet, o grande criativo e líder do grupo.
Se o início já tinha sido esfusiante, com a segunda música provoca novo momento de euforia:"Breathe" põe toda agente ao pulos. "Omen" foi muito bem recebido e entoado por muitos dos presentes, bem como "Poison", com muitas partes diferente em relação à gravação original embora tenha sido dos temas que careceu de melhor som. As alterações ou melhorias de arranjos de temas antigos foi uma contante e tudo para melhor. Com "Warrior's Dance" o público entra de novo em ebulição com o tema a soar muito mais pesado do que em disco. Aliás as músicas do último álbum soam bem melhores ao vivo. A seguir veio a melhor parte do concerto com "Firestarter", numa versão próxima do original ao contrário de outros concertos, encadeada com "Run With The Wolves" com Keith Flint, que recuperou o seu penteado mais popular, naturalmente em destaque. "Voodoo People" surge com um intermezzo rock a acentuar o estilo mais agreste dos Prodigy actuais.
O sensaboroso tema título do último trabalho surgiu numa abordagem totalmente diferente com Maxim a intercalar vocalizações com gritos de incentivo ao público, e depois, sem paragens, inicia-se "Diesel Power" que agora beneficia de uma ladainha tipo celta a encher mais o tema. Em "Smack My Bitch Up", Maxim incentiva os presentes a agacharem-se para saltarem no momento do refrão e foi neste clima que o grupo abandona o palco por breves instantes. Não demoraram muito até voltarem com "Take Me To The Hospital", outra do último muito bem recebida, "Out Of Space" e "No Good". Para o fim executaram o saudoso "Their Law", com os seus graves a abanar as estruturas do recinto.

O concerto pecou por escasso o que se insere no espírito "curto e directo" da banda mas que sabe a pouco tendo em conta a extensa discografia da banda. Ou seja, um verdadeiro concerto raw, como o grupo gosta de dizer, em que o estatuto de música de dança ou de djeeing se encontra bastante diluído. Numa altura em que já não são "A" banda da moda, os Prodigy acabam mesmo assim por garantir um espectáculo bombástico, único e personalizado, mostrando ser os dignos representantes da música electrónica-dance no grupo das maiores bandas globais.

Massive Attack ao vivo em Lisboa: O ESPÍRITO DO TEMPO

2009-11-23T22:15:00.014Z

Os Massive Attack efectuaram, no passado dia 21 de Novembro, na primeira de duas noites de actuação no Campo Pequeno em Lisboa, mais uma irrepreensível actuação no nosso País. Englobado na tour de pré-apresentação de um novo álbum a ser lançado o ano que vem, o concerto segue uma linha em termos de conceito cénico que remete já para o novo disco.
O primeiros quatro temas do alinhamento, assim como uma boa parte deste, é constituído por temas desconhecidos do público. Assim desfilaram composições que se distinguem pelo seu experimentalismo, bem como pelo seu ambiente soturno mas nem por isso menos atractivo. As novas canções, para além da dos novos sons que trazem, distinguem-se também pela maior diversidade rítmica, procurando fugir ao estereótipo trip-hop.
Com "Risingson" veio o primeiro grande aplauso da noite e a constatação que o som beneficiava de excelentes condições. Nas vocalizações, para além do núcleo duro da banda - 3D e Daddy G - tivemos Howard Andy, que volta a marcar presença em 2 novos temas, para além do clássico "Angel"; Martina Topley-Bird, que actuou a solo na 1ªa parte, canta em várias das novas canções dos Massive Attack e ainda fez uma perninha em "Teardrop", para além de ajudar nos sintetizadores; e Deborah Miller que interpreta os mais solarengos, "Safe From Harm" e "Unfinished Sympathy".
A cenografia de palco, constitída por um ecrã de leds que recortava os músicos de apoio - que incluiu dois bateristas, um teclista , baixo e guitarra - revelou-se extraordinário. Cada canção sugeria um novo motivo para as imagens, fossem apenas imagens abstractas, iluminações psicadélicas, sugestões de paisagens e as mais variadas informações escritas ...em português (thank you!). Numa das músicas, números estatísticos que comparavam o mundo desenvolvido com os países menos desenvolvidos apareciam no ecrã. Noutra, eram citações de personalidades como Che Ghevara ou Mandela; noutra, apareciam títulos de notícias (algumas sobre futebol que suscitaram aplausos ou apupos conforme o gosto),... enfim uma panóplia de informação que exigia ao público permanente concentração ao mesmo tempo que sustentava o perfil cinemático deste estilo musical.
Para os encores tivemos o apontamento curioso (mas apenas isso) que é "Splitting The Atom", do EP com o mesmo nome acabado de editar, o já referido "Unfinished Sympathy" e um surpreendente "Marrakesh", com um final intenso e hipnótico com o ecrã a passar imagens frenéticas e coloridas de simbologia oriental e não só. "Karmacoma", com novos e mais ricos arranjos, marcou a despedida finda a qual todos os participantes e músicos subiram ao palco para os agradecimentos.
Os Massive Attack aproveitam a sua música aparentemente calma e relaxante para despertar consciências e, acima de tudo, permanecer na crista da onda, não só a nível sonoro como a recriar lírica e visualmente os grandes temas e questões do mundo actual, para além de oferecer um espectáculo que respira modernidade.

Rammstein ao vivo: ...E LISBOA PEGOU FOGO

2009-11-10T18:02:00.005Z

Soberbo! Extraordinário! Faltam adjectivos para qualificar esta actuação dos Rammstein, apesar de algumas vozes discordantes que se calhar preferiam um alinhamento mais em regime de colectânea de sucessos. No entanto, tal como seria previsível, o novíssimo álbum do grupo acabou por servir de base a grande parte do espectáculo a que se assistiu no passado dia 8 de Novembro no Pavilhão Atlântico.
O concerto iniciou-se com o pavilhão Atlântico às escuras enquanto o ruído de obras acontevia e o palco, do qual só se perspectivava um muro negro, começou a abrir brechas, numa alusão, talvez, ao recente aniversário da queda do muro de Berlin (recorde-se que os Rammstein proveêm da ex-RDA). "Rammlied", "B*****" e "Waidmanns Heil" deram início às hostilidades com o show cénico já característico do grupo. O poderosíssimo "Keine Lust" e o tecno-metalaleiro "Weisses Fleish" foram os primeiros clássicos a desfilar. De resto, tudo o que a gente poderia querer de um concerto dos Rammstein: chamas, labaredas, explosões e inúmeras nuances cénicas e de luzes. Nem faltou um suposto intruso a ser atingido pelo lança-chamas do vocalista, correndo depois pelo palco em chamas, num truque que deve ter assustado os mais desprevenidos. Em "Wiener Blut" bonecas de plástico descem do tecto numa atmosfera macabra, em "Ich Tu Dir Weh" o vocalista sobe um pequeno elevador para dar um banho de fogo de artifício ao teclista e em "Feuer Frei" assistiu-se à já tradicional luta de "lança-chamas faciais".
Depois do fantástico tema título do último álbum, assistiu-se a um desfilar de êxitos como "Benzin", "Links 2 3 4", "Du Hast" - com raios laser e foguetes a passar por cima da plateia - e "Pussy" - com Tll Lienderman em cima de um foguete a enviar espuma para o público até uma explosão de confetis na primeira despedida do palco.
Nos encores assistimos a um fantástico "Sonne", com luzes alaranjadas a crias um fantástico ambiente, "Ich Will" entoado por todos, o velhinho "Seemann" e o assobio do épico "Engel" para as despedidas.
Em suma, um concerto grandioso que confirma os Rammstein como a banda rock-metal com melhor produção em palco do Mundo. Uma espécie de Pink Floyd do metal.
Nota negativa para grande parte do público presente, mais preocupado em filmar o concerto em vez de nele participar mostrando-se, por isso, muito estático para concertos desta natureza.
Na primeira parte tivemos os gótico-industriais, Combichrist, que surpreenderam positivamente. Esperemos ouvi-los mais vezes nos próximos tempos.

Discos: RAMMSTEIN - "LIEBE IST FUR ALLE DA"

2009-11-05T17:11:00.011Z

No próximo dia 8 de Novembro os Rammstein vão actuar em Lisboa, no Pavilhão Atlântico. A banda acabou de lançar o seu primeiro álbum de originais em 4 anos - "Liebe ist für alle da" (O amor cura tudo - que é bem capaz de ser dos melhores, senão o melhor, álbum da sua carreira.

Os Rammstein começaram a cimentar o seu estatuto através dos seus espectáculos, literalmente incendiários, em que a vertente visual assumia um importante papel. A sua fama era mais notória na Alemanha e a sua música caracterizava-se por ser uma mistura uma espécie de crossover tecno-metal com influências de algum rock industrial - nomeadamente bandas como Ministry. Quando a fama começou a bater à porta, o grupo cerrou fileiras e resolveu apostar em temas de mais qualidade e densidade. Com o álbum "Mutter" os Rammstein deram um novo impulso à sua carreira, com temas com outra estrutura, procurando efectuar bons temas metal, no sentido lato do termo, enérgicos, acrescentando uma nova vertente melódica, patente nos refrões orlhudos e nos aranjos épicos. "Reise Reise" continuou essa evolução, apresentando temas de maior qualidade, enquanto que em "Rosenrot" se pressentiu já alguma estagnação, apesar de alguns pontos altos. Posto isto, a banda dedidiu fazer uma paragem tendo-se dedicado a outros projectos, como os Emigrate do guitarrista Richard Kruspe.

Ao fim deste tempo, pode-se dizer que a paragem foi frutuosa pois os Rammstein apresentam-nos aqui um trabalho de grande nível. Logo àbrir, "Rammlied" mostra a maior novidade a nível técnico com reflexo no som geral da banda: a bateria tem agora duplo bombo, que acompanha os power chords das guitarras na perfeição. Ou seja, a agressividade característica soa amplificada. Sinistros sons electrónicos fazem a introdução para o segundo tema, "Ich Tu Dir Weh" é na certa um novo hino nos concertos da banda. Outro dado assinalável: a voz de Till Lindemann está muito mais eclética, sendo as suas opções melódicas muito mais diversificadas do que até aqui.

"Waidmanns Heil" é apenas uma boa réplica de "Feuer Frei", mas "Haifisch" é diferente de tudo o que o grupo já fez , uma espécie de electro-ska clashiano. "B*******" é uma grande canção à Rammstein e "Frühling in Paris" é uma versão de Edit Piaf, num estilo folk semelhante a outros temas que a banda já fez. "Pussy", o single de avanço, é já um hit com o som único e personalizado do grupo em acção. Para o fim, ficamos talvez com dois dos temas mais fortes de todo o álbum: o espectacular tema título e ainda "Mehr", metal limpo e mecânico, com uma produção irrepreensível a roçar a perfeição, no fundo a mistura que é o segredo da banda.

Na tendência ascendente que tem caracterizado a sua carreira, os Rammstein dão outro passo em frente com este novo trabalho, em termos de qualidade, talento e, possivelmente, sucesso, afirmando-se cada vez mais como uma das bandas mais destacadas do planeta.

António Sérgio: a voz que marcou uma era

2009-11-02T10:50:00.002Z

A importância que António Sérgio teve para a rádio e para a divulgação musical foi enorme. O seu maior feito terá sido, por ventura, numa época como o pós 25 de Abril e toda a década de 80, em que as rádios eram poucas e a diversidade musical escassa, foi o primeiro (e durante muito tempo o único) a divulgar o que de melhor, mais inovador e com mais qualidade se fazia no Mundo em termos musicais.
Numa altura em que as rádios e a tv só passavam música pop comercial, numa autêntica ditadura do “gosto”, foi ele o responsável em Portugal por muitos terem conhecido bandas que hoje são consensualmente das melhores de todos os tempos. Através daquele programa histórico chamado "Som Da Frente", António Sérgio foi, provavelmente, a pessoa em Portugal que primeiro deu a conhecer a música dos U2, The Cure, The Cult, Joy Division, New Order, Bauhaus, Depeche Mode, Cocteau Twins, etc. Através do seu "Lança Chamas" foi também responsável pela introdução da palavra metal no vocabulário de muitos melómanos, numa altura em que só se ouvia o hard-rock politicamente correcto e que um homem com cabelo comprido era apontado na rua (meados de 80).
Apesar de todo o talento na investigação e divulgação musical que continuou a ter ao longo dos anos, essa importância histórica e geracional na divulgação da música é o traço mais meritório de todos na carreira de António Sérgio. Não o esqueceremos sempre que ouvirmos boa música!

Discos: ALICE IN CHAINS - "BLACK GIVES WAY TO BLUE"

2009-10-19T17:21:00.009+01:00

Os Alice In Chains regressaram aos originais, 14 anos depois do seu último trabalho de inéditos e 7 anos depois do desaparecimento do seu inigualável vocalista, Layne Staley. A importância do talentoso cantor na banda não fazia crer que ela voltasse sem a sua presença. Mas a vida dá muitas voltas e aqueles que viram os Alice In Chains em Portugal, no festival Super Rock de 2006 durante a sua tour de regresso, puderam observar que o novo vocalista recriava os clássicos da banda de forma quase perfeita. Assim, o passo seguinte seria, como é óbvio, regressar aos discos.

Assim, no final de Setembro acaba por ver a luz do dia o novo álbum que traz de volta o som característico que tanto distinguiu o grupo. A qualidade e o talento mantém-se, com as composições a serem escolhidas a dedo, sendo todas de grande nível, muito mais inspiradas, por exemplo, do que a generalidade dos álbuns a solo do guitarrista Jerry Cantrell. O novo vocalista, William Duvall, segue a preceito a cartilha do seu predecessor tanto no tipo de melodias como na sua produção, constituída por várias pistas de voz conjugadas num todo harmónico e característico. Agora em estúdio até se verifica-se a voz de Duvall não é tão igual à de Layne Staley, embora se adapte que nem uma luva ao estilo da banda, para além de contar com a colaboração estreita de Jerry.

"All Secrets Known" é uma espécie de valsa com dedilhado de guitarra que começa muito adequadamente com o verso «A new begining...», "Check My Brain" é o perfeito cartão de apresentação do disco, enquanto que "A Looking In View" é o tema mais forte à la Alice In Chains. Existem também os temas que citam o universo acústico do grupo (popularizado em trabalhos como o EP "Jar Of Flies" de 1993) como "Your Decision" e "When The Sun Rose Again". "Acid Buble" é outra grande e inspirada composição, a fazer lembrar levemente Bauhaus, enquanto que o tema título é, porventura, o tema mais comercial de todo o disco.

Este álbum não chega ao génio da obra prima dos Alice In Chains, "Dirt" (de 1992): por um lado porque ao tempo em que aquele álbum surgiu este som era mais inovador e, por outro lado, porque a maior parte das obras primas não surgem de forma propositada. Em todo o caso, é um regresso bombástico, com um som único e canções plenas, a milhas de diatância dos inúmeros imitadores da banda, alguns deles com basto sucesso.

Os melhores álbuns de sempre: YES - "CLOSE TO THE EDGE"

2009-10-15T15:33:00.005+01:00

Comentário por Alexandre Quintela

Chegados a 1972 numa fase de profunda interacção harmoniosa entre os músicos atestada pelos dois trabalhos anteriores – The Yes Álbum e Fragile - os YES lançam o seu quinto álbum, Close to the Edge, uma obra corajosa e magistralmente conseguida e com uma aposta acentuada nas eclécticas técnicas de criatividade dos seus membros.
Na sua melhor formação de sempre constavam Jon Anderson (voz), Chris Squire (baixo e back vocals), Steve Howe (guitarra e back vocals), Rick Wakeman (teclados e alguma excentricidade barroca) e Bill Bruford (bateria).
Na faixa título a banda apresenta uma composição épica e difusa, assente numa estrutura clássica em quatro andamentos – embora também com traços que vão desde groovie a pastoral - onde cada detalhe técnico dos diferentes instrumentos se evidencia. Todo o álbum, mas a letra da faixa título em particular, parece ter sido inspirado no livro Siddharta de Hermann Hesse em estreita sinergia com a propensão espiritual conferida por Jon Anderson.
As invulgares marcações dos tempos aliadas à complexidade dos arranjos, além do cunho musical erudito e virtuoso, são as características que melhor definem a inovação que consistiu “Close To The Edge”, considerado por muitos o ponto mais elevado do Rock Progressivo.
O tema “And You and I”, é uma autêntica ode bucólica onde Howe executa com guitarra de 12 cordas temperada com mellotron em crescendo, resultando num momento muito melódico. De sublinhar o poder de síntese de Wakeman.
O tema que encerra o álbum, “Siberian Khatru", é mais acessível desde logo pelos emblemáticos riffs que contornam a música mas também por configurar um curioso cruzamento místico com cadência quase funk. É uma das malhas mais conhecidas e que, resultando muito bem ao vivo, seria a música de abertura de maior parte dos concertos dos YES.
Em Junho de 1972, depois de concluído todo o trabalho de estúdio o baterista Bill Bruford deixa subitamente a banda para se juntar aos King Crimson, pois ansiava por um outro tipo de abordagem mais experimental do progressivo. Desta forma o baterista substituto, Alan White, igualmente uma grande contratação, iniciou a nova digressão europeia, de onde resultaria um grande registo ao vivo, “Yessongs”, gravado em finais de 1972.

Xutos & Pontapés ao vivo no Estádio do Restelo

2009-09-29T14:32:00.007+01:00

(Resenha por Jorge Blanch)

A ideia já germinava na banda depois do 25º aniversário, altura em que “a melhor banda de rock portuguesa” enchia pela 2ª vez o Pavilhão Atlântico. Atingidos os 30 anos, a persistente banda levou avante a sua intenção de comemorar de uma forma diferente, com a mais arrojada produção, e para isso escolheu um estádio. Esse estádio só podia mesmo ser o do Restelo (bairro de Kalu e do mítico Pavilhão). O palco foi construído pela empresa responsável pelas tournés de U2 ou Rolling Stones, e constituída pela melhor tecnologia ao nível de som, imagem e luzes.
Foi neste contexto que os Xutos surgem na noite de dia 26 de Setembro. Desde logo a chegada da banda ao estádio foi apoteótica, através de um automóvel (seguida pelo público através dos ecrans), e de repente percebe-se que a banda não surge imediatamente em palco, mas sim a descer as bancadas do estádio, do lado oposto ao palco e, por incrível que possa parecer, percorreram todo o relvado descontraidamente junto aos fans! A banda na sua simplicidade e em conjugação com o público, o habitual…
O estádio estava repleto e com uma diversidade de gerações ao alcance de poucos. Eis que o concerto começa uns minutos depois, com o tema forte “Quem é quem”, muito bem recebido, bem como todos os que se lhe seguiram. A partir daí foi um desenrolar de hinos do rock português, passando por todos os álbuns. Destaque para os temas: Conta-me histórias (esquecida durante algum tempo, e um dos melhores temas da banda), Remar Remar (para muitos o melhor tema da carreira), Sangue na Cidade (com a excelente prestação de Pac Man), o set acústico que incluiu o inevitável Homem do Leme (com Camané na voz), Esta Cidade, Circo de Feras, Prisão em Si (brilhante) ou as festivas Chuva Dissolvente, Casinha, À Minha Maneira ou as prestações na voz de Zé Pedro com Submissão e Kalu com Sem Eira Nem Beira. Mas foi João Cabeleira quem mais se destacou pelo seu virtuosismo. Em excelente forma.
Uma nota menos positiva para o alinhamento foi a não presença de nenhum tema de 78-82 (o único álbum não apresentado) o que num 30º aniversário parece um pouco incompreensível (até pelo número de músicas dispensáveis do último álbum), bem como hinos como o 1º single Semen ou 1 de Agosto.
E assim se desenvolveu mais um episódio da história da banda e…das nossas vidas.

The Cult ao vivo: O ROCK DEVIA SER SEMPRE ASSIM

2009-09-26T15:21:00.008+01:00

Os The Cult actuaram no passado dia 25 de Setembro no Coliseu de Lisboa, numa tourneé detinada a celebrar o clássico álbum "Love". E o mínimo que se pode dizer é que foi um concerto com C grande. Desde a introdução até ao final, o espectáculo foi vibrante quer da parte da banda quer do público.O início fez-se de uma introdução que junto com as imagens de fundo aludiu à imagética índia, desde sempre muito associada à banda. Com a entrada de rompante com "Nirvana", os Cult deram início à execução na íntegra daquele mítico álbum (excepto os temas bónus de certas edições). O espectáculo visual é assombroso e o público delira. "Big Neon" e o tema título mostram-se poderosos, com solos cortantes, enquanto que "Brother Wolf and Sister Moon" soou mágico na sua espiritualidade mística. Mas foi com "Rain" e "She Sells Sanctuary" que houve as grandes explosões da parte do público que enchia o Coliseu, entoando os riffs e ajudando o vocalista Ian Astbury nos refrões.

O guitarrista e compositor Billy Duffy (com as suas poses imagem de marca) e a restante banda mostram-se ireepreensíveis na execução técnica, as projecções vídeo no fundo do palco são excelentemente bem escolhidas e Ian Astbury continúa um mestre de cerimónias, apesar dos seus devaneios vocais ao vivo, incentivando o público e atirando panderentas para a plateia.

Depois de uma saída de palco, os Cult regressam para um encore potentoso num rodopio de sucessos - como "Wild Flower", "Sun King" e "Fire Woman", entre outras - recebidos esfusiantemente, para além da passagem pelos singles dos últimos álbuns: "Rise" (de "Beyond Good And Evil") e "Little Rock Star" (de "Born Into This"). Para o final ficou guardado o hino "Love Removal Machine" com o seu final em hardcore para a despedida.

A reacção dos fãs merecia por ventura um regresso mas as luzes do recinto acenderam-se em sinal de adeus definitivo. O público ainda estava ainda embasbacado com o fulgor da actuação. A execução do álbum em destaque neste espectáculo, "Love", soou maravilhosa, beneficiando da excelente qualidade das músicas, do seu alinhamento, da boa produção visual e do som mais sofisticado que agora ganham. O encore realizou-se num ambiente de clímax constante com êxitos em catadupa e, por isso mesmo, talvez tenha carecido de um tema calmo para ficar mais bem composto.

Em todo o caso, uma actuação quase perfeita a mostrar como se faz um verdadeiro concerto rock com talento e técnica.

Link vídeo aqui.

Faith No More no festival Sudoeste: ABENÇOADA LOCURA ÉPICA!

2009-08-10T14:44:00.006+01:00

Não há palavras! É sempre maravilhoso quando artistas verdadeiramente arrojados e talentosos decidem voltar ao activo para nos oferecerem um concertão destes que nos deixam totalmente atordoados. Um autêntico espectáculo no sentido mais lato da palavra.
Os Faith No More regressaram a Portugal para uma actuação no festival Sudoeste, na Zambujeira do Mar, no passado dia 8 de Agosto. Ao contrário do publicitado, a audiência não estava conquistada à partida. Tirando uma boa fatia de público que se concentrou à frente do palco, havia uma atitude de expectativa em grande parte dos presentes no Festival.
As desconfianças aumentaram quando a banda entra em palco de fato a rigor com o tema, muito easy-listening, "Reunited" de Peaches & Herb. Mas quem é fã de longa data já sabe o que a casa gasta, pois logo em seguida atacam "Land Of Sunshine" uma das canções que mais simbolizam o estilo aventureiro e louco da banda de San Francisco. A mutação nota-se ainda mais no vocalista Mike Patton. De crooner romântico passa para esgares metaleiros em questão de segundos.

O teclista Rody Button solta um «como 'fuckin' vais» e Mike Patton canta uma versão integralmente em português de "Evidence". Fantástico, apesar da pronúncia.
Os hits "Last Cup Of Sorrow", "Ashes To Ashes" e "Midlife Crises" foram muito bem recebidos, com o vocalista a deixar o público cantar o refrão nesta última sem nenhum instrumento a acompanhar. Com as calmas "Easy" e "I Starded a Joke" a audiência entrou em delírio, acompanhando as coreografias de Patton.
A atitude o vocalista é sempre jocosa e provocante, como quando se meteu com um espectador que envergava uma máscara de cirugião. De resto a referência a Portugal e as provocações bem humoradas ao público foram uma constante. Espectacular é a energia em palco de Patton em conjugação com o admirável nível vocal, por vezes melhor ainda do que nos discos, para além de todos os pequenos pormenores, ruídos etc. e da presença e sentido de comunicação que são contagiantes. Apesar da importância do cantor, os músicos são também de uma qualidade excepcional, nomeadamente Billy Gould, com os seus riffs de baixo e passagens, que juntamente ao rigoroso Mike Bordin na bateria asseguram a base rítimica e boa parte da criatividade deste grupo. O teclista, por seu lado, mantém a sua importância na música da banda, para além dos backing vocals e de substituir às vezes Patton como comunicador oficial do grupo. O guitarrista John Hudson mantém a postura discreta, mas nem por isso deixa os seus créditos por mãos alheias no que respeita à impecável execução dos temas.
Na parte final da canção "King For A Day", o grupo deriva para um improviso, com Patton a manipular a caixa de efeitos de voz e a sonoridade geral a aproximar-se de um ambientalismo psicadélico que nunca tínhamos ouvido antes, o que pode significar um prenúncio de novas abordagens num eventual regresso do grupo aos originais.
O final da actuação principal foi já em êxtase, com a totalidade do público rendido e conquistado,desfilando "Be Agressive", o fantástico "Epic" e "Just A Man" com Patton a envergar um chapeu de palha atirado por um espectador e a descer até junto da plateia incentivando os presentes a cantar.

Para o encore ticvemos um inenarrável "Charriots Of Fire" de Vangelis, com Patton a simular um atleta em câmara lenta, um espectacular de "Stripsearch", com os teclados bem salientes ao contrário de outros temas em que pareceram um pouco baixos, e "Ugly In The Morning", um tema que exmplifica bem o "som Faith No More": sessão rítmica deambulante (impossível ficar quieto), mudanças de ritmo rápidas, e a voz a alternar a melodia com palavras de ordem berradas. «Do you want some 'mais'?» atirava o frotman. Depois do instrumental "Midnight Cowboy", com Patton a acertar umas ao lado na gaita («aouch!»), o vocalista anuncia que tem que redimir-se e executam "We Care A Lot" com a garra toda e a audiência a correponder entoando o tema quase todo. O público, à semalhança das outras saídas de palco, ainda gritou e cantou mas a banda depediu-se ao som de «olé, olés».
O futuro dos Faith No More ainda é uma incógnita mas, para já, o regresso foi mais que justificado, efectuando uma actuação de encher o olho que deve ter deixado as gerações mais novas de boca aberta tal a energia e criatividade transmitidas. O que mais impressiona neste grupo é o seu conceito que se pode classificar de "música total": beneficiando da versatilidade dos seu vocalista e dos talento dos seus músicos, os Faith No More são daqueles raros artistas que apostam em preencher a paleta inteira de gostos de um ouvinte médio. Do funk e do metal ao easy-listening e ao rock sinfónico, os Faith No More abarcam todos estes estilos, tudo com muita coesão e um elevado sentido pop que acaba por ser o que atrai as multidoões.

Festival Alive: 5 ESTRELAS E 1 SOL

2009-07-12T17:12:00.008+01:00

O dia dedicado ao metal do Festival Alive foi, como se esperava, magnífica, com música de grande qualidade, som e e espectáculo visual a nível elevado e o público a condizer nas suas manifestações, até porque se tratava da sempre expressiva tribo metaleira.
A abrir as hostilidades, no palco principal, estiveram os portugueses Ramp, que regressaram aos grandes concertos depois de um largo período de reduzida ou quase nula actividade. A banda fez questão de lembrar isso mesmo ao dar as boas vindas "novamente" aos Metallica, eles que já tinham feito a 1ª parte dos norte-americanos há precisamente 10 anos (um dos pontos altos da sua já longa carreira para além de outros como, por exemplo, a presença no Ozzfest). A banda, em jeito de festejo, realizou uma actuação onde executaram os seus temas mais conhecidos com toda a sua energia e com grande receptividade por parte do público. Ficamos à espera de mais concertos, se possível, na preferência deste escriba, com maior destaque para o clássico "Intersection".
A seguir veio um dos concertos mais esperados do dia. Os Mastodon realizaram uma actuação que percorreu o seu longo leque estilístico, indo do mais rápido ao mais calmo, do mais enérgico ao mais psicadélico, tudo sob um manto de grande criatividade e inspiração. Se temas como "The Wolf Is Loose" e "Blood And Thunder" instalaram o caos na plateia, os temas do último álbum convidaram mais à observação e audição. Para daqui a alguns meses está previso o merecido concerto em nome próprio com direito a cenografia e projecções vídeo.
Muito mosh e muita e locura aconteceram durante o concerto de Lamb Of God. A intensidade e o peso da música fizeram desta a actuação mais pesada do dia. O grupo aproveitou o facto do tempo de actuação ser curto para brindarem os presentes com as melhores canções do seu catálogo desde o fantático "In Your Words", do último álbum, até ao velhinho "Now You've got Something To Die For". O peso e os ritmos extremamente balanceados não dã hipótese de deixar algum corpo quieto. Fantástico também é observar como a influência de uns Pantera perdura nas novas bandas passados todos estes anos.
Os Machine Head já são uma banda consagrada, conforme se viu pela recepção calorosa de grande parte do público. Um ano depois da actuação no Rock In Rio, o grupo apresentou um alinhamento que inclui muitos dos grandes temas da sua carreira - como "Struck A Nerve" ou "Bulldozer", para além da recuperação de "Beautiful Morning", que consta do jogo "Guitar Heroe - Metallica". Este facto fez com que todo o tempo do espectáculo tenha decorrido em apoteose constante, com hits atrás de hits, refrões entoados e mosh do palco até à mesa de som. Nem a presença em palco da mãe «100% portuguese» de Phil Demmel faltou. E Robb Flyn continúa um verdadeiro mestre de cerimónias.

Os Slipknot não deixaram os créditos por mãos alheias e efectuaram também um grande concerto. Começando com os clássicos "(Sic)" e "Eyeless", o grupo apostou numa mistura dos seus temas mais conhecidos, como "People =Shit" e "Psychosocial", com outros mais técnicos, como "Sulfur" ou "Disasterpiece". O público mais chegado ao palco notou-se ser mais jovem do que quele mais adepto de outras bandas, entoando em coro temas como "Duality" e "Wait And Bleed". "Surfacing" e "Spit It Out", com Corey Tyler a mandar o público agachar-se, foram os temas para acabar em beleza (??).
Os Metallica, como banda mais esperada, foram recebidos em delírio e corresponderam com um concerto impecavelmente bem executado. Ao contrário do que se estava à espera, algumas canções do último álbum ficaram de fora e as maiores novidades acabaram por ser "Broken, Beated & Scared", "Cyanid", "All Nightmare's Long" e "The Day That Never Comes", para além da recuperação do esquecido "Holier Than Thou". De resto, o grupo aposta em agradar aos convertidos que agradecem o conservadorismo dos seus ídolos e entram em êxtase com clássicos como "Blackened", "For Whom The Bell Tolls", "Fade To Black", "One", "Master Of Puppets" e "Fight Fire With Fire". O final com "Enter Sandman" foi apoteótico, com fogos de artifício, tal como o final do encore com "Seek And Destroy", com a maior parte dos presentes a entoarem o refrão.
Depois deste dia, e perante a reacção do público em relação às bandas, pode-se concluir que há espaço para um festival na área do rock/metal com grandes nomes (o Ermal aposta mais na quantidade do que na dimensão comercial das bandas). Vamos ver quem se arrisca a fazê-lo.... sem trazer cá os Metallica.

Para ler a crítica aos outros dias, consultar:
http://blitz.aeiou.pt/gen.pl?p=stories&op=view&m=5&fokey=bz.stories/48591
http://blitz.aeiou.pt/gen.pl?p=stories&op=view&m=5&fokey=bz.stories/48633

DREAM THEATRE e PENDRAGON - Ao vivo no Coliseu de Lisboa

2009-06-19T16:49:00.006+01:00

(Resenha de Jorge Blanch)
Foi um concerto muito bom com 5000 almas a abarrotar e a vibrar com Dream Theatre e Pendragon no passado dia 18 de Junho no Coliseu de Lisboa.
Os Pendragon demonstraram estar em grande forma, Do pouco tempo que dispuseram, tocaram as esperadas (do último de originais, que é mais pesado que o resto do reportório : Indigo+Eraserhead+Freakshow), e para acabar numa homenagem ao rock sinfónico, devolvendo aos grandes palcos a sonoridade tão comum aos Marillion de Fish, com Master of Illusion, numa versão mais rápida.Se a banda toda esteve irrepreensível, a voz de Nick Barret já não sendo a melhor, esteve um pouco abaixo do habitual. Será que o fan do surf esteve no Guincho ao sol (estavam moreninhos) e a beber bejecas?? JTiveram também a “fava” habitual para quem abre os concertos, prejudicados com a definição do som incomparavelmente inferior aos DT.Nota-se uma nova vida na banda (ao qual não é alheio o vigor e virtuosismo do novo baterista), que, recorde-se, esteve prestes para acabar antes de lançar o último álbum…

Os reis da noite os Dream Theater deram um concerto….”à Dream Theater”, o habitual virtuosismo e descontracção a tocar.
Um set list que abordou quase todos os álbuns, onde se destacaram Metropolis (quiçá o melhor momento da noite, que incluiu um “duelo” entre teclados móveis e guitarra), Learning to Live, Voices, The Spirit Carries On, As I Am, In the presence of Enemies I, ou o mais recente Rite of Passage.
Pode-se dizer que o La Brie também esteve no Guincho…, visto que a voz também não me pareceu estar no melhor.
O público que transbordou a sala, bem como o suor…, vibrou em grande parte dos temas, mas notoriamente a preferir os temas mais pesados ( e mais recentes). De destacar o número de t-shirts de DT que demonstram a popularidade da banda entre nós.
Nos concertos de DT o que acaba por variar acaba por ser a escolha do set list, que faz pender as opiniões…, porque ao nível de performance essa é sempre irrepreensível.
A banda atravessa também um bom momento em termos de criatividade, sendo que o último álbum me parece o melhor desde há muitos anos, mais coerente e com um metal mais “facilmente digerível”.